La Galette du Mardi

Chaque mardi, je présente une galette. Je les pioche dans un répertoire majoritairement rock progressif mais ne me fixe aucune ligne directrice, tant que la galette est savoureuse et unique.

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Galette #36 - Semantic Saturation - Solipsistic

Artiste : Semantic Saturation Album : Solipsistic Année : 2013 Pays : Canada, USA, Australie Genre : Rock/Metal Progressif instrumental A écouter : En vous questionnant sur le sens de la vie et de l'Univers

Saturation sémantique... Drôle de nom pour un groupe de musique instrumentale... Cette étrange expression qui signifie en psychologie la perte momentanée du sens des mots à force de penser à leurs sonorités (pour faire le lien avec la galette de la semaine dernière, c'est ce qui arrive à Egaeus dans Bérénice de Edgar Allan Poe) sied pourtant bien à la musique de ce groupe.

Semantic Saturation est un projet du guitariste Shant Hagopian. Le premier et, à ce jour, unique album de ce groupe, Solipsistic a une histoire pour le moins atypique. Ce jeune musicien Arménien originaire de Syrie vivant depuis peu à Montréal à en effet d'abord composé et enregistré seul les différentes pistes de son album avant d'envoyer cette maquette avec des instructions à différents autres musiciens de part le monde pour qu'ils puissent y ajouter leur contribution. Au final de ce procédé, on se retrouve avec un album de huit pistes instrumentales et une piste chantée, avec des guests plutôt prestigieux pour un artiste qui perce.

Tout d'abord Ric Fierabracci, bassiste au style plutôt Jazz et aux collaborations variées allant des Beach Boys à Shakira (oui, oui, Shakira) en passant par Sir Tom Jones, ce bassiste star donne à cet album un style légèrement fusion sur certaines pistes. Ensuite Derek Sherinian, claviériste de Planet X que tout le monde présente comme étant l'ex claviériste de Dream Theater alors qu'il n’apparaît que sur un album du groupe (Falling Into Infinity) considéré d'ailleurs par beaucoup comme le pire de leur discographie, cela n'est cependant pas dû la performance de Derek et l'album Solipsistic prouve une nouvelle fois le talent de ce claviériste. On trouve aussi sur cet album le batteur australien Virgil Donati, lui aussi de Planet X et Andy Kuntz du groupe de Prog allemand Vanden Plas aux chants dans la dernière piste.

Bien que ce projet instrumental et presque solo d'un guitariste peut évoquer au premier abord des artiste comme Joe Satriani ou Yngwie Malmsteen, le style de Shan Hagopian, très inspiré par le Prog, est bien moins égoïste, donnant une place importante aux autres instruments et permettant des structures de morceaux variées. Bien sûr, ce musicien prometteur n'égale pas la virtuosité des deux Guitar Heroes que je viens de citer mais il apporte bien assez de technique et de talent pour être impressionnant et nous savons tous qu'il vaut mieux trois notes bien placées qu'une dizaine choisies à la va-vite...

Ainsi se développe cet album, notes bien placées par notes bien placées, les morceaux assez Metal cotoient des morceaux plus légers, des passages accrocheurs se mêlent à des passages énigmatique et des solos très techniques croisent de simples lignes de guitare. Toutes ces pistes variées sont nommées par autant d'étranges noms, tout comme celui du groupe lui-même ou de l'album (le solipsisme, c'est le fait de se croire la seule personne réelle et de considérer tous les autres comme des illusions). On trouve ainsi pêle-mêle, Point of Singularity, Ambivalence, Time is an Illusion ou encore, Lost and Found : Insanity, autant de concepts scientifiques, philosophiques, psychologiques vertigineux sur lesquels il est bon de méditer, le temps du morceau.

Au final, cette galette qui pourrait, par son caractère instrumental, passer pour une galette à écouter « en fond », se révèle parfaite pour une « écoute active » par la complexité accessible de sa musique et par les clés de méditations incluses dans ses intitulés. Elle rejoint ainsi, comme la plupart des galettes instrumentales que nous avons traité, la liste des galettes rock qui savent se passer de paroles sans en manquer.

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Galette #35 - The Alan Parsons Project - Tales of Mystery and Imagination

Artiste : The Alan Parsons Project Album : Tales of Mystery and Imagination - Edgar Allan Poe Année : 1976 Pays : Royaume Uni Genre : Rock Progressif, space et cinématique A écouter : En lisant des nouvelles d'Edgar Allan Poe

Cette semaine, on s'attaque à du lourd, Tales of Mystery and Imagination, le premier album de The Alan Parsons Project. Si vous ne le conaissez pas, sachez qu'Alan Parsons est un éminent personnage du rock progressif et du rock en général et si vous avez pu passer à coté de sa carrière de musicien, vous avez en revanche déjà forcément eu affaire à ses talents d'ingénieur du son ne serait-ce que dans l'album Abbey Road des Beatles ou dans Atom Hearth Mother ou The Dark Side of the Moon des Pink Floyd. Du lourd, je vous dis...

Au vu de ce CV, on parle donc d'un bonhomme qui a une certaine idée de ce qu'est un album qui sonne bien, mais un bon album ne se résume pas à cela, et ça tombe bien, la technique n'étant pas le seul atout d'Alan. En effet, d'une part cet ingénieur est un multi-instrumentiste et compositeur de talent, mais en plus, fort de ses expériences de producteur et d'ingénieur, Alan a pu compter sur une multitude de talents aussi bien au niveau de la composition qu'il a partagé avec Eric Woolfson qu'au niveau des chants et instruments qui ont vu se succéder plus de deux cent musiciens, afin de faire de cette galette un met succulent.

Les pistes de cet album, qu'elles soient muettes, chantées ou parlées, sont toutes inspirées par l'oeuvre littéraire de Edgar Allan Poe. Nombre de titres sont d'ailleurs des références directes à des nouvelles de l'auteur américain. Concrètement, cela se traduit bien sûr par des mises en chanson des histoires de Poe mais aussi et surtout par une atmosphère musicale étrange, mystérieuse et cinématique comme si l'on était propulsé au sein même de ces nouvelles d'horreur, fantastiques et sombres. Cette atmosphère musicale étant particulièrement bien dosée par Alan Parsons, entre son « classique » de rock progressif, montées orchestrales puissantes et expérimentations sonores électriques. C'est album est d'ailleurs le premier album de rock « conventionnel » à utiliser un vocoder au début de la piste The Raven.

La piste orchestrale The Fall of The House of Usher, du haut de ses 16 minutes est certainement le meilleur exemple de cette immersion dans l'étrange monde de Poe, chaque mouvement de cette suite correspondant à un événement de la nouvelle éponyme, l'ensemble produisant une pièce de musique saisissante et très riche émotionnellement. Néanmoins, si les paroles vous parlent d'avantage, vous serez certainement ravis par les autres pistes de l'album, toutes excellentes dans leur genre.

La version que vous êtes sans doute en train d'écouter si vous avez lancé la vidéo est celle de 1987 et elle diffère en plusieurs points de la version originale de 1976. D'une part, elle contient plusieurs parties narratives interprétées par l'acteur américain Orson Welles, notamment en introduction, ces parties narratives n'existant pas initialement, la version originale contenait d'avantage d'instants purement instrumentaux. D'autre part, certains passages de guitare ont été ajoutés et l'ensemble de l'album a été remixé afin de le remettre au goût des années 80. Ayant principalement connu cette version, je ne pourrais être contre ces modifications, si néanmoins vous voulez entendre la version originale, cliquez ici.

Enfin, Je ne peux vous parler de cet album sans vous inviter, si vous en voulez plus, à écouter The Raven That Refused to Sing de Steven Wilson que j'ai déjà évoqué il y a quelques mois. Cet album est en effet le digne successeur de Tales of Mystery and Imagination avec ses étranges contes d'épouvante, sa musique progressive old school et... surprise, un certain Alan Parsons au poste d'ingénieur du son !

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Galette #34 - Gris - A l’âme enflammée, l’âme constellée

Artiste : Gris Album : A l'âme enflamée, l'âme constellée Année : 2013 Pays : Canada (Québec) Genre : Folk, Black Metal, par moments atmosphérique A écouter : Dans une pièce entièrement noire et isolée, sans aucun autre stimuli.

Souvent, quand des gens qui n'ont qu'une vague idée de ce qu'est le Metal apprennent que j'en écoute, je suis obligé de leur expliquer que non, il n'y a pas de satanistes ou de néo-nazis dans le Metal que j'écoute, ces douces idéologies étant réservées au Black Metal, genre qui m'est totalement étranger... Seulement voilà, de découvertes en découvertes, je me suis pris d'affection pour quelques groupes de Black Metal si bien que je suis obligé de préciser mes propos : tout n'est pas sataniste ou néo-nazi dans le Black Metal, et quand bien même certains groupes que j'écoute le seraient un peu, ou est le mal tant que leur musique me plaît ? Donc oui, on va parler Black Metal aujourd'hui, oui, les paroles seront un peu satanistes et tout le tralala et oui vous risquez de perdre un peu de votre âme en écoutant cette galette mais je vous promet que c'est pour le mieux...

A l'âme enflammée, l'âme constellée est le deuxième album du duo québéquois Gris, ou le troisième si l'on compte l'album Neurasthénie des mêmes musiciens sous le nom de groupe Niflheim. Gris, c'est un groupe mais aussi une couleur de musique, entre le noire et le blanc, entre rage et poésie, entre dépression et espoir, entre brutalité et douceur.

L'album précédent, Il était une forêt,avait déjà étonné la sphère Black Metal de son atmosphère gris foncé, un son résolument Black très bien composé durant tout l'album et une note de lumière à la toute fin avec une pièce folk acoustique de 10 minutes, La Dryade, un véritable chef d'oeuvre que je vous recommande.

Forts de ce mélange de styles et d'atmosphère, le groupe est revenu en 2013 avec A l'âme enflammée, l'âme constellée, un double album comprenant un riche panel de nuances de gris, environ cinquante, sans mauvaises références.

Entre morceaux très sombres et durs, d'autres entièrement acoustiques et folk et certains, à une croisée des chemins étonnamment réussie entre obscurité et lumière, comme une sombre forêt percée de quelque raies de soleil, votre âme sera tour à tour transpercée de cris assassin de détresse et pansée par des nappes de dentelles. Les paroles quand à elles, dans un français difficilement audible, avec leur ton omniscient et inquisiteur vous baladerons entre désespoir et résignation, entre dépression et contemplation. "Ô Petite Humanité, Qui crève dans l'aube des jours, Tombée, comme une flamme silencieuse, As-tu dévoré tes rêves ?"

Bien que Gris soit un mélange, Gris est tout sauf un compromis et A l'âme enflammée, a l'âme constellée n'est en aucun cas une version édulcorée du Black Metal, c'est une œuvre spirituellement et musicalement puissante qui touchera le fan de Black par sa douceur, impressionnera le néophyte par ses ténèbres mais étonnera tout public par sa profondeur et son intensité, dans les moment les plus sombres comme dans les plus clairs.

Bien sûr, je sais que peu de non adeptes du Black Metal ou de Metal tout court oserons franchir le pas et écouter cette galette mais, ayant été de ceux là il y a peu encore, je peux vous l'assurer, vous ne serez pas déçu. Vous ne deviendrez pas fan de Black Metal en un instant, vous en resterez peut-être même à cette expérience sans aller plus loin dans cet obscure genre musical, mais vous serez à coup sûr surpris et intrigués par la justesse de cet équilibre et l'état d'esprit que cette galette procure.

Attention quand même, je suis dans l'obligation légale de vous prévenir que, cette galette ayant attrait avec le Black Metal, vous risquez de perdre votre âme, de devenir un néo-nazi sataniste et d'aller en enfer. Voir modalités sur la jaquette.

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Galette #33 - Roger Waters - Amused to Death

Artiste : Roger Waters Album : Amused to Death Année : 1992 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif, Space Rock, Rock tout court... A écouter : En regardant BFMTV

Voilà déjà trente galettes majoritairement de rock progressif que je présente et je n'ai toujours pas de parlé de Pink Floyd. A priori je ne compte d’ailleurs jamais en parler, non pas que je n'aime pas ce groupe (au contraire) seulement la principale motivation de ce blog est de faire découvrir d'excellents albums aux non-adeptes du rock progressif, la notoriété des meilleurs albums de Pink Floyd étant bien connue du grand public, je ne vois juste pas bien l'intérêt d'en parler ici.

En revanche, les albums solo de Roger Waters, ancien bassiste, chanteur et principal compositeur de l'âge d'or de Pink Floyd, n'ont pas cette médiatisation écrasante qu'ont eu les albums de David Gilmour sortis ces vingt dernières années sous le nom de Pink Floyd. Ces albums ne sont pas inconnus, loin s'en faut, mais à coté de The Division Bell ou de The Endless River, les albums de Waters paraissent presque underground. Ce sont pourtant, selon moi, les dignes successeur de l'esprit Pink Floyd période 70.

Amused to Death est le troisième album solo de Roger Waters et, si l'on exclue la comédie musicale Ça ira traitant de la révolution française sortie en 2015, c'est aussi le dernier. Il s'agit d'un concept-album sur le thème de la télévision et de la médiatisation des atrocités du monde, soit un sujet on ne peut plus actuel en ces temps de trouble... Les thèmes des différentes chansons sont assez aléatoires comme si un singe (ou n'importe quel téléspectateur) zappait tout au long de l'album. On trouve ainsi des références à des éléments de l'actualité contemporains à la sortie de l'album comme la guerre du golf ou les manifestations de la place Tiananmen, entrecoupés de critiques de sujets chers à l'artiste comme la religion, la mondialisation ou la guerre.

De nombreuses personnes sont impliqués dans la création de cet album, 22 musiciens de tous instruments dont Jeff Beck et Randy Jackson, une dizaine de chanteurs et choristes dont Don Henley des Eagles ainsi que quelques personnalités comme Alfred Razzel, un vétéran de la première guerre mondiale, dont on entend le témoignage au sujet de la mort du soldat Bill Hubbard en ouverture et en fermeture de l'album ou encore le commentateur sportif Marv Albert qui commente la guerre du golf à la manière d'un match de football dans Perfect Sense part II.

Le résutat de tous ces sujets et de toutes ces collaborations est un album très puissants, ou des passages avec choeurs presque gospel, côtoient des solos et des couplets planants purement Floydiens, où des foules en délire clament des slogans et des samples multiples nous saturent d'information, le tout enrobée de la voix souvent douce mais parfois inquisitrice de Waters, d'une guitare assez Gilmourienne et des voix féminines de Katie Kisson et de Doreen Chanter.

Comme tout album de Roger Waters (avec ou sans Pink Floyd) on trouve dans cette galette de multiples références plus ou moins cachées à d'autres œuvres, par exemple le titre lui-même qui est une référence au livre Amusing Ourselves to Death de Neil Postman ou encore les samples de la voix de Hal de 2001 L'Odyssée de l'Espace que l'on entend dans la piste Perfect Sense, ce film a d'ailleurs inspiré la pochette de l'album représentant un singe assis devant une télévision. On trouve aussi de nombreuses autoréférences à d'autres chansons de Pink Floyd comme la phrase « I looked over Jordan and what did I see » dans The Bravery of Being Out of Range que l'on trouvait déjà dans Sheep sur l'album Animals ou encore « Doctor, Doctor », premières phrases de la dernière chanson de l'album et également premières phrases de la toute première chanson écrite par Waters sur l'album The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd.

Bref, même si cette galette n'est pas estampillée « Pink Floyd », elle en a toutes les qualités et vous plaira certainement si vous aimez ce groupe. Une édition remastérisée est également sortie cette année avec plusieurs modifications légères mais ne passant pas inaperçu, qui exacerberont les puristes mais qui m'ont plutôt plu. Même si la musique suffit à rendre cet album très sympathique, n'oubliez pas d'écouter les paroles, elles y sont pour beaucoup dans la saveur de cette galette et font particulièrement écho avec les événements de la semaine dernière. On peut rendre hommage aux victimes de vendredi dernier sans rester scotché devant sa télévision en quête d'une nouvelle information macabre, le monde tournerait peut-être plus rond si nos médias d'information cessaient de tenter de nous divertir avec la mort.

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Galette #32 - Haken - The Mountain

Artiste : Haken Album : The Mountain Année : 2013 Pays : Royaume-Uni Genre : Metal Progressif, sonorités Jazz et Badass A écouter : Pendant l'ascension de la montagne... de votre vie ! Avant un exam, un entretient d'embauche, le permis, une audition, un premier rendez-vous, un concours... Bref, la boule au ventre et plein d'espoir, vous verrez, ça fonctionne.

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Bon, j'ai pas été très assidu ces derniers mardi, et puis bon c'est ma 30ème galette alors pour me faire pardonner et pour fêter ça, j'en balance trois aujourd'hui. C'est aussi que j'avais très envie de parler du groupe Haken mais je n'ai jamais réussi à choisir lequel des trois albums de leur jeune et jolie discographie chroniquer. Donc voici les trois servis sur un plateau avec un peu d'eau et un peu d’œil.

Cet album est le dernier en date du groupe, je ne compte pas l'EP Restoration - dans lequel le groupe a remanié avec brio les meilleurs titres de leur démo Enter the 5th Dimension - pour la bonne raison que... c'est un EP. Bref, The Mountain est pour l'instant leur dernier album même si, à l'heure où j'écris ces lignes, je ne cesse de voir des extraits de l'enregistrement du quatrième opus sur le mur Facebook du groupe.

Le dernier mais pas des moindres puisque, croyez le ou non, il atteint, selon moi, un niveau encore plus prodigieux que les deux précédents.

The Mountain raconte, avec moult allégories, l'histoire de l'ascension du groupe, du plancher des vaches aux sommets rutilants qu'il a atteint après la sortie de cet album. Cet histoire faite de diverses péripéties (ce n'est pas une escalade linéaire, loin s'en faut) n'est pas uniquement significative pour le groupe, elle est assez vague pour permettre mille interprétations, cette montagne, c'est celle de votre vie, à vous d'atteindre votre sommet !

Un peu bateau me direz-vous ? Il faut l'avouer, l'histoire de cet album est un peu moins complexe que celle des deux autres. Mais son approche plus personnelle, plus émotionnelle, plus vague et plus métaphorique la rend aussi plus accessible, pas seulement aux fans de contes et de SF.

Musicalement, cet album nous offre d'avantage de pistes courtes (4 chansons de 3 à 4 minutes) et un bon lot de pièces plus longues (5 chansons de 7 à 12 minutes). Bien que dans l'ensemble plus courtes, ces pistes ne sont pas pour autant moins complexes ou moins « prog » que sur les précédents opus, le groupe a seulement gagné en concision.

Ces différentes chansons nous offrent, une fois de plus, un contenu très varié, bien plus Jazz que les autres albums avec parties A Cappella, solos de bass, de batterie et de piano tout droit sortis d'un Jazz Bar enfumé. Cet album est aussi l'occasion de tester des sonorités orientales, symphoniques et sacrées dans certaines pistes, tout en poussant à bout les riffs asymétriques et pseudo-aléatoires dans d'autres.

On ne trouve pas de pièce finale d'une vingtaine de minutes dans cet album, la construction de la narration plaçant en effet le point culminant du récit au milieu du disque, ce dernier se termine par une fin ouverte dans une majestueuse ballade de neuf minutes, ce qui est, avouons-le, bien plus original que la classique fin en apothéose dans une suite épique qu'utilisent la plupart des concept-albums de Prog Metal.

Finalement, il est difficile d'expliquer pourquoi cet album fait ma préférence par rapport aux deux autres, chacun des trois albums est très différent et il serait dommage de s'arrêter à l'écoute d'un seul. The Mountain peut, au premier abord, paraître être le plus sage des trois, mais après écoute, il se révèle être le plus varié.

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Galette #31 - Haken - Visions

Artiste : Haken Album : Visions Année : 2011 Pays : Royaume-Uni Genre : Metal Progressif, sonorités Symphoniques, Jazz et New Wave A écouter : En cas d’insomnie, ça ne vous endormira pas mais ça divertit...

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Bon, j'ai pas été très assidu ces derniers mardi, et puis bon c'est ma 30ème galette alors pour me faire pardonner et pour fêter ça, j'en balance trois aujourd'hui. C'est aussi que j'avais très envie de parler du groupe Haken mais je n'ai jamais réussi à choisir lequel des trois albums de leur jeune et géniale discographie chroniquer. Donc voici les trois servis sur un plateau avec un peu de poissons et de cafards.

Voici donc Visions, le deuxième album du groupe Haken, sorti seulement un an après le premier et ayant été présenté pour la première fois en live au festival Power Prog USA 2011, quelques jours avant sa sortie. Dans cet opus, le groupe nous emmène au pays des rêves éveillés et des paradoxes temporels.

L'histoire de cet album est assez complexe et il est assez difficile d'en parler sans tout révéler. Pour faire simple, c'est l'histoire d'un homme persuadé que ses rêves sont réels qui se réveille un jour, se rappelant qu'il a tué quelqu'un dans ses songes. D'étranges prophéties à de mystérieuses sociétés secrètes, de voyage à travers les esprits à des voyages à travers le temps, la complexité de cette histoire permet surtout de créer une grande diversité de situation et ainsi, un paysage sonore, une nouvelle fois très riche.

On croise en effet, entre rêve et réalité, de nombreuses petites pépites au cours de cet album, qu'elles soient Pop, Metal, symphoniques, de petites ritournelles Jazzy à des samples de Super Mario, de solos de synthé électrisants, à des murs du son haletants. On notera la présence d'une piste instrumental Portals, tout bonnement spectaculaire et d'une ballade progressive Deathless planante à souhait. Le style légèrement New Wave ou Nu Prog qui se dégage de l'ensemble confère à cet opus une atmosphère plus électrique que les deux autres.

Cet album est très structuré avec une introduction présentant les différents thèmes de l'album, puis différentes pistes de 13 à 4 minutes avant de terminer par une suite de 22 minutes majestueuse et riche en rebondissements narratifs et musicaux. L'ensemble de cet album est très uni, la plupart des chansons s’enchaînent parfaitement et certains thèmes récurrents donnent l'illusion d'une seule longue chanson.

Tout cela fait de cet album le plus unifié du groupe mais aussi peut-être, le plus redondant. Attention, pour un groupe aussi varié musicalement que Haken, le fait que ce soit le plus redondant n'en fait pas un album monochrome, au contraire. En tout cas cet album est une nouvelle preuve du génie créatif de ce groupe et je ne saurais que vous le recommander vivement.

Cliquez donc sur la flèche de droite pour découvrir ce que Haken nous a offert plus récemment. Cliquez sur la flèche de gauche si vous voulez goûter au Haken des débuts.

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Galette #30 - Haken - Aquarius

Artiste : Haken Album : Aquarius Année : 2010 Pays : Royaume-Uni Genre : Metal Progressif, sonorités circassiennes, aquatiques et Swing A écouter : Dans une fête foraine lugubre...

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Bon, j'ai pas été très assidu ces derniers mardi, et puis bon c'est ma 30ème galette alors pour me faire pardonner et pour fêter ça, j'en balance trois aujourd'hui. C'est aussi que j'avais très envie de parler du groupe Haken mais je n'ai jamais réussi à choisir lequel des trois albums de leur jeune et géniale discographie chroniquer. Donc voici les trois servis sur un plateau avec un peu de somnifères et de poudreuse.

Le groupe Haken s'est formé en 2007 par trois amis d'école, le claviériste-guitariste Richard Henshall, le chanteur Ross Jennings et le guitariste Matthieu Marshall (qui quitta le groupe en 2008 et fût remplacé par Charlie Griffiths). Pour compléter le line-up, ils fûrent rejoints par le batteur Raymond Hearne ainsi que par Thomas MacLaren à la basse, guitariste de To-Mera, groupe dans lequel joue aussi Richard Henshall (et qui vaut le détour...) et plus tardivement par Diego Tejeida aux claviers.

Après avoir sorti en 2009 un EP auto-produit intitulé Enter the 5th Dimension (qui vaut aussi le détour), ils se font repérer par Sensory Records et réalisent leur premier album, Aquarius. Contrairement à la majorité des groupes qui se contentent de réarranger les chansons de leur démo pour leur premier album, Haken décida de repartir de zéro ou presque pour l'écriture de cet album, empruntant seulement une ou deux idées musicales de la démo afin de créer un concept-album uni et cohérent.

Cet album narre l'histoire d'un couple qui a donné naissance à une sirène. Un film de Walt Disney aurait pû faire de cette histoire un conte merveilleux, Haken a choisi de traiter ce thème de façon bien plus sombre, la jeune fille ne pouvant survivre que dans l'eau, loin de ses parents ou privée de liberté dans un aquarium. Cette créature si féerique dans les fables n'est qu'une immonde bête de foire dans la réalité décrite par le groupe.

Nous suivons ainsi les péripéties de cette sirène dans le sombre monde du XXIIème siècle, entre étranges musiques de fêtes foraines, passages aquatiques ayant pu figurer dans la BO de La Petite Sirène ou dans le générique de Thalassa, éléments Swing déjantés, instants Heavy extrêmement sombres, et autres péripéties musicales. Cette diversité est toutefois contenue dans des lignes directrices bien précises et malgré les nombreuses couleurs de cet album, il conserve sa patte à lui, un son sous-marin, entre swing et lugubre ponctué de délires en tous genres.

Toutes les chansons de cet album sont assez longues, de près de 7 minutes à près de 17 minutes, ce qui laisse la belle place à ces délires en tous genres tout en construisant une histoire assez complète. Ballades, chansons heavy, suites épiques... L'univers musical de cet album est décidément très varié tant dans le fond que dans la forme. La dernière chanson Celestial Elixir, que vous êtes peut-être en train d'écouter, contient certainement le solo le plus déjanté de la discographie du groupe, comme une synthèse finale de tout ce qui me fait vibrer dans cet album.

Cet galette est, de mon opinion, la plus cohérente du groupe, où histoire et mélodie ne font qu'un, et ce n'est que le début des prodiges de ce petit groupe qui monte dans la scène progressive, rivalisant aujourd'hui avec les plus grands et n'ayant, cinq ans après la sortie de ce formidable premier album, plus rien à prouver...

Cliquez sur la flèche droite pour continuer à suivre les exploits de Haken...

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Galette #29 - Kraftwerk - Kraftwerk II

Artiste : Kraftwerk Album : Kraftwerk II Année : 1972 Pays : Allemagne Genre : Krautrock instrumental, tendances Industrial et Expérimental A écouter : Dans une usine désaffectée.

De nos jours, très peu de personnes écoutent du rock progressif. C'est un fait. Et même si Dark Side of the Moon ou The Wall traînent dans tous les mp3, on peut affirmer que, du point de vue du grand public, le Rock progressif n'est plus qu'un genre désuet, peu médiatisé et peu écouté depuis la fin des années 70, les artistes populaire que ce courant a inspiré se comptent sur les doigts de la main genre Muse, Tame Impala et Linkin Park (j'ai entendu quelqu'un dire ça un jour) mais finalement, si ce genre n'avait jamais existé, le paysage musical serait globalement le même aujourd'hui.

En êtes-vous sûr ?

Pas besoin de prendre de DeLorean pour s'apercevoir que c’est faux : si on remonte l'évolution de la musique, on se rend compte que tous les principaux genres de musique populaire actuelle (House, Electro, Hip-Hop, Pop moderne) sont inspirés, directement ou non de la New Wave, de la scène élecronique des années 80 de Détroit (qui a vu naître le Hip-Hop) ou Berlinoise (qui a vu naître la House). Et quelle inspiration tous ces genres ont-ils en commun ? Le groupe Kraftwerk.

Kraftwerk, oui, ce groupe allemand qui déchaîne encore les passions aujourd'hui à base de places vendues à 40 000 $ au marché noir pour un concert de 8 jours au MOMA, qui réalise en ce moment une tournée en 3D (oui, il faut mettre des lunettes, pour aller les voir), et qui se trouve être le deuxième groupe le plus samplé de tous les temps après James Brown. Get Up !

Et si Kraftwerk est considéré à posteriori comme un des pionniers de la musique électronique et comme le premier groupe du genre a avoir connu une notoriété internationale (dès 1974), n'oublions pas qu'avant de dériver, d'expérimentations en expérimentations, sur une musique totalement computeurisée, Kraftwerk faisait du Krautrock, la branche allemande du rock progressif, ancêtre expérimental de toutes les musiques électroniques (au sens large). Donc, pas de rock progressif, pas de Krautrock, pas de Krautrock, pas de Kraftwerk, pas de Kraftwerk, pas de musique actuelle. Ouais, c'est un peu gros mais j'aime bien me dire ça parfois, bref venons en à notre galette...

Si tous les albums de Kraftwerk peuvent être plus ou moins considérés comme des albums de Krautrock, plus on se rapproche des débuts du groupe, plus on touche l'essence même de ce style industriel et expérimental.

L'album Kraftwerk II, (contre tout attente, leur deuxième album) sorti en 1972 est ainsi un manifeste du Krautrock pur et dur tout en amorçant très discrètement un style léger et pop qui fera plus tard la renommée du groupe.

On trouve de tout dans cet album, sauf des paroles - le groupe commencera à jouer de sa voix robotique seulement dans l'opus suivant, Ralf und Florian - et des synthés, le groupe utilisant à cette époque uniquement des guitares, flûtes, violons, xylophones, pianos, orgues et boîtes à rythme, puis bidouillant leurs sons pour obtenir cette ambiance électronique. On trouve de tout donc, bruits industriels oppressants inspirés par l'environnement sonore de la Ruhr, instants relaxants ponctués de flûte et de piano, une piste fantomatique où seule une respiration artificielle et angoissante nous parvient, une autre qu'on jurerai sortie d'un album de Post-Rock des années 2000 ; quelques pistes de 3 minutes, une autre de 9 minutes, sans oublier la géniale Klingklang et ses 17 minutes, on trouve de tout je vous dis...

Cet album est certes très expérimental (au moins autant que leur premier), il l'était encore plus dans le contexte de son époque de sortie et n'est finalement pas si différents du son de certains artistes aujourd'hui à la mode. Il faut donc croire que, dans cet album, tout comme dans leurs futurs, Kraftwerk expérimentait dans le bon sens, dans le sens que la mode a choisi par la suite de suivre, ce qui leur permet d'être aujourd'hui taxés de visionnaires, alors que lorsqu'on expérimente dans le mauvais sens, on reste... expérimental. 

Ce sont les aléas des tendances et des cultures, on ne sais jamais de quoi la musique de demain sera faite alors continuons d'accorder du temps d'écoute aux artistes qui expérimentent ou qui ont expérimenté, peut-être sont-ils en train de creuser dans le mauvais sens, peut-être sont-ils en train de découvrir trop tôt la musique des prochaines décennies...

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Galette #28 - Steven Wilson - Hand. Cannot. Erase.

Artiste : Steven Wilson Album : Hand. Cannot. Erase. Année : 2015 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif avec quelques sonorités électroniques et metal A écouter : En déambulant dans le cimetière Rakowicki

Après avoir présenté The Book of Souls de Iron Maiden, Je vais maintenant vous parler de mon album préféré de 2015 pour l'instant (et, sauf très bonne surprise en fin d'année, il risque de le rester), Hand. Cannot. Erase. du magicien Anglais Steven Wilson.

On a déjà parlé de Steven Wilson dans l'album Fear of a Blank Planet de Porcupine Tree, le groupe qui l'a fait connaître, mais ce dernier est seulement un des nombreux projets du multi-instrumentiste britannique. Récemment, Steven Wilson s'est lancé dans plusieurs albums solos pour notre plus grand bonheur car tous ces opus sont exquis et d'une grande variété musicale.

Le précédent album, The Raven That Refused to Sing (and Other Stories) sorti en 2013 avait notamment provoqué un petit tremblement de terre dans le monde du rock progressif, la critique l'acclamant unanimement, le magazine Prog Mag le propulsant 9ème dans son classement « The 100 Greatest Prog Album of All Time », entre The Lamb Lies Down on Broadway de Genesis et Fragile de Yes. Après ce succès total, on aurait pû penser que Steven allait rester dans cette veine « hommage au prog des années 70» qui avait fait l'unanimité dans the Raven, on aurait aussi difficilement imaginé qu'il fasse mieux que cet album déjà culte… Contrairement à ce prodige de la musique, on manquait d'imagination…

Car si il fallait établir un classement entre The Raven et son nouvel album Hand. Cannot. Erase. sorti en Février dernier, avec tout le respect que j'ai pour The Raven, je crois bien qu'il obtiendrait la seconde place. En effet Steven Wilson nous a offert cette année une galette non seulement différente en tous points de son précédent chef d’œuvre mais tout aussi exceptionnelle, dans un registre bien plus actuel, inspiré et construit.

Le meilleur moyen pour parler de cet album est de procéder de la façon dont il a été créé, en commençant par l'histoire. Hand. Cannot. Erase. est un concept album fortement inspirée du fait divers de Joyce Vincent, une femme londonienne retrouvée morte dans son appartement en 2006, 3 ans après son décès. Cette femme avait de la famille, des amis, et pourtant elle n'a manqué à personne pendant 3 ans. Steven Wilson cherche ainsi à retracer virtuellement les raisons de cet isolement, d'une enfance et d'une routine banale jusqu'à une déconnexion totale, par la force des choses, de ce monde et cette grande ville où tout paraît hyper-connecté et où les liens virtuels paraissent si réels mais parfois si futiles.

Cette histoire poignante de mélancolie et si représentative de l'état des rapports humains au XXIème siècle dans les grandes villes se devait, elle aussi, d'être actuelle, urbaine et mélancolique. Ainsi Steven Wilson a opté pour une toile de fond calme et électronique, mélangeant le son de son Mellotron qui lui est si cher à une ribambelle d'autres claviers aux sonorités plus actuelles pour une atmosphère envoutante et maussade. Seulement, c'est une vie entière que le Britannique nous raconte dans cette galette, on doit donc aussi trouver dans la mélodie une grande diversité d'instants et d'émotions représentatifs de cette vie, dans ses meilleurs et ses pires jours. Palette d'inspirations à la main, Steven nous trace donc d'énergiques et joyeux riffs à la Rush, des instants Porcupine Tree sombres et puissants, une chanson uniquement parlée et très ambiant évoquant le son d'Incredible Mind Fuck (un autre projet de l'artiste), des refrains pop et pleins d'espoir. Comme il s'agit de l'histoire d'une femme, Steven a aussi fait appel à la chanteuse Ninet Tayeb pour certaines chansons, ce qui colle encore d'avantage la musique à l'histoire et apporte une touche de plus de diversité.

Et toutes ces couleurs, toutes ces émotions, toutes ces mélodies, sont orchestrées et arrangées d'une savante façon, en 11 pistes variant entre courts instants instrumentaux, chansons relativement complexes de 4 à 6 minutes et suites phénoménales de 8 à 13 minutes. Tout cela si bien organisé qu'écouter les cinq premières minutes suffit à donner envie d'écouter un peu plus jusqu'à engloutir l'album sans même s'en rendre compte.

Bien que débordant de complexité, je suis sûr que cet album, par son son très actuel, son mixage irréprochable et ses instants pop frôlant la perfection, peut être accessible bien au delà des cercles de fans de prog. La preuve, non seulement Steven a reçu cette année trois Prog Awards pour son album mais a en plus été acclamé par le magazine Rolling Stone et plusieurs autres médias « classiques ».

Le seul problème avec un album comme celui-ci, c'est qu'il est si bouleversant et poignant qu'un sentiment de manque subsiste après son écoute. Steven Wilson a en parti comblé ce manque par la création de nombreux documents, photographies, témoignages sur la vie fictive de l'héroïne qu'il a crée. On trouve nombre de ces fausses reliques dans l'édition spéciale de l'album mais aussi sur le blog fictif handcannoterase.com/ frissonnant de réalisme. De plus, pour la tournée de promotion de cet album, Steven Wilson a créé, en collaboration avec plusieurs autres artiste, un spectacle multi-médias alliant musique, vidéos, lumières, pour un show extrêmement immersif, d'ailleurs la tournée n'est pas finie…

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Galette #27 - Gentle Giant - The Power and the Glory

Artiste : Gentle Giant Album : The Power and the Glory Année : 1974 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif / Experimental / Jazz Fusion A écouter : En période éléctorale.

Aujourd'hui, nous allons parler politique. Contrairement à ce qu'on pourrait penser, la politique n'est pas un thème très courant dans le rock progressif bien qu'on trouve aux racines de ce genre des idées de changement et tout l'esprit révolutionnaire des années 70. Bien sûr, le prog évoque de nombreux thèmes s'y rattachant comme l'écologie, la paix, le rêve d'un monde meilleur et des paraboles critiquant la société mais de la politique pure et dure, c'est assez rare...

Avec The Power and the Glory, le groupe britannique Gentle Giant nous donne leur vision de la politique, sombre et sans espoir de changement, cela explique peut-être pourquoi si peu de groupes évoquent ce sujet.

L'album raconte en effet l'histoire d'un homme sincère avec de grands espoirs de changement qui rentre en politique, voulant mettre fin aux abus de pouvoir et aux inégalités. Il se laissera tenter par le pouvoir et la gloire, au fur et à mesure de l'album et de sa progression en politique, jusqu'à abuser lui-même du pouvoir et devenir l'un de ceux qu'il a toujours combattu.

Coté mélodie, cet album est certainement l'un des plus aboutis de Gentle Giant, on perçoit une grande unité entre les chanson, le doute étant le sentiment omniprésent de cette satire de la société. Le style jazzy et un poil expérimental sied parfaitement à cette atmosphère incertaine et vaine tout en apportant dynamique et technique à la mélodie.

Une réédition est sortie en 2014 contenant une version vidéo avec des visuels animés et les paroles de l'album, ainsi qu'un remixage en 5.1 (réalisé bien évidemment par Steven Wilson de Porcupine Tree comme toute les rééditions d'albums de rock progressif ces dernières années). Bien que n'étant pas le fruit d'un énorme travail, cette vidéo permet d'écouter l'album avec une attention toute particulière aux paroles et ainsi, avec l'émotion associée, chose qui n'est pas à la portée de tous les auditeurs non-anglophones de naissance (J’entends par là ceux qui ont le luxe de pouvoir arrêter de comprendre l'anglais lorsqu'ils écoutent une chanson).

Bref, que vous soyez féru bons textes ou de bonnes musique, regardez, écoutez, chantez The Power and The Glory.

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Galette #26 - Iron Maiden - The Book of Souls

Album : The Book of Souls Artiste : Iron Maiden Année : 2015 Pays : Royaume-Uni Genre : Heavy Metal (progressif implicitement) A écouter : dans l'Ed Force One avec piloté par Bruce, tout en buvant une Trooper et en se faisant masser le dos par Eddy.

Bon… Jusqu'à présent, j'ai toujours présenté des galettes qui dataient d'au moins un an afin d'avoir pu les écouter maintes et maintes fois et d'en proposer un point de vue personnel (à défaut d'être pertinent). Mais après avoir beaucoup hésité, je pense qu'il est temps, de toute façon j'ai trop envie de parler de cet album, LE seul album qui trotte dans mes oreilles depuis bientôt deux semaines.

J'ai attendu cet album avec un sentiment très partagé. Je crois d'ailleurs jamais n'avoir ressenti cela pour aucun album auparavant, non pas qu'Iron Maiden soit mon groupe préféré mais c'est certainement le groupe que j'ai le plus écouté et, connaissant comme ma poche tous les albums du groupe, je me faisais une certaine idée globale de la discographie d'Iron Maiden comme quelque chose de fini. Cela me plaisait bien que The Final Frontier soit leur album final et que la dernière chanson du groupe soit Where the Wild Wind Blows, si majestueuse, puissante et mélancolique. J'avais un peu peur que ce nouvel album soit celui de trop…

Mais à mesure que la sortie de l'album approchait, je me disais de plus en plus qu'il fallait un dernier album, à condition qu'il soit excellent, qu'il fasse le lien entre le nouveau Iron Maiden et celui des années 80 et enfin que la dernière chanson soit la plus majestueuse jamais composée par le groupe. Ainsi, en découvrant la setlist de l'album fin Juin avec ses chansons de 4 à 6 minutes côtoyant d'autres de 8 à 13minutes et cette chanson finale de 18 minutes, toutes mes craintes de déception se sont changées en excitation, le groupe me prenant par les sentiments avec un double album proposant la chanson la plus longue de leur carrière tout en prétendant vouloir renouer avec les bons vieux tubes 80’.

Certain d'être séduit par cette galette, la joie m'envahit lorsque je reçut dans ma boite aux lettres le 4 septembre l'édition spéciale de l'album, très soignée avec ses allures de livre (pour 18€ seulement ça vaut le coup !). Ni une ni deux, je met le premier disque dans mon lecteur et en avant pour 90 minutes qui, je le sent déjà, seront historiques.

Dès la première chanson, If Eternity Should Fail, écrite et composée par le chanteur Bruce Dickinson, on est déjà pris dans cette atmosphère entre ancien et nouveau Maiden, sur fond d'imageries Mayas ayant inspiré nombre de pistes dans cette galette sans pour autant constituer un concept album à proprement parler. Les chansons s’enchaînent ensuite, d'une grande diversité dans leur longueur et leur composition, le tube au son nostalgique Speed of Light, The Great Unknown qui arrive à contenir en six minutes toute la force d'une pièce qui aurait duré près de 9 minutes sur leur dernier opus, The Red and the Black qui a l'inverse réussit à mantenir pendant 13 minutes toute la puissance d'un tube de cinq minutes avec son refrain sans autres paroles que Whoho et sa battle de solos de 6 minutes que j'ai tant hâte de voir interprétée en live. Le premier disque se termine par une autre chanson très période 80’, Where the River Runs Deep et la chanson éponyme, au contraire très période 2000’.

Entre les deux disques, une petite pause est conseillée, bien que le format des chanson soit très varié, elles restent toutes dans un registre sombre et épique ce qui peut rendre cet album quelque peu redondant, sentiment renforcé par les paroles qui tournent inlassablement autour de la mort, de l'âme et de la lutte entre bien et mal ; en même temps, ça reste du Iron Maiden, me direz vous, mais certains albums comme Dance of Death ou The Number of the Beast montraient un peu plus de variété dans les thèmes…

Bref, cet aspect monochrome continue dans le second disque, Death of Glory, selon moi la meilleure piste sauce 80’ de l'album, puis Shadows of the Valley et son intro piquée à Wasted Years, Tears of a Clown, pour le coup très originale tant dans le son que dans le thème abordé, le suicide de Robin Williams, The Man of Sorrows qui commence comme une ballade et termine de façon très heavy et enfin Empire of the Clouds.

Je pensais écrire un paragraphe entier sur cette majestueuse suite de 18 minutes mais finalement, ça ne serait que la desservir… L'écouter reste la meilleure chose à faire pour se faire une idée de ce que peut être l'oeuvre la plus longue, la plus épique, la plus chargée d'émotion et l'une des plus originales que Maiden ait jamais produit en près de 40 ans de carrière. Bruce Dickinson au piano et au chant, le reste du groupe suit et nous accompagne ainsi dans ce voyage en dirigeable vers la mort, dans cette dernière piste de la carrière de Maiden, allez s'il vous plaît, dites moi que cette fois, c'est bien la dernière.

Cet album réussit finalement son pari, il est légitime, il n'est pas de trop, il est indispensable, il remplace avec brio The Final Frontier comme album final d'une carrière exceptionnelle, il prouve que le groupe peut encore créer des chef d'Oeuvre de complexité et des hymnes que des aréna entières chanteront en chœur pendant les tournées. Mais cet album sonne tellement comme le dernier que je ne crois pas pouvoir supporter une nouvelle fois l'annonce d'un nouvel album d'ici quatre ou cinq ans, même si il y a bien une chose que m'a appris cette galette, Maiden ne connaîtra jamais la retraite.

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Galette #25 - Marillion - Misplaced Childhood

Album : Misplaced Childhood Artiste : Marillion Année : 1985 Pays : Royaume-Uni Genre : Neo Prog (ou rock Néo-Progressif) A écouter : au moins une fois dans sa vie.

Mais qu'est-il arrivé au monde du rock progressif dans les années 80 ? Si vous regardez sur le menu de ce blog (cliquez en haut à gauche) vous verrez que très peu de galettes des années 80 et 90 ont pour l'instant été chroniquées, et ce pour la bonne et simple raison que ces année ont été très creuses pour le genre. Bien sûr, quelques galettes emblématiques du prog ont sorties au début de cette décennie (The Wall de Pink Floyd en 1980 ou Moving Picture de Rush en 1981), mais plus on avancera dans le temps, plus le rock progressif se fera rare et faible jusqu'à être presque considéré comme mort à l'aube des années 2000 ou il renaîtra de plus belle.

Que s'est-il donc passé dans ces années ? Eh bien il y a eu ce qu'on appelle communément une extinction de masse. Pour certains, elle serait due à une météorite géante ayant percuté la progoshère, pour d'autres, il s'agirait d'une réaction en chaîne entraînée par de multiples éruptions volcaniques, certains vont même jusqu'à dire qu'elle serait tout bonnement due à un désintéressement des radios et des maisons de disque pour le rock progressif, préférant miser sur le punk et les autres genres moins complexes et plus radiogéniques en vogue à l'époque. Quoi qu'il en soit, cette extinction de masse fit de nombreux dégâts dans le monde du Prog et si certaines espèces ont tout simplement disparues durant cet événement, d'autres ont au contraire réussi à survivre en évoluant et en s'adaptant à ce nouveau milieu.

C'est ainsi que naquit le Neo-Prog, étrange hybride entre musique Pop et progressive, du Prog taillé pour survivre au contraintes commerciales des années 80 sans oublier la folie et l’innovation de ses parents. Crée par certains groupes de Prog des années 70 ayant su s'adapter avec brio en rendant leur son plus Pop (c'est bien à toi que je pense Phil !), ce genre fût renforcé par de tous nouveaux groupes nés durant cette sombre période comme Marillion, le groupe qui nous intéresse aujourd'hui.

Marillion, qui voulait à la base s'intituler Silmarillion mais a bien vite raccourci son nom, les références au Seigneur des Anneaux n'ayant pas non plus survécu à l'extinction de masse, est en effet le premier groupe à porter l'étiquette de Neo-Prog dès sa naissance ou presque et à en avoir fixé les codes. Son album Misplaced Childhood est le plus célèbre et, selon mon opinion, le plus aboutit et le plus représentatif de ce qu'est le Neo-Prog.

Cet album est un concept album traitant, comme son nom l'indique d'une enfance gâchée et malheureuse et des répercussions de ce passé sur la vie adulte du personnage principal. Tandis qu'il peut être perçu par les programmateurs de radio comme un album contenant dix chansons de 2 à 9 minutes, pour la plupart pop et accrocheuses, soit environ six tubes potentiels, il sonnera aux oreilles d'un fan de Prog comme deux suites de 20 minutes correspondant aux deux faces du vinyle dont les parties s’enchaînent avec grâce et puissance.

C'est ce son à la fois Pop et légèrement expérimental, concis dans certaines chansons mais riche en éléments psychédéliques dans d'autres qui caractérise le Neo-Prog. Du Rock Progressif oui, mais qui rentre malgré tout dans les cases imposées par les radios et les maisons de disque, des intermédiaires indispensables à la réussite d'un groupe à cette époque pré-internet.

Les claviers so 80s et la voix du chanteur Fish, à mi-chemin entre celle de Peter Gabriel et de son successeur (c'est bien à toi que je pense Phil !) donnent au son du groupe des airs très Genesis mais il suffit d'écouter simultanément Misplaced Childhood et une galette de Genesis de la même période (par exemple Invisible Touch) pour se rendre compte que si, après l'extinction, les ex rois du prog ne produisaient plus qu'un son pop rock plat et peu inventif, Marillion, au contraire tentait de concevoir une musique, certes très populaire,  mais regorgeant d'inventivité et d'émotion. Cette galette et tant d’autre ont ainsi permis de maintenir allumée tant bien que mal la flamme du prog en espérant qu'elle ré-embrase à nouveau le monde comme elle l'avait fait dix ans plus tôt.

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Galette #24 - Dream Theater - The Twelve Step Suite

Album : Twelve Step Suite (ou Alcoholics Anonymous Suite) Artiste : Dream Theater Année : 2002-2003-2005-2007-2009 Pays : USA Genre : Metal Progressif A écouter : Après un dernier verre...

Bon... Ça fait plusieurs semaines que je tourne autour du pot, j'ai déjà évoqué James Labrie, le chanteur dans The Human Equation, Mike Portnoy, l'ex batteur dans Sola Scriptura et The Whirlwind, je vais finalement vous parler du groupe dans son intégralité, le seul, l'unique DREAM THEATER.

Mais quel album présenter ? J'aurais pu choisir l'un de mes albums préférés du groupe, Scenes From a Memory ou Six Degrees of Inner Turbulence mais ces opus ont déjà tellement fait couler d'encre, même en français, je ne voyais pas trop l'intérêt d'écrire des choses déjà dites mille fois. D'ailleurs, TOUS les albums de Dream Theater ont déjà fait l'objet de moult chroniques en français. Tous ? Non... Un album résiste encore et toujours aux blogs francophones pour la bonne et simple raison que cet album n'existe pas...

Alors comment ça il n'existe pas ? Il n'existe plus comme le concorde ? Il n'existe pas encore comme la barbe de John Myung ? Non. Il existe... mais pas sous forme d'album.

La Twelve Step Suite est en effet une suite de cinq chansons présentes sur cinq albums consécutifs du groupe, de Six Degrees of Inner Turbulence en 2002 à Black Clouds & Silver Linings en 2009. Mises bout à bout, ces chansons créent une suite de douze parties et de près d'une heure, soit un véritable concept-album dont la musique et les paroles sont très cohérentes.

Coté paroles, cette suite détaille les douze étapes du programme des alcooliques anonymes. Très logiquement, chacune des douze partie de la suite correspond à une étape du programme. Toutes les paroles ont été écrites par le batteur Mike Portnoy qui a traversé une période d'alcoolisme et d'addiction à diverses drogues autour des années 2000, l'écriture de chansons comprenant deux ou trois parties de cette suite, album après album, de 2002 à 2009 a été pour lui une sorte de thérapie l'aidant dans son sevrage. Il en résulte des paroles très sombres et personnelles, teintées de regret, de colère, de religion aussi puisque c'est l'essence même du programme des alcooliques anonymes. D'après les livrets de chacun des albums, toutes les paroles de la suite sont dédiées à Bill W. Le co-fondateur des alcooliques anonymes.

Afin de vous y retrouver, voici la liste des parties et des chansons :

The Glass Prison (1ère chanson de Six Degrees of Inner Turbulence – 2002) 1. Reflection 2. Restoration 3.Revelation This Dying Soul (2ème chanson de Train of Thought – 2003) 4. Reflections of Reality (Revisited) 5. Release The Root of All Evil (1ère chanson de Octavarium – 2005) 6. Ready 7. Remove Repentance (5ème chanson de Systematic Chaos – 2007) 8. Regret 9. Restitution The Shattered Fortress (4ème chanson de Black Clouds & Silver Linings – 2009) 10. Restraint 11. Recieve 12. Responsible

Pas besoin d'être rusé comme un Bertrand Renard pour se rendre compte que toute les parties commencent par Re, ce qui serait une référence au mot Rehab, désintoxication en anglais. La quatrième partie, Reflections of Reality (Revisited), est une référence à la chanson The Mirror présente sur l'album Awake (1994) écrite aussi par Mike Portnoy et qui parlait déjà de l’alcoolisme. On trouve d'ailleurs dans la suite plusieurs autres références aux paroles de cette chanson. Pour ces raisons, certains voient The Mirror comme un préquel à la Twelve Step Suite.

Coté mélodie, on trouve dans cette suite les chanson les plus heavy et les plus noires de la discographie de Dream Theater. On trouve aussi de nombreux passages très groove, la première chanson de la suite ayant été écrite avec pour principales inspirations les groupes Pantera et Megadeath, ces touches groove ont ensuite persisté sur les autres parties de la suite. Afin de rendre plus digeste l'écoute de cette suite très sombre et de permettre une interprétation de l'intégralité de la suite en live sans tuer de musiciens, le groupe a tout de même orienté la troisième chanson, The Root Of All Evil un peu plus pop mais tout de même très heavy et la quatrième chanson Repentance plus douce, planante et psychédélique mais tout aussi sombre. Enfin, la dernière chanson, The Shattered Fortress, est une sorte de medley de toutes les autres en ajoutant une dimension épique permettant de clôturer avec panache cette monstrueuse suite. L'écoute de l'intégralité de cette œuvre est donc assez variée bien que plus monochrome, sombre et dureque n’importe quel autre album de Dream Theater, si vous n'avez jamais écouté de galette de ce groupe avant, je vous conseille de commencer par une autre (cliquez sur les liens un peu partout) afin de vous faire une opinion plus objective sur le groupe.

Ce qui me fascine dans cette suite, au delà de la qualité de la composition et des paroles, c'est cette double cohérence, non seulement au niveau de la suite dans son entièreté, mais aussi au niveau de chaque album. Un album de Dream Theater est en effet très souvent bourré de concepts un peu farfelus et difficiles à concilier avec une œuvre globale comme celle-çi. Par exemple l'album Six Degrees of Inner Turbulence se nomme ainsi car il contient une chanson éponyme parlant de six maladies mentales mais aussi parce qu'il contient six chansons évoquant un trouble interne différent. Parmis ces chansons, on trouve la première de la Twelve Step Suite, qui parle donc de l'alcoolisme, c'est bel et bien un trouble interne, double cohérence. Autre exemple, l'album Octavarium comporte huit chansons, chacune ayant une note fondamentale différente, ce qui donne une octave complète à l'échelle de l'album : Fa, Sol, La, Si, Do, Ré, Mi, Fa(une octave plus aigu). Non seulement la chanson The Root of Evil, (première de l'album et troisième de la suite) est en Fa, ce qui l'intègre au concept, mais en plus on y entend à la fin une mélodie au piano qui est un des thèmes de la dernière chanson (cohérence avec l'album) et qui fait office de transition vers la chanson Repentance, plus calme (cohérence avec la suite). Cerise sur le gâteau, son nom fait à la fois allusions aux étapes de la suite qui y sont traitées et au mot Root qui désigne la première note d'une gamme en anglais, double cohérence. Balèze non ?

A l'écoute de cette suite, un brin de mélancolie envahit tous les fans de Dream Theater puisque quelque mois après avoir clôturé cette suite, Mike Portnoy quitta le groupe, sans jamais avoir pu présenter la suite dans son intégralité en live. Et vu l'ambiance froide qui règne actuellement entre Portnoy et le groupe, l'interdiction morale pour Dream Theater de jouer la suite sans Portnoy et l'interdiction juridique pour Portnoy de jouer la suite avec un autre groupe, ils semblerait qu'une telle performance live soit aussi peu probable que la barbe de John Myung.

Outch... Je ne pensais pas que j'aurais autant de choses à dire sur cette vraie/fausse galette, et à vrai dire, il y a encore plein de choses que je n'ai pas dites alors je vais terminer cet article avec concision, façon Pull Me Under, Salut.

N. B. La vidéo mise en lien a été réalisée par un fan, aucune version « officielle » de la suite entière n'existant pour le moment, même si les chansons sont initialement écrites pour se succéder, la qualité et le volume des cinq albums diffèrent légèrement, ce qui explique les quelques transitions peu naturelles entre certaines parties.

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Galette #23 - Godspeed You! Black Emperor - Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven

Album : Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven Artiste : Godspeed You! Black Emperor Année : 2000 Pays : Québec, Canada. Genre : Post Rock A écouter : Au beau milieu de la nuit. Éveillé ou endormi...

Cette semaine, parlons un peu Post Rock, ce petit frère du rock progressif dans la grande famille du rock-qui-tente-des-trucs-sans-trop-rentrer-dans-l'expérimental. Le Post Rock c'est quoi ? Des chansons souvent longues, ambiantes, instrumentales et minimalistes mais d'une grande profondeur avec de multiples couches sonores incluant les instruments classiques du rock, des samples et d'autres éléments empruntés à la musique électronique et au Krautrock. En bref, en écoutant un album de Post Rock, un individu A va passer l'heure la plus ennuyeuse de sa vie tandis qu'un individu B va mouiller ses sous-vêtements et pousser de longs râles de plaisir. La clé pour apprécier ce genre reste la patience car c'est une musique qui trouve son intérêt dans la longueur et la globalité d'une progression, et non dans des instants précis.

On trouve dans ce genre musical de nombreuses façons d'aborder la musique, le groupe canadien Godspeed You! Black Emperor (qu'on raccourcira en GY!BE par souci de flemme) choisit souvent des pistes très longues pour asseoir son propos, des samples de voix pour uniques paroles, des progressions lentes qui montent en puissance, de passages initiaux ambiants ou drone à des instants ultimes saturés et électrisants, le tout organisé en mouvements, pistes et albums aux noms énigmatiques comme pour compenser le mutisme de la musique.

Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven (qu'on raccourcira en LYSFLAH, et encore, rien que les initiales, c'est toujours vachement long) est pour beaucoup (dont moi) LE chef d'Oeuvre du groupe. C'est un double album composé de quatre chanson d'environ vingt minutes, soit quatre faces de vinyle, tout comme Tales from Topographic Oceans de Yes, qui était déjà pas mal dans le genre nom à rallonge. 

Ces quatre pistes sont autant de longues progressions commençant souvent par des samples de voix et des passages ambiants instaurant une atmosphère triste, nostalgique, mystérieuse, joyeuse, glauque, selon la piste et l'interprétation qu'on en a. Cet état initial va se métamorphoser ou évoluer, souvent par le biais de ritournelles répétitives, de crescendos, de montées en intensité et en saturation. Ces montées sont rarement linéaires, on trouve ainsi plusieurs paroxysmes d'intensité au sein d'une même chanson. Cependant, même si l'approche est toujours la même, la variété de l'arrangement et de l'ambiance initiale rend chaque piste unique et complémentaire.

Par son caractère lent et ambiant, cet album est donc un album de méditation, de réflexion, mais le sujet de cette méditation est fortement suggéré. Tout comme The Snow Goose de Camel nous pousse à imaginer l'histoire de l'Oie des Neiges par dessus la musique instrumentale, dans LYSFLAH, ce sont tout un tas d'éléments qui conditionnent notre imagination et orientent notre rêverie afin que cette dernière soit cohérente avec la musique et l'étaye. Parmi ces éléments, on trouve les samples de phrases et de paroles en anglais et parfois en français ainsi que les titres à rallonge des mouvements ("She Dreamt She Was a Bulldozer, She Dreamt She Was Alone in an Empty Field" pour citer le pire), les titres courts et poétiques des pistes (dans l'ordre : Storm, Static, Sleep et Antennas to Heaven) et le titre même de l'album qui, à lui seul, confère ce mélange d'espoir vivant et mort à l'ensemble de l'oeuvre ; d'ailleurs très bien représenté par la pochette signée par John Arthur Tinholt. On a donc affaire à une galette très bavarde pour de la musique instrumentale, même si, au final c'est VOUS qui choisissez quoi faire de tous ces éléments.

Pour ma part, cet album sonne comme une boite de photos souvenir, avec notamment ce sample où l'on entend un vieil homme parler de son enfance (Sleep) et ce sample de chansons enfantines (Antennas to Heaven). Cette galette est ainsi une bonne occasion de revivre des instants nostalgiques et de faire resurgir des souvenirs oubliés. Autre chose, Je ne sais pas si c'est parce que j'ai découvert GS!BE grâce au film 28 jours plus tard de Danny Boyle ou seulement à cause du caractère ambiant de cette musique mais cet album m'évoque aussi systématiquement de grand paysages urbains ou ruraux vides de toute vie, pas infestés de zombies comme dans le film, juste un poil angoissant mais surtout sereins et silencieux... 

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Galette #22 - Emerson, Lake and Palmer - Tarkus

Album : Tarkus Artiste : Emerson, Lake & Palmer Année : 1971 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif, Point barre. A écouter : En faisant... Euh... Je vois quatre possibilités : La bataille navale, la drogue, la taxidermie ou les trois à la fois.

Il y a deux semaines, nous avons parlé de Transatlantic, un supergroupe des années 2000, cette semaines, on va se pencher sur l'un des plus vieux et des plus célèbres supergroupes de l'histoire du rock progressif : Emerson, Lake and Palmer, souvent abrégé ELP.

Je vais peut-être vous surprendre mais Emerson, Lake and Palmer est composé du claviériste Keith Emerson (ex The Nice), du bassiste/guitariste/chanteur Greg Lake (ex King Crimson) et du batteur/percussionniste Carl Palmer (ex Atomic Rooster). On remarquera deux faits intéressants, tout d'abord, hormis pour Greg Lake avec King Crimson, la renommée de ce supergroupe a largement dépassé celle des groupes dont proviennent les différents membres. Ensuite, ce groupe a l'originalité d'être un trio Clavier/Basse/Batterie, ce qui est très peu commun dans l'histoire du rock et permettra au claviériste Keith Emerson de devenir le leader, voire la diva de ce groupe, popularisant au passage ces marginaux instruments que sont l'orgue Hammond ou le Modular Moog.

L'album Tarkus qui nous intéresse aujourd'hui est leur deuxième album mais le premier à avoir véritablement été composé par le trio, leur premier album étant majoritairement constitué de composition de Keith ou de Greg réarrangées par le groupe.

Cet album présente deux faces très différentes. La première est la véritable raison d'être de l'album, on y trouve une unique suite éponyme de 20 minutes et 40 secondes, considérée à juste titre comme l'une des suites les plus cultes et les plus anciennes de l'histoire du rock progressif. Cette suite est composée de sept parties, trois possèdent des paroles et sont entourées de parties où seuls s'expriment les instruments. Cette suite raconte l'histoire de Tarkus, un hybride entre un char d'assaut et un tatou issu d'une évolution décadente et régressive, d'un bouillon de culture, d'une explosion volcanique ou de radiation nucléaires, selon votre interprétation de la première partie instrumentale Eruption. Après cette naissance tourmentée, on assiste à divers combats entre cette chimère et d'autre créatures tout aussi hybrides  dans les parties Stones of Years, Iconoclast et Mass. Tarkus en sort toujours victorieux jusqu'à affronter sous l'orgue grondant de Keith Emerson, la Manticore (ou Manticoré), ultime chimère qui anéantira Tarkus après une épique bataille.

Outre le fait que cette histoire sans queue ni chenilles sied parfaitement à la musique à la fois expérimentale, futuriste, baroque et abracadabrantesque d'ELP, elle cache un tas d'allégories, sur l'évolution, la guerre et la vanité de la vie qui ne cessent encore d'impressionner même leurs créateurs. La mélodie, quant à elle, est semblable à une forêt impénétrable que l'on peut dompter et arpenter pendant des années sans cesser de découvrir un nouveau recoin, une nouvelle fleur à chaque ballade. Inutile donc de vous préciser qu'il vous faudra plus d'une écoute avant de vous en faire un quelconque avis.

La seconde face de cet album est totalement différente, constituée de six pistes courtes (1:41 à 3:54)  très variées dans le fond et la forme. Beaucoup voient cette seconde face comme assez faible et sans intérêt comparé à ce monument de musique qu'est la suite Tarkus. On ne peut en effet dire que les deux faces de l'album se valent, mais bien qu'elle soit inéluctablement dans l'ombre de la face A, la face B recèle de bons moments musicaux qu'il serait dommage de rater. C'est vrai, la première piste Jeremy Bender et la dernière Are You Ready Eddy ? n'ont que peu d'intérêt si ce n'est leur coté humoristique et leurs airs de musique de vieux Saloon de Western (notamment dû à l'usage du piano de honky-tonk), il n'empêche, le reste de la face n'a rien à envier aux parties qui composent la suite Tarkus, que ce soit Bitches Crystal qui oscille entre Hard Rock, Blues et Jazz déjanté, The Only Way (Hymn) et Infinite Space (Conclusion) qui forment une petite suite avec des paroles très fortes évoquant l'absence de Dieu et la cruauté de l'homme sur fond d'Orgue d'Eglise, la partie intrumentale, Infinite Space peut paraître déstabilisante, il y règne en effet le doute et l'incompréhension pour mieux méditer sur les paroles de The Only Way. A Time and A Place, enfin, est impressionnante de concision, c'est une pièce heavy à la fois catchy et expérimentale.

Il est intéressant de remarquer que, si c'est bien la suite de vingt minutes qui reste dans toutes les mémoires et fait de cet album un album cultissime, celle-ci a failli ne jamais voire le jour, Greg Lake était en effet farouchement opposé à l'idée d'une pièce aussi longue et alambiquée et était même sur le point de quitter le groupe avant que Keith Emerson ne finisse par le convaincre. Sans cette longue suite, Tarkus n'aurait certainement jamais connu le succès médiatique qu'il rencontra et qui donna par la suite carte blanche à ELP pour expérimenter un tas d'autres pépites musicales. De plus, le succès de cette longue suite contribua à ouvrir la voie pour d'autres artistes comme Yes, Rush ou Genesis qui tentèrent eux aussi avec succès le format vingt minutes. Alors remercions très fort Keith Emerson, cette fois-ci non pas pour son génie, sa technicité ou son inspiration mais bien pour ses talents de persuasion qui ont peut-être contribué à élargir radicalement le paysage musical des années 70.

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Galette #21 - Devin Townsend - Terria

Album : Terria Artiste : Devin Townsend Année : 2001 Pays : Canada Genre : Rock/Metal Progressif, Alternative, Ambiant, Metal Extrême A écouter : En marchant dans de vastes plaines vertes et paisibles.

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Si un jour, vous participez à Qui veut gagner des Millions et vous tombez sur la question « comment concilier musique progressive ambiante et Metal extrême ?», que répondez-vous ? Le mieux, c'est encore d'utiliser le coup de fil à un ami et d'appeler Devin Townsend. Avec son emplois du temps extrêmement chargé de projets solo, de groupes et de tournées en tous genres, pas sûr que ce dernier vous réponde mais avec un peu de chance, le multi-instrumentiste Canadien vous donnera la meilleure réponse qui soit, Terria.

Terria, c'est le cinquième album solo de Devin Townsend, un mec qui a, en seulement vingt ans de carrière, réalisé 23 albums ! Cette galette est un concept-album décrit comme introspectif et dédié à la terre natale du musicien, le Canada. Et on ressent bien cette proximité avec la terre, la nature et les paysages du grand Nord américain, que ce soit par les paroles, les mélodies ou les nombreux samples de cet album.

On a donc une toile de fond de vert et de bleu, à l'image de la pochette, constituée d'éléments d'ambiance, new-age, acoustiques ou folk. Sur cette toile, des éléments puissants et brutaux apparaissent tout en élégance. Cette intégration d'éléments aussi hétéroclites est permise non seulement par le talent de composition et d'interprétation de Devin Townsend mais aussi et surtout par la grande qualité du mixage, aussi réalisé par ce control freak hyperactif Canadien. Le mixage à la sauce Devin, il faut l'écouter pour le comprendre, du multipiste poussé à l'extrême, de nombreux effets « mur du son » pour des sonorités à la fois ambiantes et lourdes, comme une tonne de plumes. Si bien que même les passages ambiants ont quelque chose de puissant et même les passages les plus Metal où Devin hurle et les guitares grondent se fondent dans le paysage paisible de l'album.

Ce mélange atypique donne lieu à de nombreuses pépites musicales au cours de l'album, réparti en pistes de 3 à 9 minutes et laissant la part belle à l'instrumental. Parmi mes pépites préférées, je citerais le puissant pont/refrain industriel de la piste Earth Day ou encore la longue montée instrumentale sur la chanson Deep Peace, à la fois puissante et relaxante, elle ne manque pas d'éveiller en moi d'intenses frissons dignes de ceux que j'aurais pu ressentir lors d'un hiver canadien. Des petits instants magiques comme ça, il y en a tout un tas dans l'album, bien qu'à la première écoute, je vous l'accorde, ce dernier soit un peu déroutant.

Après plus d'une heure d'une musique, certes envoûtante et puissante mais aussi et surtout progressive et difficile d'accès pour un oreille non habituée, on découvre une dernière chanson qui dépeint totalement en terme de style avec le reste de l'album mais s'y intègre bien grâce au sacro-saint mixage de Devin Townsend. Je parle de la chanson Stagnant aux airs d'hymne Rock FM avec son refrain et ses couplets accrocheurs, sa structure simple et ses paroles faciles à retenir. Une chanson un peu pop dans un album progressif, c'est somme toute assez courant, mais le fait de la placer à la fin de l'album lui donne une certaine force symbolique, comme une sortie du tunnel, comme une fin des complication. Cette chanson évoque le début de l'été et permet de finir l'album sur une touche d'espoir, non pas que le reste de cette galette soit déprimant, loin de là, cela permet seulement d'ancrer plus profondément ce sentiment dans l'esprit. Bien qu'on trouve par moments des mélodies assez sombres, des paroles évoquant des thèmes graves comme la pollution, il s'agit bien au final d'un album positif pour se ressourcer, se recycler.

Alors, si vous entreprenez d'écouter cet album, n'oubliez pas, si par choix ou par obligation, vous ne pouvez le terminer, n'arrêtez pas en plein milieu, sautez à la dernière chanson, elle saura vous donner la pêche et le sourire qui doit rayonner en vous à la fin de cette galette.

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Galette #20 - Transatlantic - The Whirlwind

Album : The Whirlwind Artiste : Transatlantic Année : 2009 Pays : USA, Suède, Royaume Uni Genre : Rock Progressif Symphonique A écouter : Pendant un voyage en avion, siège coté hublot. Je conseille le Stockholm-Paris qui a l'avantage de durer environ 78 minutes, soit l'intégralité de l'album.

Oh mon Dieu ! Tout est lié ! Il existe un groupe réunissant Neal Morse (ex chanteur/claviériste de Spock's Beard) dont on a déjà parlé avec Sola Scriptura, Roine Stolt, guitariste/chanteur des Flower Kings dont on a déjà parlé avec Flower Power, Mike Portnoy (ex batteur de Dream Theater) et Peter Trewavas (bassiste de Marillion) dont on a pas encore parlé mais ça ne saurais tarder, il paraît même qu'ils sont parfois rejoins en live par Daniel Gildenlöw (guitariste/claviériste/chanteur de Pain of Salvation) dont on a déjà parlé dans BE. Qu'est ce que c'est que cette mascarade ?!

Ce groupe est ce qu'on appelle dans le jargon un supergroupe (on parle parfois d'All-Stars Band mais bon...). Et vu le très grand talent de composition et d'interprétation de ses différents membres, ce supergroupe doit très vraisemblablement produire des super galettes ! Vous imaginez une super galette ? Eh bien vous en êtes encore loin de The Whirlwind... Car comme nous l'a prouvé Einstein, la fusion de quatre éléments crée non seulement un élément plus lourd mais libère en plus une quantité phénoménale d'énergie ! Voilà pourquoi on parle d'All-Star Band d'ailleurs.

Mais trêve de physique atomique, intéressons nous à cette galette, The Whirlwind qui se trouve être la troisième du supergroupe. Les deux premières sont sorties en 2000 et 2002, il s'est donc passé pas mal de temps avant que les quatre musiciens ne se retrouvent pour travailler sur cette galette. L'emploi du temps des différents membres étant assez ministériel, les sessions d'écriture et d'enregistrement d'un album de Transatlantic durent en général deux semaines maximum, deux semaines pendant lesquelles un paquet d'idées musicales sont explorées et organisées en quelques grosses pièces si bien qu'un album « classique » de Transatlantic contient généralement deux suites de 20-30 minutes et quelques chansons de 4-6 minutes pour faire passer la pilule.

Mais la galette dont nous parlons arrivant après sept ans d'absence du groupe, il fallait marquer le coup, voilà pourquoi The Whirlwind est une énooorme suite en douze parties de 78 minutes de long. Ça n'est sans doute pas la chanson la plus longue du monde, on trouve toujours plus gros que soi, mais c'est certainement la plus longue à pouvoir rentrer sur un CD de capacité maximale de 80 minutes. Et heureusement qu'il existe une capacité maximale, j'ose à peine imaginer ce que ces monstres de créativité auraient pu nous pondre avec plus de deux semaines de travail et plus de 80 minutes de capacité...

Bon, donc The Whirlwind est long, très bien. The Whirlwind est fait par des gens connus, très bien. Mais bon, ce qui compte c'est le contenu, que trouve-t-on dans ces 78 minutes ? On trouve une suite épique et majestueuse, aérienne et tourbillonnante comme son nom, ordonnée, variée et inspirée comme ses créateurs. Le principal défi avec une suite aussi longue est d'à la fois justifier que c'est bien une longue suite unique et non un album avec plusieurs chansons sans interruption, tout en créant assez de diversité pour que ces 78 minutes ne paraissent pas trop longues ou ennuyantes.

Heureusement, la plupart des membres du groupe sont déjà familiers avec les suites très longues, on a déjà parlé de Garden of Dreams de Stolt dans Flower Power qui est à la fois unie et très variée mais qui passe par des instants calmes et ambiants qui n'ont que peu d'intérêt si on les écoute à part et ne collent pas avec The Whirlwind dont chaque instant doit être intense et indispensable pour contrer les mauvaises langues qui oseraient dire que cette suite est « trop » longue. Donc oui, avec The Whirlwind, Transatlantic a réussi a créer un album sans interruption, assez unifié pour pouvoir parler d'une seule suite, et dont chacune des douze pistes peut très bien s'écouter indépendamment.

Même si je préfère pour ma part les suites plus aérées comme Garden of Dreams, c'est indéniable The Whirlwind est un chef d’œuvre. Tout d'abord, les ingrédients de base sont de très bonne qualité : un tas d’excellentes idées musicales planantes, entraînantes, touchantes, puissantes, de très bon refrains, un thème principal détournable de mille manières mais reconnaissable entre mille et de très bon instrumentistes pour des soli d'une grande technique. Ensuite, le dosage de ces ingrédients frôle la perfection : les différents mouvements sont assez longs pour exploiter les différentes mélodies sans laisser le temps de s'ennuyer, le thème principal revient assez souvent pour conserver l'unité sans pour autant apparaître comme redondant, les solos de tous les membres sont en quantité raisonnable et en qualité respectable... Pour couronner le tout, les paroles, abstraites et poétiques parlant du voyage initiatique d'un homme perdu dans le « tourbillon de la vie », peuvent se comprendre de différentes façons, littéralement comme une lutte impossible contre une grande tempête ou métaphoriquement sous de nombreux angles si bien que tout le monde peut s'identifier d'une manière ou d'une autre à cet ouragan de musique et d'émotions (Cf. Stéphanie de Monaco).

Il ne me reste plus qu'à vous souhaiter bon vent et n'ayez crainte, quelque soit l'endroit ou vous emporte ce tourbillon, vous reviendrez à bon port en un seul morceau, des souvenirs plein les oreilles...