Miscelânea Geek

  Carol Lima lhes traz uma verdadeira mixórdia de temas inerentes do mundo geek: games, mangás, filmes, livros etc.  

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Resenha | A Era do Abismo - O Torneio dos Campeões

Não é segredo algum que tenho me envolvido cada vez mais com a literatura fantástica brasileira, que vem apresentando inúmeras obras com universos e personagens ricos. Incontáveis aventuras foram vividas, diversos personagens foram amados ou odiados, e muitos autores foram descobertos e aclamados. De forma inusitada, foi ao assistir a uma entrevista que descobri um novo autor, Bernardo Stamato; só que ele não era o entrevistado daquele vídeo, e sim o entrevistador. Gostei de seu trabalho e decidi acompanhá-lo, de forma casual. Eis que, depois de algum tempo, ele anunciou seu primeiro livro: A Era do Abismo - O Torneio dos Campeões, lançado pela Editora Pendragon.

Suficiente dizer que, após ler a sinopse, me vi na obrigação de perscrutar mais uma obra fortemente influenciada por RPGs.

E O Torneio dos Campeões abraça essa inspiração com muito carinho. A começar pelo fato de que a narrativa é conduzida através duma party, e que cada capítulo é contado a partir do ponto de vista dum personagem específico, o que ajuda a manter certa fluidez, ao mesmo tempo que desenvolve quem quer que esteja a cargo de nos mostrar o desenrolar da trama. Contudo, essa é uma característica que não engrena logo de cara; o começo do livro apresenta certo problema de ritmo e foco, onde cada um dos envolvidos ainda é um pouco superficial e o objetivo da história parece se perder.

Logo após, com a adaptação ao sistema de missões secundárias que o livro possui (onde cada capítulo se situa num local diferente, com suas particularidades e missões específicas), é que tudo engata de vez. E esse foi um aspecto que me cativou imensamente, devo dizer. A cada novo cenário que era introduzido, havia aquela sensação de adentrar o desconhecido e esperar por algo surpreendente, o que me leva ao ponto da imprevisibilidade do roteiro, onde não existe um protagonismo certo. O próprio autor recomenda que não nos apeguemos à personagem algum, mas essa é uma tarefa árdua, tendo em vista que aprendemos mais sobre cada uma dessas figuras durante cada uma das tarefas que lhes são apresentadas.

Mas, apesar de já ter mencionado um ponto negativo lá em cima, ainda é preciso elaborar sobre outro que, diferentemente e infelizmente, se prova constante através das aventuras: a pontuação errática em diversos trechos. Em momentos específicos onde ocorrem diálogos ou descrição de embates e cenários, é possível se deparar com uma sensação estranha de sufoco, proveniente pelo excesso de vírgula. Não é algo que acabe de vez com a leitura, como se pôde constatar logo acima, mas é um vício de escrita que causa certo desconforto momentâneo.

Bernardo Stamato é um novo nome na literatura fantástica brasileira que já provou do que é capaz com A Era do Abismo - O Torneio dos Campeões, e que já possui seu lugar como um dos melhores autores do gênero. Certamente irei acompanhar suas vindouras obras, porque esse universo é rico e ainda tem muito o que apresentar e desenvolver.

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Resenha | Homem-Aranha: Longe de Casa

Vingadores: Ultimato acarretou um verdadeiro colapso emocional que sequer sei descrever. Ainda que não seja uma obra perfeita, conseguiu cumprir o que havia prometido: o épico fim de uma era. É um filme que, em essência, evoca também a ideia de finalidade de todo o Marvel Studios, por mais absurdo que isso soe. Por isso mesmo que o rápido anúncio de Homem-Aranha: Longe de Casa, saindo ainda em 2019, não me agradou totalmente, e fez com que parecesse algo prematuro, anticlimático; ele, sim, seria o real final da Fase 3 e de toda a Saga do Infinito, iniciada lá em 2008, com Homem de Ferro.

E é com ares de certa leveza que esta nova aventura do Peter Parker encerra mais um arco (tal qual Homem-Formiga, que terminou a Fase 2). Sabendo muito bem dos efeitos gerados pela última empreitada dos Vingadores, agora nos situamos algum tempo depois daqueles eventos, com as pessoas retomando as rédeas de suas vidas. Tudo por uma ótica mais mundana, mais pé-no-chão, quase que jocosa. Isso causa um choque, sem dúvidas, até porque o roteiro precisa se comprometer com pontos dramáticos importantes levantados por Ultimato, esses que afetam o Aranha tanto em sua vida heroica quanto pessoal, ao mesmo tempo em que pretende ser um romance adolescente.

Por isso mesmo que o ritmo do 1º ato se sai um tanto quanto apressado. É muita coisa para ser introduzida em pouco tempo. Os planos de Peter para conquistar sua amiga MJ, a viagem com os amigos à Europa, os deveres como Homem-Aranha e o dilema gerado por eles, seu estado emocional em frangalhos; há um excesso de elementos importantes em conflito. Isso, na verdade, é bom, mas não quando apresentado de forma tão embolada. Ainda bem que do 2º ato em diante não há tanto essa sensação de afogamento (bom, existe uma cena totalmente expositiva que está lá só para o público e que não faz sentido algum para os personagens ali envolvidos que se arrasta por tempo demais, apesar de possuir uma única boa atuação; é apenas uma exceção).

O que pode ocasionar essa mesmíssima sensação, todavia, é a comédia. Quando acerta, é muito por conta do jovem elenco, que já possui um bom timing e maneirismos cativantes, além de boa química. Mas, muitas das vezes, certas piadas são repetidas à exaustão, simplesmente carecem de qualquer sentimento ou surgem nos momentos mais inapropriados, com pouco tempo para digerir. Uma pena, já que elas existem muito mais no núcleo estudantil, que possuía um bom humor na película anterior, Homem-Aranha: De Volta Ao Lar (2017).

Contudo, houve uma evolução em relação ao seu predecessor: a direção das cenas de ação. Em maior quantidade aqui, há até espaço para inovação visual em batalhas específicas (quem assistiu ao filme, sabe de quais trechos estou falando), gerando empolgação sem se perder geograficamente e sem perder a emoção, que é o cerne da projeção. Até mesmo o uso de computação gráfica se tornou menos intrusivo, com animações mais fluidas, que se assemelham com algo que o Tom Holland, naturalmente atlético, realmente faria, se possível.

Homem-Aranha: Longe de Casa expande o arco de amadurecimento de Peter Parker, pavimentando o caminho para que ele se torne o herói que deve ser, do seu próprio jeito.

Obs.: o filme possui duas cenas pós-créditos bem importantes, ouso dizer.

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Resenha | Stranger Things 3

Stranger Things, quando da estreia de sua primeira temporada, se tornou um verdadeiro fenômeno. Aquele novo seriado tímido da Netflix, situado nos anos 80, recheado de referências à cultura pop e composto de personagens carismáticos criou uma verdadeira legião de fãs que demandava mais daquele universo. E faço parte desse grupo: amei demais esse projeto feito com muitíssimo carinho, ainda que possuísse alguns leves problemas. Assim como todos, fiquei absolutamente ansiosa para com a segunda temporada, mas, quando a vi, muito de seu frescor já estava se esvaindo. Não havia mais necessidade de continuar com essa história, e cada vez mais pensava que a série deveria ter apenas a primeira empreitada em seu currículo, sendo categorizada como minissérie.

E, agora que terminei a terceira temporada, que estreou no dia 4 de julho, essa sensação só aumentou, tal qual o escopo de sua aventura (aparentemente) sem fim. A verdade é que o seriado continua a existir devido ao seu público fiel, e ao fato de que se trata dum produto que é certeza de consumo; não à toa, agora temos games, livros e quadrinhos expandindo o universo da série criada pelos Irmãos Duffer. Não mais se trata apenas duma carta de amor aos anos 80 e à cultura pop de sua época, e isso machuca o show como um todo, praticamente e infelizmente.

A nova trama apresenta seus pontos principais logo de cara, e a partir dos dois primeiros episódios já é possível imaginar como que tudo isso irá terminar. Ela é, mais uma vez, a mesma coisa que já vimos, mas numa maior escala do que antes (chegando ao nível do absurdo), enquanto que procura abordar algumas novas situações. Tudo o que tange as experiências com o Upside Down e suas criaturas, ainda que apresente um elemento diferente, já parece saturado. A esse ponto, ter basicamente o mesmo inimigo principal por três temporadas seguidas é sinal de preguiça; uma espécie de antologia com situações paranormais totalmente diferentes, ou até mesmo um outro universo paralelo, seria mais bem-vindo.

Se por um lado a trama me decepcionou, o mesmo não pode ser dito (totalmente) de seus personagens principais. Na verdade, por mais que não me sinta mais tão cativada pelo enredo, são os protagonistas e seus elos que me fazem continuar. Gosto de todos eles, genuinamente, ainda que tenham saído um pouco de si mesmos desde sua concepção (tenho a sensação de que o tema da amizade parece ir e voltar quando mais convém ao enredo como um todo, e não de forma orgânica). Não fossem seus intérpretes, sempre dando o melhor em seus respectivos papéis, talvez continuasse a perscrutar esse mundo com muito mais ceticismo e menos paciência, sequer me importando se irão viver ou não.

E essas situações perigosas ao extremo mostram que ainda há espaço para uma boa tensão no meio disso tudo. O piscar das luzes, a falta dum objeto para se defender, uma figura disforme se aproximando cada vez mais, o sufocante primeiríssimo plano no(a) protagonista. Decerto, esses recursos visuais já foram utilizados, mas essas técnicas, com os personagens certos em cena, ainda funcionam muito bem, a ponto de deixar o espectador na ponta do sofá. Nesse quesito, o valor de produção é altíssimo e soberbo.

Ainda que o universo de Stranger Things seja intoxicante (no bom sentido), ele já mostra sinais de desgaste. Ainda que possua bons momentos (nos quais prefiro não me aprofundar, até para evitar spoilers), o seriado iria se privilegiar dum ponto final, o que não ocorre aqui, onde algumas pontas soltas apontam para a existência duma próxima temporada. Ainda que ame esses personagens e fique intrigada com seu crescimento e amadurecimento, reconheço que preferia me despedir deles da forma correta do que continuar a acompanhá-los sem o mesmo sentimento de antes.

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Resenha | X-Men: Fênix Negra

É interessante olhar para a franquia X-Men nos cinemas em retrospecto. O primeiro filme, lançado em 2000 (!), fez bastante sucesso e mostrou que os estúdios poderiam, mais uma vez, arriscar em levar os heróis das HQs às telonas. Ele foi o responsável pelo boom massivo do gênero (com direito a películas muito boas, decentes, medianas, ruins e horrorosas), e grande influenciador na própria criação do Universo Cinematográfico Marvel, do Marvel Studios. Pode-se dizer que, sem X-Men: O Filme, talvez não estivéssemos vivendo numa era onde super-heróis são parte do vocabulário do dia a dia da maioria das pessoas.

E é com enorme tristeza que venho dizer que X-Men: Fênix Negra, lançado nesta quinta (6 de junho), não terminou essa saga longeva e repleta de altos e baixos de forma, ao menos, digna. É um trabalho realizado sem paixão, sem coração pulsante, sem alma. Claramente, é fruto do desespero de um estúdio em perder os direitos de uma das franquias (outrora) mais amadas pelo público; no processo, acabam decepcionando seus fãs com uma obra desleixada e sem sentido, que poderia muito bem sequer ter existido.

Um dos erros mais graves da projeção é o roteiro. Além de extremamente superficial em todo e qualquer assunto que toca, beirando o absurdo, ele claramente não sabe respeitar eventos, personagens e seus arcos dramáticos construídos lá em X-Men: Primeira Classe (2011). É extremamente bizarro ver o crescimento de alguém simplesmente evaporar em questão de minutos, ou sua personalidade alterar sem sentido algum dentro de segundos (e não estou falando sobre a Jean Grey, o que é alarmante), e até mesmo não reconhecer alguém que deveria estar num patamar totalmente diferente daquele que a obra mostra (anos de desenvolvimento são jogados no lixo, sem dó).

É quase como se o diretor, Simon Kinberg (seu primeiro trabalho em tal posto), tivesse concebido Fênix Negra no vácuo, o que não tem cabimento e estraga uma linha temporal que já não faz mais sentido há muito tempo (é sério, seu roteiro - sim, ele também o assina - descarta um plot point importante de X-Men: Apocalipse, que estaria completamente ligado ao que transcorre aqui).

Sendo assim, o enredo não poderia ter um destino diferente. Ao passo que Jean Grey se torna um MacGuffin, a história se torna uma bola de pelo regurgitada ao relento. É bagunçada, desleixada e vazia. Por mais que os atores e atrizes aqui presentes se esforcem, não há o que salvar na trama. Se existem (raríssimos) bons momentos aqui, eles são resultados de tentativas de boas performances de artistas já cansados, visivelmente, da franquia e de seu rumo torpe. A galera que entrou no filme anterior, infelizmente, nem consegue respirar direito. Ao menos a trilha sonora tenta injetar um pouco de energia, seja ela negativa ou positiva, nas cenas, e algumas das faixas são boas, mesmo que nada memoráveis.

X-Men: Fênix Negra se sai como um dever de casa feito em cima da hora, sem qualquer esforço, apenas pânico. É um filme triste, que deixa um gosto muito ruim na boca, por mais que se lembre que nem sempre fora assim. Logan (2017), de James Mangold, teria sido o final perfeito de toda a franquia. Seu último frame faz mais justiça ao legado dos mutantes da Fox do que toda a projeção de mais uma adaptação capenga da saga da Fênix Negra.

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Resenha | Shenmue I & II

O anúncio do Kickstarter de Shenmue III durante a apresentação da Sony na E3 2015 foi um dos momentos mais memoráveis daquela edição. Fãs regozijaram, e novos jogadores, aqueles que nunca tiveram contato com a franquia, queriam saber o que aquele título tinha de tão especial. É nesse ponto que Shenmue I & II, lançado em 21 de agosto de 2018 para PlayStation 4, Xbox One e Steam, funciona tão bem: ao passo que consegue resgatar aqueles que acompanharam os primeiros capítulos na vida de Ryo Hazuki lá no Dreamcast, também serve de porta de entrada, claro, para quem se interessou pela obra de Yu Suzuki através do anúncio da nova iteração.

Não se trata de um remaster, muito menos de um remake; a coletânea traz ports de ambos os títulos, com apenas alguns leves ajustes gráficos e interface mais polida (além de áudio em Japonês). Em termos de gameplay, não houveram quaisquer mudanças; o combate e a movimentação não tão suaves permanecem, ainda que seja possível se adaptar aos termos impostos pelos jogos após certa experiência prolongada.

Sendo assim, com o tempo, é bem fácil se ver absorto pelas ruas de Yokosuka e Hong Kong, já que, além de ambos os títulos possuírem uma história intrigante e cativante a todo instante, o mundo visto pelos olhos do jovem Ryo é muitíssimo vivo. Chega a assustar, pensando que os jogos já eram assim no hardware de um console da década de 90. Pessoas possuem suas rotinas, desde o abrir ao fechar das lojas, quando saem e voltam para suas casas, respectivamente. Cenas inteiras de interação com amigos e vizinhos podem ser perdidas se você se ater apenas às suas obrigações.

Obrigações essas que não envolvem apenas as artes marciais, como muitos podem pensar. Combates se fazem presentes, mas são bem mais esporádicos se comparados aos eventos mais rotineiros (mesmo assim, não se esqueça de treinar os movimentos que já possui e buscar outros novos que irão auxiliá-lo tanto nos momentos finais do primeiro Shenmue quanto no segundo); trata-se de uma jornada investigativa, também. Além disso, Ryo precisará trabalhar em algum ponto para obter mais dinheiro, e o jogo não faz questão de esconder o quão tediosa que pode ser a tarefa. Se quiser se divertir um pouco, existem arcades com jogos clássicos da SEGA para dar uma conferida. Com isso, há um balanceamento natural entre todas as atividades que os títulos oferecem, apresentando algo tão normal quanto a vida real.

Shenmue I & II apresentam narrativas com muito bom ritmo, elevando os eventos conforme o desenvolvimento da história. Bons personagens, boas performances (em japonês; a dublagem americana é icônica, mas pelos piores motivos possíveis), enredo instigante e uma verdadeira miscelânea de gêneros fazem deste um pacote imperdível. É o tipo de experiência única que poderia muito bem estar faltando na sua biblioteca de games.

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Resenha | Vingadores: Ultimato

Primeiro, vem o nervosismo. O suor excessivo, que deixa aquela marca indesejável na blusa, na região das axilas. A tremedeira, que deixa suas pernas bambas. O coração acelerado, fazendo parecer que está prestes a ter um ataque cardíaco. Os trailers, os quais sempre gosta de assistir antes de todo e cada filme, agora são incômodos. As luzes diminuem. A tela escurece. A primeira cena do filme, então, começa a rodar, e só agora você consegue se acalmar de verdade. Agora você se encontra dentro desse universo, uma vez mais. Você segue os personagens, e começa a torcer para que tudo dê certo. Custe o que custar.

São sintomas bem extremos? Definitivamente, mas são únicos. Você não os apresenta (em totalidade, ao menos) ao assistir a qualquer filme uma segunda ou terceira vez. Por isso fico até feliz por quase ter desmaiado momentos antes do início da projeção de Vingadores: Ultimato, película essa pela qual ansiava imensamente desde o término de seu predecessor, Vingadores: Guerra Infinita. E já que mencionei a Parte 1 dessa jornada dos Heróis Mais Poderosos da Terra, vale salientar que Ultimato começa pouco depois daqueles eventos devastadores, como uma verdadeira Parte 2. É realmente necessário conferir um para entender o outro.

Aliás... Tudo bem, não entra no mérito, mas se você também acompanhou todos os 21 filmes desses 11 anos de Marvel Studios, Ultimato é praticamente o nosso Nintendo 64 (com direito àquela mesma reação). Não se trata de colocar referências vazias e fan service gratuito; frases, diálogos, cenas, frames e tudo o mais presente nos outros filmes têm um callback muitíssimo bacana e bem elaborado aqui (o que vai render muitos momentos nos quais irá falar “Eita, isso é por causa daquele detalhe no filme X, que só dura uns 4 segundos!”), o que se encaixa com a trama proposta e com o desenvolvimento dos personagens até então (até pelo modo o qual ocorrem).

Por falar neles, é muito bom saber que, antes de qualquer coisa, Ultimato é um espetáculo com coração. Tanto que o filme não possui muitas cenas de luta, justamente para se focar mais nos personagens e na reação deles diante de toda a desgraça que presenciaram. Isso ajuda a mostrar o quão mudados eles estão, e o que melhora isso é a presença dos seis Vingadores originais, com um roteiro que permite aos seus intérpretes explorar novo território, tanto para o bem quanto para o mal. Não são apenas heróis maiores do que a vida, mas também pessoas que lidam com problemas da forma que melhor lhes convém. Todo esse desenvolvimento torna o óbvio grande embate mais significativo, além de extremamente catártico. E tudo, claro, ao som da trilha magistral composta por Alan Silvestri.

Carregado de emoção e momentos épicos, Vingadores: Ultimato é, de longe, a melhor e mais corajosa iteração da franquia, além de ser uma celebração de todo o trabalho do Marvel Studios.

Obs.: o filme NÃO possui cenas pós-créditos.

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Resenha | Capitã Marvel

Capitã Marvel era o tipo de filme que carregava duas grandes responsabilidades em suas costas desde o início. Primeiro: deveria introduzir mais uma personagem ao já extenso Universo Cinematográfico Marvel, cuidadosamente a situando numa linha temporal coesa, e desenvolvendo Carol Danvers e seu universo de uma forma cativante, ainda que nas habituais amarras de uma história de origem munida da Fórmula Marvel; Segundo: trata-se do primeiro título do estúdio liderado por uma personagem feminina, o que por si só já demanda grandes poderes, tendo em vista que agora estamos presenciando um boom de protagonistas importantes e poderosas, que certamente são inspirações para as novas gerações.

Ir ao cinema sem pensar muito nisso, até para não deixar uma obra interferir na outra durante sua linha de raciocínio, é bastante difícil. Alita: Anjo de Combate surgiu diversas vezes em diversos momentos. Se havia algo de negativo em Capitã Marvel, esse ponto era abordado de forma positiva na história da guerreira ciborgue, e vice-versa. A comparação entre esses filmes não se encontra apenas no forte protagonismo feminino, mas até mesmo na estrutura narrativa: ambos apresentam personagens que não se lembram de seus passados e, aos poucos, começam a desvendar mais sobre si mesmas.

Mas isso ocorre de forma um tanto errática aqui, o que, infelizmente, pode ser atribuído à confiança cega na Fórmula Marvel. A essa altura do campeonato, é algo extremamente cansativo. Faz o filme parecer um filler para a aparição daquele personagem específico no próximo grande evento cinematográfico que vale, porque os envolvidos não dão a devida importância à protagonista em questão ou ao seu mundo, tornando tudo meio genérico. Foi o mesmo problema que tive com Doutor Estranho, que é uma obra com conceitos pessoais interessantes, mas que acaba precisando se conectar com o MCU de uma forma ou de outra, minando aquela experiência específica em si, tornando-a uma espécie de prato requentado com uma aparência diferente e um tempero diferente adicionado; deveríamos nos conectar com esses novos personagens, entendê-los plenamente, não vê-los repetindo piadas e trejeitos vistos nas outras películas do estúdio.

Mas, mesmo o filme do Mago Supremo apresentando este problema em comum, admito que a história da minha xará carece da identidade e da exploração de uma nova mitologia, o que pode ser visto nele, em contrapartida. Não há nada de novo, a não ser a aguardada introdução dos Skrulls ao universo como um todo. Fora isso, é um enredo bem básico e até mesmo previsível, ainda que contenha certo coração, certa alma em algumas interações na Terra, e possua mensagens muito positivas sobre se reerguer, não precisar se provar para ninguém, como também comentários pertinentes sobre conflitos, guerras. O roteiro não desenvolve a protagonista tanto quanto gostaria (algumas coisas sobre sua vida ainda permanecem no ar; os flashbacks, importantíssimos à construção de Carol, não são o suficiente para nos sentirmos investidos em sua trajetória inicial), e há pouco o que ser trabalhado por todos os envolvidos (dada a natureza acelerada da trama), ainda que entreguem seu máximo aos seus respectivos papéis.

Brie Larson é uma baita atriz, das minhas favoritas, e que se mostrou razoavelmente bem aqui, num gênero não muito familiar à ela. Carol é uma pessoa não muito segura de si e que mascara isso com sarcasmo e extrema seriedade, ao passo que tenta compensar por essa falha quando dá tudo de si nos embates ou quando começa a se encontrar durante suas interações com os demais personagens. Samuel L. Jackson como um Nick Fury mais novo, com ambos os olhos e dono de uma presença mais reconfortante, ainda que alguns de seus maneirismos pendam pro bobo, também funciona. Aliás, Brie e Samuel brilham em seus diálogos e nas sacadas cômicas; é o tipo de dupla que dá para acompanhar com gosto. Ben Mendelsohn como o Skrull Talos foi uma grande surpresa, entregando um vilão interessante e cativante (aspecto esse que apresenta falhas no MCU). Lashana Lynch (Maria Rambeau, amiga de Carol) e Annette Benning também fazem um bom trabalho, apesar do pouco tempo de tela se comparadas aos demais. Jude Law, como Yon-Rogg, é extremamente subaproveitado e nada interessante.

Outros aspectos nada interessantes são a fotografia (lavada, sem vida e com pouco foco no que precisa ser mostrado em tela), a direção (insossa; não passa voz, identidade), a montagem (vocês já sabem muito bem o quanto que detesto câmera tremida, cortes rápidos em cenas de luta, criando um falso senso de dinamismo, e mudança no eixo da câmera, o que torna a mise-en-scène um desastre... Pois bem, esses são fatores que se fazem presentes aqui), as coreografias (elas não passam a sensação de impacto devido, o que é muitíssimo estranho; não fosse pela mixagem de som, poderia jurar que nenhum golpe fora dado em todo o filme), a trilha sonora (sério, não sei dizer qual é a música-tema da Capitã; típica trilha genérica de filme de super-herói) e os efeitos visuais oscilantes (o trabalho de rejuvenescimento feito em Samuel L. Jackson e Clark Gregg, além de algumas cenas isoladas envolvendo os poderes da Capitã, é extremamente eficaz, mas as transformações dos Skrulls e o gatinho Goose, quando digital, são coisas quase amadoras). Além disso (tudo), as músicas noventistas licenciadas são uma faca de dois gumes: duas delas, lá para o começo do filme, funcionam, são naturais; as demais se situam em cenas descabidas, apenas porque as letras delas calham de casar com o que está acontecendo com a personagem ou na cena, o que serve como exposição desnecessária (o que também é um problema aqui).

Capitã Marvel, mesmo apresentando diversas ressalvas e sendo mais do mesmo, ainda assim contém uma história com mensagens poderosas. É o tipo de filme que, apesar dos pesares, passa aquela sensação de poder às espectadoras femininas de todas as idades, e dá à nova geração mais uma heroína para admirar.

Nota: 7

Obs.: o filme possui duas cenas pós-créditos.

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Resenha | Homem-Formiga e A Vespa

Lembro-me até hoje do quão estupefata que fiquei ao término de Vingadores: Guerra Infinita. Especificamente com o final. Era um gosto amargo de tragédia, e que, estranhamente, fez com que ansiasse por mais. Queria que o próximo filme do Marvel Studios desse o soco de direita que o filme dos Irmãos Russo havia dado (ainda que saibamos que, no fim, não passará de um leve tapa que acabamos por extrapolar). Mas o próximo projeto aparentava estar muitíssimo longe disso, sendo ele Homem-Formiga e A Vespa. Sendo bem sincera: a primeira aventura de Scott Lang e companhia está longe de ser minha favorita, ou uma das favoritas de todo o estúdio; era mais um filme com a Fórmula Marvel injetada nas veias, com alguns bons momentos aqui e ali e só.

Sendo assim, escolhi não assistir à sequência nos cinemas. Simplesmente não estava no clima para algo mais feel good dentro daquele universo, até porque isso é o que mais existe dentro desses 10 anos de Marvel Studios. Com a estreia de Capitã Marvel, no entanto, me vi na obrigação de perscrutar a nova película do diminuto herói, até para ter todas as informações possíveis armazenadas para o vindouro Vingadores: Ultimato. Fora que tenho TOC, então isso também acaba contando, de uma forma ou de outra.

Para minha surpresa, até que aproveitei essa nova empreitada, ainda que ela sofra de alguns dos mesmos erros de seu predecessor. A franquia é mais focada na comédia, mas isso não necessariamente significa que ela executa essa característica de forma consistente e ponderada. Muitas piadas se estendem mais do que deveriam, e outras interrompem momentos que deveriam ser mais emocionantes. Foram poucos os trechos nos quais o filme arrancou alguma risada genuína, até porque o que mais atrai e chama a atenção aqui é o tema de seu plot principal: é uma história sobre família, mesmo que dentro de circunstâncias nada comuns.

E claro que esse elemento não funcionaria sem um elenco afinado e agora mais seguro de seus personagens. Paul Rudd continua carismático, como sempre, mas ainda acho que o roteiro deu uma “emburrecida” no Scott Lang em alguns momentos, o que o torna um tanto inconsistente no decorrer da trama. Evangeline Lilly, que fora subaproveitada na primeira película, apresenta aqui uma Hope van Dyne mais interessante e com mais nuance, além de guerreira (afinal, ela agora carrega o codinome de Vespa). Michael Douglas ainda age como uma máquina de diálogos expositivos, o que é uma pena, já que ele entrega um bom trabalho como Hank Pym, no geral. Michelle Pfeiffer, que interpreta Janet van Dyne, tem muita presença e carisma, mesmo com pouco tempo de tela. Bill Foster, papel de Laurence Fishburne, não é tão aprofundado assim. A vilã Fantasma, interpretada por Hannah John-Kamen, tem muito potencial, mas acaba sofrendo com a falta de profundidade. Abby Ryder Fortson, que interpreta Cassie, filha de Scott, continua competente, além de ser uma fofura que só.

Mas nem tudo é uma fofura. A direção é bem medíocre, se salvando mais nos set pieces de ação (ainda que estas não tragam nenhuma novidade visual tão grande assim; ou seria pequena? Acho que depende do ponto de vista), a trilha é basicamente a mesma de seu predecessor (não muito memorável), e a quantidade de narração e diálogo expositivo é praticamente absurda. Dá vontade de cair na porrada com os personagens e gritar, dizendo que já entendeu a cena, até porque você a está vendo; não é necessária uma narração do Michael Douglas em cima de algo que você já viu e já entendeu. É algo que ocorre com frequência e distrai demais, além de irritar profundamente.

Mesmo assim, ainda temos aqui alguns outros pontos positivos para balancear essa negatividade do último parágrafo. Os efeitos visuais continuam muito bem feitos, tanto na técnica de encolher e aumentar um personagem, em mostrá-lo oscilando, no caso da Fantasma, e até no rejuvenescimento de Michael e Michelle; é lindo, mesmo. Além disso, o Reino Quântico, mencionado por tantas vezes, é psicodélico e lindo, outro ponto positivo para a equipe de VFX.

Homem-Formiga e A Vespa é o mesmo filme que o anterior, mas conta com uma trama mais interessante, ainda que possua seus erros habituais. Mesmo assim, é uma aventura competente, com um tema forte e emocionante.

Nota: 7

Obs.: o filme possui duas cenas pós-créditos.

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Resenha | Alita: Anjo de Combate

Admitamos: filmes baseados em mangás e animes são sempre um grande risco. Por muitas vezes, o cerne da obra original é totalmente deturpado para se adequar aos costumes ocidentais, ao estilo de história ao qual estamos acostumados a consumir, matando toda a originalidade e valores inerentes àquele enredo, transformando a adaptação em algo genérico. O que geralmente importa é, ao menos, acertar na parte visual e realizar algumas homenagens tímidas; às vezes, nem isso acaba funcionando. Em suma: há uma certa vergonha em abraçar totalmente o material que serve de fonte, com suas bizarrices e tudo o mais que o cerca.

Assim, é de se espantar que a dupla James Cameron e Robert Rodriguez tenha realizado Alita: Anjo de Combate com muitíssimo respeito à obra de Yukito Kishiro, Battle Angel Alita, ao mesmo tempo em que conseguiram tomar liberdades que se adequam melhor àquele mundo. Também pudera: Cameron almejava trazer a personagem às telonas há quase 20 anos, depois que seu amigo, o diretor Guillermo del Toro, lhe apresentou o mangá. Com o sucesso de Avatar, a prioridade se tornou realizar inevitáveis sequências, logo o bastão da direção fora passado para Rodriguez, também amigo de Cameron (que agora ficou na posição de produtor de Alita).

A película exala paixão pelo universo o qual adapta em cada um de seus poros. A construção de mundo é soberba; a Cidade de Ferro conta com tanta diversidade e vida que chega a ser difícil não se ver ali, ao lado dos personagens e os inúmeros cidadãos ali presentes. É um mundo cruel ali embaixo, mas crível. Zalem, que fica logo acima, paira como um mistério onipresente e ameaçador, ainda que muitos almejem partir para lá. Uma pena que não haja muito espaço para comentários sociais no que tange a convivência de dois locais tão distintos economicamente.

Afinal, o filme se vale bastante de suas set pieces de ação. Mas, ao contrário do que se possa pensar, são cenas extremamente empolgantes, que te deixam na beira da poltrona (ao menos, me flagrei dessa forma ao término de cada uma delas). Além da trilha de Tom Holkenborg (vulgo Junkie XL) complementar tais momentos de forma precisa, a direção, coreografia e montagem conseguem imprimir dinamismo e clareza. Nada de cortes excessivos, mudanças abruptas de eixo ou câmera tremida, graças aos céus! Além disso, cada golpe que Alita inflige em seus adversários é potente, brutal, e o mesmo vale para quando eles a acertam sem piedade. Meu único problema com tais sequências se daria por um beat específico, que reaparece da mesma forma por duas vezes, mesmo que seja integral à jornada de autodescoberta da garota.

Aliás, é extremamente necessário falar sobre a personagem. O trabalho aqui feito por Rosa Salazar, sua intérprete, é magnífico; carismática do início ao fim, ela consegue demonstrar medo, alegria, raiva e tristeza com muita naturalidade. Alita é uma personagem complicada, porque ao passo em que possui um cérebro adolescente, seu renascimento a torna uma criança, com emoções sempre no limite, tornando-a desprovida de um filtro, além de sua ingenuidade intoxicante, ainda que triste (é óbvio que esse mundo irá acabar com essa última característica dela). Mesmo que nos doa, ainda assim é satisfatório ver a jovem evoluir com o passar do enredo. Ela se torna mais confiante, mais dona de seu próprio nariz, mais determinada, ainda que nunca se desfaça de seu carinho para com as pessoas importantes de sua vida.

Além disso, vale ressaltar o trabalho árduo que a Weta Digital realizou neste filme, porque é algo que beira o insano. A começar pela própria Alita, interpretada por uma Rosa Salazar trajando uma roupa de captura de movimentos com uma câmera acoplada ao seu capacete, e recriada digitalmente. Num primeiro momento, haverá o estranhamento de seus grandes olhos, mas é uma sensação que passa rápido, porque você logo se verá atônito com o nível de detalhes presentes tanto em seu rosto, cabelo, roupas e, principalmente, em seus corpos cibernéticos (a iluminação realça tais elementos de forma que dá para acreditar veementemente que se trata de uma prótese ou algo do tipo, de tão natural que parece ser). E esse trabalho surreal se estende à tudo o mais que cerca o projeto, desde os adversários da garota até as pessoas que surgem de vez em quando na clínica do Dr. Dyson Ido.

Aproveitando, o trabalho de Christoph Waltz no papel daquele que traz Alita de volta à vida é primoroso; ele consegue passar a ferocidade de um pai desesperado em ajudar sua “filha” e deixa escapar uma certa preocupação quando a jovem decide trilhar um caminho específico. Ed Skrein, como o perigoso Zapan, transmite tanto perversidade quanto charme. Keean Johnson, no papel de Hugo, atrai Alita prontamente com sua postura de garoto despreocupado e solicito às curiosidades da menina no que tange o mundo no qual vive (além de engatarem num romance bem piegas, eu sei). Ademais, nomes de calibre como Mahershala Ali e Jennifer Connelly possuem personagens subaproveitados, mesmo que tenham poucos bons momentos.

A história do filme é um pouco truncada e pode parecer abarrotada, ainda que seja plenamente compreensível. Há um excesso de personagens e subplots; tudo e todos convergem ao crescimento de Alita, mas não deixam de inchar o enredo e causar uma sensação de exagero. Outro grave problema do roteiro é a presença de diálogos expositivos, muitos ocorrendo fora de hora (um personagem X fala sobre o Y para a W, sendo que a W sequer pediu por essa apresentação, que viria de forma natural mais à frente) ou até se repetindo (ao ponto de uma personagem falar que já sabe daquilo). Se tem algo que me incomoda até meu âmago, é isso.

Alita: Anjo de Combate foge da maldição que assola outras projeções baseadas em mangás e animes simplesmente por possuir carinho suficiente ao material original, além de nunca se perder de seu cerne, entregando até mesmo momentos pesados que nunca pensei ver na telona, indo no limite da faixa etária. É um filme com erros, mas com um baita coração pulsante.

Nota: 8

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Battle Angel Alita | Gunnm Hyper Future Vision

O subgênero Cyberpunk, oriundo da Ficção Científica, é um dos muitos que me atraem quase que instantaneamente. Obras como Deus Ex, Neuromancer e Ghost in the Shell são apenas algumas pelas quais tenho um enorme fascínio para com seus universos e personagens. E, como pôde ser notado, é uma paixão que atravessa mídias; nesse caso, games, livros e animes, respectivamente, ainda que GitS tenha começado como um mangá, lá em 1989. Um ano após o surgimento de Motoko Kusanagi, personagem feminina forte do meio, vimos Alita (ou Gally, no original) nascer no título Battle Angel Alita, do artista Yukito Kishiro.

E é justamente seu primeiro arco, Gunnm Hyper Future Vision, que será abordado nesta dissertação. Dividido em 9 edições, a Editora JBC optou por manter essa ordem em sua versão digital, enquanto que a impressa vinha no formato BIG, totalizando 4 edições gigantescas com mais de 400 páginas. Mesmo com seu acabamento simples, é difícil não se ver intimidado pelo seleto grupo de enormes tijolos. Confesso que demorei para ler tudo, e até para me interessar por completo pela jornada da jovem ciborgue. Um dos fatores que me impulsionaram a desbravar a obra de vez foi o lançamento do primeiro trailer da adaptação cinematográfica, batizada de Alita: Anjo de Combate. Com sua estreia chegando cada vez mais perto (14 de Fevereiro), me vi na obrigação moral de terminar esse enorme arco, que serve de inspiração ao filme.

Completei a leitura em exatos 4 dias, sendo um volume para cada. Estava completamente absorta naquele universo, o que me espantou. Assim que finalizava uma edição, já ansiava por começar a próxima, sem hesitação alguma. O ritmo da narrativa é tão bem coordenado que sequer sentimos nosso tempo passar. E isso, meus caros, é algo muitíssimo raro. Acompanhei Alita em sua jornada, e partilhei de seus sentimentos, dos simples aos mais complexos e/ou dúbios. Questionamos as mesmas situações. E mesmo quando não concordava plenamente com a personagem, eu compreendia certos atos sem pestanejar. Isso também é bastante raro.

Yukito Kishiro desenvolve boa parte dos seres que compõem esse mundo com genuinidade, mas dando-lhes a complexidade necessária para fazê-los críveis o suficiente. Da então ingênua Alita ao agora perverso Zapan; todas as decisões tomadas pelos personagens fazem sentido dentro do contexto do qual compartilham, logo as consequências que enfrentam são mais do que justas, por mais que não pareçam. Ao longo dessas 4 edições, não houve um momento no qual pensasse “Ora essa, isso não combina com a personalidade dele(a)” ou “Ele(a) mudou drasticamente, sem qualquer motivo”. Um ser influencia o outro, assim como o ambiente os modifica, fazendo com que entrem em contato com incontáveis ideologias no decorrer da jornada. O senso de progressão dos personagens é nada mais do que satisfatório, principalmente o de Alita, que descobre cada vez mais sobre seu passado, ao passo em que evolui psicológica e emocionalmente.

Por mais que a Cidade da Sucata e Zalem sejam as peças de sempre num conto futurista e distópico, não dá para não se “encantar” pela podridão e pela coletividade dos seres que habitam tais lugares. Por mais embasbacados que fiquemos com certos eventos pesados (e que nos são apresentados explicitamente) que ocorrem em ambos os locais, não dá para não notar que eles não diferem nem um pouco da realidade na qual vivemos, inclusive em termos de segregação social (o grande malefício por trás de inúmeros atos). A única diferença é que nosso dia a dia ainda não foi tomado por pessoas que possuem apenas o cérebro como lembrança de sua origem humana, enquanto que todo o resto é um emaranhado cibernético. Mas isso realmente faz diferença? Isso importa, no que tange a tão almejada humanidade?

Para costurar isso tudo da melhor forma possível, temos aqui uma arte impecável, que sabe nos situar no meio das cenas de ação, além de não nos poupar dos detalhes sórdidos de tais embates, com direito a cérebros sendo sugados e cabeças sendo estouradas. É uma mangá seinen, cujo público-alvo é mais maduro, então não haveria tanto sentido em ocultar esse tipo de conteúdo, principalmente dentro do ambiente aqui construído. Além disso, prestem atenção em toda e qualquer página que nos mostre pedaços da cidade e os ciborgues; é uma riqueza de detalhes estonteante, e que dá até vontade de pegar um papel e um lápis para tentar algo minimamente parecido.

Em suma, Battle Angel Alita - Gunnm Hyper Future Vision é uma baita duma viagem que merece ser vivenciada, seja você um fanático por cyberpunk em toda e qualquer mídia ou um ávido leitor de mangás dos mais diversos tipos.

Em tempo: A Editora JBC já lançou as duas primeiras edições do segundo arco, Last Order, e mal posso esperar para entrar em contato com essa nova etapa da jornada da jovem Alita.

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AnaCrônicas | Life is Strange

Nem acredito que finalmente joguei Life is Strange plenamente. Digo isso porque eu almejava o título desde quando o primeiro episódio saiu, lá em Janeiro de 2015. Ainda estava na febre dos games da Telltale, igualmente Adventures Point-and-Click, então era certo manter o jogo da Dontnod Entertainment (responsável por Remember Me) no radar. Fora que essa pegada sci-fi num cenário adolescente “ordinário” foi extremamente fácil de me atrair, principalmente porque essas criaturas são os elementos mais difíceis ao lidarem com poderes e suas consequências (vocês já sabem do ditado do Tio Ben, então lhes pouparei), mesmo que tais habilidades envolvam viagens temporais. Como dizer não para Life is Strange?

Mesmo com esse baita interesse, ainda levaria bastante tempo para entrar em contato com a obra, já com todos os seus capítulos disponíveis. Dólar em alta, o que impossibilitava a compra de um PSN Card, sendo o principal obstáculo. Mais uma vez, salva pelo Xbox One S. Junto dele, um código para aproveitar um tempo do serviço Xbox Game Pass, que é uma espécie de “Netflix de games”. Mais de 100 títulos que fizeram com que meus olhos brilhassem, e lá estava Life is Strange, completinho. Era agora ou nunca.

Depois duma verdadeira maratona, terminei a jogatina. Sentimentos conflitantes aqui e socos no estômago acolá, enfim posso dizer que o pacote como um todo fora muitíssimo aprazível. Admito que, no início, Max aparentava ser apenas mais uma personagem introspectiva que viria a interagir com alguém que é seu completo oposto, papel designado à sua antiga amiga Chloe. E, de fato, ela o é, ainda que tenha seus desejos e pensamentos esclarecidos (além de possuir um background, mesmo que não tão explorado). Isso nos permite moldar a protagonista ao modo como nós, jogadores, enxergamos aquele mundo, e isso funciona de forma natural (ainda que esse conceito não se aplique tão bem no primeiro episódio, onde certas escolhas muito diferentes de sua personalidade podem parecer alienígenas). É interessante acompanhar o crescimento de Max perante os eventos que a cercam, e, mais importante, como ela lida cada vez mais com seu novíssimo poder: a habilidade de voltar no tempo.

Pode parecer uma trapaça ter um poder desses num jogo que envolve decisões, tanto em momentos cruciais quanto em ocorrências “menores”, e, por vezes, realmente tinha essa sensação. Poder voltar no tempo para desfazer uma escolha que acabou não me agradando soou satisfatório numa primeira vez, mas fez com que ficasse mais despreocupada a cada nova situação, exceto em set pieces que mexiam com esse feature ao bel prazer da história; esses foram os segmentos mais tensos de todo o game, e um deles me deixou nervosa ao ponto das palmas das minhas mãos transpirarem.

Outro ponto que tornou tal sentimento possível fora a conexão que construí com certos personagens ali presentes. Simpatizar com a garota que sofre bullying é fácil, mas o difícil é conseguir fazê-la confiar em você, ver uma amiga na figura de Max. Detestar a patricinha pretensiosa é fácil, mas o difícil é enxergar o quão insegura ela pode ser, o que pode explicar suas atitudes deploráveis. É muito bom ver que os personagens conseguem fugir dos estereótipos quanto mais você interage com eles ou vasculha suas coisas (Max é enxerida por natureza) nos cenários repletos de minúcias. É possível ver acontecimentos horríveis no colégio pelos quais possa ter passado na vida real, ou apenas presenciado. Esse tipo de ligação, ainda que dentro de um jogo que lhe presenteie com poderes, é o que torna a jornada tão poderosa.

E me refiro mais à jornada pelo simples fato de que o final se resume numa escolha principal (que pode não se importar com o que decidiu através desses 5 episódios), o que certamente irritou os jogadores que acompanharam cada capítulo em seu lançamento. No pacote completo, acabou fazendo sentido (e, na verdade, essa última decisão se vale muito do que fez em relação à todos os personagens desde o início). Para apreciadores de histórias de viagem no tempo, esse desfecho pode ter sido anunciado desde o incidente incitante, o que “destravou” os poderes de Max, ainda que o game em si não explique exatamente como esse tipo de coisa poderia ocorrer (prefiro assim, para ser sincera, já que abre espaço para interpretações baseadas em observações daquele universo).

Mas esse texto ainda não chegou ao fim, como pode ter parecido, já que Life is Strange ainda apresenta dois pontos muito bons e dois pontos muito ruins. A começar pelo lado positivo: a trilha sonora indie (magistral, tocando nos momentos corretos, com as letras acertadas) e a boa atuação por parte de todo o elenco. Ironicamente, esse último ponto leva ao primeiro do lado negativo: os diálogos um bocado vergonhosos (o excesso de gírias da Internet inseridas em conversas na vida real e de referências à cultura pop distraem), ainda que melhorem perto do final, e as animações limitadas (que levam à falta de expressividade dos modelos digitais), com tiques que todo e qualquer personagem possui (passar a mão na bochecha é algo bem comum, mas não do mesmíssimo jeito em pessoas diferentes).

Life is Strange, ainda que tenha suas ressalvas, apresenta um universo rico em detalhes e personagens, o que já é o suficiente para que curta esse passeio atípico pela juventude atual de Arcadia Bay.

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Resenha | Homem-Aranha no Aranhaverso

Vocês já estão cansados de saber que sempre há alguma desventura cercando meu encontro com qualquer nova obra do Homem-Aranha, e isso não poderia faltar em mais uma página da minha HQ de origem, que teve seu início lá em 2004. Tem gente que não sabe? Pois bem, a história é a seguinte, para aqueles que acabaram de chegar: quando tinha 8 anos, me vi apaixonada pelo universo do Teioso graças ao agora antigo filme Homem-Aranha 2. Meus olhos brilharam no cinema, de verdade. Desde então, tenho sido a primeira e única Garota-Aranha... ao menos, era o que pensava. Pude conhecer diversas outras pessoas que amam o personagem e tudo o que o cerca nesses 14 anos (cacete!) como fã, e que possuem muito mais conhecimento do que eu. Mesmo assim, por algum motivo, acabei “herdando” certas características do Aranha, como seu uso de piadinhas infames em momentos de tensão e sua falta de sorte em várias situações na vida.

E é aqui que posso iniciar esta mais nova edição.

A ida ao (longínquo) cinema fora aprazível, como não é de costume. A estadia lá, até o início da sessão, também começara de forma normal: uma ida à livraria que habita o local foi igualmente agradável. Mas houve um plot twist. Não sabia que teria um combo para poder garantir um balde especial de Homem-Aranha no Aranhaverso, então fui pega totalmente desprevenida. E havia um agravante: para garantir tal item, era necessário comprar um baldão de pipoca... e dois refrigerantes, sendo que estava sozinha (assim como na esmagadora maioria das vezes). Ou seja, precisei da ajuda da moça do balcão para levar as bebidas à mesa, até esperar a hora do filme começar, já que eu estava carregando a sacola com as compras da livraria, a sacola com o balde do Aranha e o baldão de pipoca.

Como diabos levaria tudo isso para a sala? Como iria sequer mostrar o celular comprovando a compra do ingresso no site?! Bem, eu tive de levar o aparelho primeiro para só então pegar as bebidas. E como faria para sentar na poltrona escolhida? Por sorte, o jovem casal ao meu lado foi bastante gentil ao segurar o assento e eles me permitiram usar os dois suportes por conta do excesso de drinks. Eles viram o quão enrolada que estava. Agradeci cada pessoa que me ajudou nesse perrengue. Tudo por causa de um balde. Soa até meio patético, falando assim, tão secamente. Mas o amor, seja por alguém ou por um personagem, é muito doido, mesmo. Faz com que cometa essas loucuras... Mas chega de devanear sobre sentimentos! O logo da Sony apareceu, é hora de focar no filme!

E, minha nossa, foram quase 2 horas de muitos sentimentos trazidos à tona, tais como tristeza e alegria. Foram quase 2 horas de pura e simples diversão. Foram quase 2 horas das mais emocionantes e gratificantes da minha vida. Há tempos não ficava tão feliz com algum filme do Aracnídeo. E o longa de animação, que estreou primeiramente em Dezembro de 2018 lá fora (estreando no dia 10 de Janeiro no Brasil), marcou o ano passado como um dos melhores do personagem, contando também com o game de PlayStation 4, Marvel’s Spider-Man. Duas adaptações maravilhosas em uma só tacada, ainda que num ano repleto de dificuldades e perdas; o Aranha perdeu seus criadores, Stan Lee e Steve Ditko. Peter perdeu seus pais. Mas pessoas que amam o personagem fizeram jus à obra de toda uma vida tanto com o jogo quanto com a película. Isso por si só deixaria ambos orgulhosos.

É muito bom se deparar com um trabalho tão cheio de carinho para com o material de origem. Os idealizadores, dos diretores aos roteiristas e aos inúmeros artistas, colocaram muito amor nessa obra, tanto até que há uma vastidão de easter eggs e referências que, quando descobertas, são um prato cheio para uma felicidade quase infantil (se bem que são tantas que farão você rever a película um bocado de vezes). Mas um filme não se sustenta apenas disso, e que bom que Aranhaverso sabe disso, porque o enredo é bem caprichado e soube focar no que é importante: a origem de Miles Morales, e seu amadurecimento tanto como homem quanto herói. E admito, o conceito de introduzir a noção de universos alternativos numa narrativa dessas me deixou preocupada num primeiro momento, mas serviu ao seu propósito muito bem: as outras pessoas-aranha aqui adicionam ao crescimento de Miles.

O Peter Parker quarentão aqui presente é, talvez, uma de minhas versões preferidas do personagem. Ele está acabado e cansado porque deixou a vida o derrubar, algo impensável de alguém que, supostamente, sempre viveu do clássico ditado “Com grandes poderes, vêm grandes responsabilidades”. Ele faz o papel do mentor relutante, que por vezes se torna o papel do pai que zela pelo seu filho, essa última figura sendo adotada por Miles; aliás, o guri é outro que possui aqui uma de minhas versões favoritas, repleto de carisma e personalidade suficientes para liderar uma boa história e, claro, uma futura franquia. A Gwen Stacy também tem seus vários bons momentos, aparecendo até mais do que pensava. Os únicos que são introduzidos um pouco “em cima da hora” são o Aranha Noir, a Peni Parker e o Porco-Aranha, ainda que sempre possuam boas sacadas e sejam presenças agradáveis em cena. E mais: todos com seus devidos estilos visuais.

Até porque, se tem algo que essa obra tem de sobra é estilo (o melhor: esse aspecto não interfere na narrativa, mas, sim, a complementa). Desde o aspecto de quadrinho antigo às onomatopeias e quadros com pensamentos dos personagens; é um verdadeiro festival criativo. E cada integrante da equipe aracnídea possui seu visual inerente ao seu respectivo universo. Ao passo que Miles possui um mundo repleto de elementos que remetem à pichação, o Peter do universo Noir traz consigo uma paleta de cores monocromática (clássica do gênero e das capas do selo nas HQs) e Peni já apresenta exageros clássicos da estética de um anime. O impressionante é que tudo converge muito bem; parece que, mesmo com suas diferenças estéticas, aquele pessoal pertence ao mesmo lugar. E, por conta dos acontecimentos em suas vidas, acaba que realmente o fazem, ainda que por meio de um elo trágico.

Não só isso. Todos eles possuem suas respectivas melodias, também. Se as aparições de Gwen trazem consigo mais rock e as do Peter apresentam a clássica música orquestrada típica de um herói, Miles introduz mais hip-hop à playlist, acentuando ainda mais sua personalidade. Aliás, falando nisso, a trilha sonora original consegue deixar alguns bons temas na cabeça, enquanto que as músicas inspiradas no filme também se destacam e nos fazem até escolher nossas favoritas (não consigo tirar “What’s Up Danger” da minha mente. Ela e “Sunflower” tocam sem parar por aqui).

Agora chega a parte que, bem, parte meu coração. Enquanto que dois vilões possuem um background compreensível, outros são meros dispositivos para set pieces de ação (ainda que agradáveis ao olhar). O foco realmente se situa nos heróis, seus dilemas e seus núcleos (o pai de Miles, Jefferson, e a tia May roubam alguns momentos, tornando-os muito bons), o que não é de todo mal, mas não dá para não ter a sensação de oportunidade desperdiçada.

Homem-Aranha no Aranhaverso é tudo o que sonhei ver algum dia na tela do cinema. Além de um bom enredo, bons personagens principais, boas atuações, arte primorosa e um baita ritmo, o filme ainda passa a mensagem mais poderosa que sempre existiu como legado do Teioso, mas sempre foi pouco explorada ou sequer tocada: qualquer um pode vestir a máscara, qualquer pessoa pode ser um herói. E isso me leva ao momento mais emocionante de Homem-Aranha 2, onde a tia May diz o seguinte:

“Eu acredito que exista um herói em todos nós, que nos mantém honestos, que nos dá forças, nos enobrece, e no fim nos permite morrer com orgulho. Ainda que às vezes tenhamos que ser firmes e desistir daquilo que mais queremos. Até de nossos sonhos.”

Foi esse discurso que deixou aquela garotinha de 8 anos, lá em 2004, emocionada pela primeira vez na vida. E ele ressoa até hoje, desta vez emocionando cada vez mais crianças, ainda que de uma forma renovada, mas igualmente importante, ou até mais. Tem coisa mais poderosa do que essa?

Nota: 9,8

Obs.: fiquem até a cena pós-créditos, eu vos imploro!

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Resenha | Quantum Break

E foi isso o que achei do game. Minha nota para ele é-- Peraí, é o quê? Como assim esse é o começo do texto? Então vocês não leram minhas impressões acerca de Quantum Break, título de 2016 desenvolvido pela Remedy Entertainment (Max Payne, Alan Wake), disponível para Xbox One e PC? Céus, peço perdão pelo erro. Deixe-me recomeçar apropriadamente, desta vez. Jack e Paul, liguem essa máquina aí! Preciso voltar no tempo para corrigir isso!

Deu certo? Acho que sim. Enfim, vamos lá novamente!

A Remedy Entertainment é uma das poucas desenvolvedoras que conseguem chamar minha atenção com praticamente todos os seus projetos. A graphic novel noir que é Max Payne sempre me encantou, embora nunca tenha jogado os dois primeiros até o fim (o terceiro foi desenvolvido pela Rockstar Games), o que é um pecado por si só. Alan Wake também me cativou por sua atmosfera sombria e surreal, mas não constava como um jogo multiplataforma, estando disponível apenas para Xbox 360 e PC; nunca saía da zona de conforto, sempre jogando em algum console da família PlayStation, então nunca tive a segunda caixa da Microsoft nem um computador poderoso o suficiente para jogar games além daqueles de 2003. E a pena foi igualmente dura nessa atual geração, com a aventura de ficção-científica Quantum Break, gênero esse que figura dentre meus favoritos em toda e qualquer mídia.

Pula para Dezembro de 2018, onde ganhei um tal de Xbox One S, junto do último dito-cujo (que ainda trouxe consigo um código para baixar Alan Wake!), fazendo com que surtasse e definitivamente não ficasse nem um pouco bugada com esse esquema diferenciado de controles (”O que diabos esse botão com três linhas faz?” / “Peraí, RB, RT?” / “Droga, o X não fica nessa posição!” / “Meu Deus do céu, o analógico esquerdo fica pra cima, cérebro!”). Foi tudo bem tranquilo. Depois de algumas atualizações - tanto do sistema quanto do jogo em si -, pude iniciar minha campanha, perder algumas noites de sono, acabar com a bateria da pilha do controle e tentar canalizar tudo o que aquela jogatina me proporcionou, e se ela ficou à altura do que esperava desde seu anúncio.

Não posso negar: o enredo me deixou intrigada até o fim, ainda que tivesse alguns leves furos de roteiro (inevitavelmente, o destino de quase todas as histórias que utilizam viagem no tempo como premissa). Todo o suspense em torno de alguns personagens importantes e suas motivações realmente atiçaram minha curiosidade, mesmo que, perto dos dois últimos atos do game, fosse possível deduzir seu desfecho, independente de qual decisão tomasse em breves momentos-chave. Além do fato de que alguns deles não foram completamente desenvolvidos ou mantiveram a tal aura misteriosa até o fim, deixando brechas para uma possível continuação (algo que frustra o término da jogatina, já que este apresenta um baita cliffhanger que não sabemos se será retomado algum dia, dado que a Remedy já está trabalhando numa nova propriedade intelectual exclusiva para o PlayStation 4).

Isso sem falar no experimento pitoresco que é a narrativa. Mesmo apresentando cutscenes in-game, o jogo também utiliza de um seriado que aborda o lado da Monarch Solutions, organização esta que você enfrenta durante todas as horas de jogatina. Além de causar um certo choque no ritmo, a qualidade da série é mediana (o uso de cenas de ação totalmente picotadas, passando a falsa sensação de dinamismo, é um dos elementos que mais abomino), e retrata alguns personagens pouco importantes na trama (pessoalmente, não consegui me conectar àquelas pessoas, por serem bem clichês). Os únicos bons momentos são protagonizados pelos principais antagonistas (essa frase ficou meio contraditória mesmo ou foi só impressão minha?). E se você quiser desfrutar desse feature, veja logo a opção para baixar todos os episódios de uma vez, senão terá que enfrentar ocasionais engasgos na imagem e vídeos em buffering por longos minutos (quisera eu saber disso no começo, mas não, tinha que apertar logo pra começar um novo jogo... Não façam o mesmo que eu, sério). E outra: vasculhe cada item de cada cenário, porque eles também acrescentam à história, por mais que sejam opcionais (no caso, em tese), fazendo com que perca detalhes importantes e outros não tão assim.

E já que falei bem dos principais antagonistas no seriado, preciso falar do elenco principal no jogo como um todo. Os atores Shawn Ashmore (Homem de Gelo de X-Men), Aidan Gillen (Mindinho de Game of Thrones), Dominic Monaghan (Merry de O Senhor dos Anéis) e Lance Reddick (Phillip Broyles de Fringe) realizam um excelente trabalho nos respectivos papéis de Jack Joyce, Paul Serene, William Joyce e Martin Hatch. Não há o que reclamar de suas atuações, e o mesmo pode ser dito da até então desconhecida Courtney Hope, que faz o papel da agente Beth Wilder, uma das peças centrais da trama e também uma das personagens mais interessantes.

Mas como não estamos falando de um filme ou seriado (apenas), temos que analisar o gameplay, não é mesmo? Justamente o motivo que me fez ansiar por seu lançamento. E que conseguiu entregar o que prometeu... mais ou menos. Jogo de tiro em terceira pessoa característico da Remedy (com direito a câmera lenta ao fuzilar o último inimigo do cenário), apresentando um dos principais elementos da desenvolvedora: você precisa se mover constantemente. A todo momento um adversário irá arremessar uma granada, fazendo com que tenha que sair de sua cobertura atual, o que também o impulsiona a utilizar um dash no tempo. Aliás, toda atividade inimiga o forçará a utilizar seus poderes temporais, desde compilar inimigos numa bolha explosiva até criar um breve campo de força ao seu redor para escapar das balas inimigas. Não fosse por tais habilidades (que você pode melhorar ao pegar Fontes Cronum), tudo o mais seria bem monótono, o que não quer dizer que não haja repetição vez ou outra. No mais, o coice exagerado das armas e falta de potência das mesmas deixa o tiroteio um tanto desajeitado (também pelo fato de sequer poder atirar sem mirar; é obrigatório deixar metade do corpo para fora do objeto no qual se protege, ficando totalmente exposto).

Infelizmente, por mais que os poderes de Jack sejam visualmente deslumbrantes durante a resolução dos (simples) puzzles e nos segmentos em plataforma, o gameplay neles costuma ser mediano, além de sofrer alguns bugs, como acertar o timing do pulo, mas o personagem morrer mesmo assim; outra ocorrência estranha é a aparição de uma plataforma “fantasma” que o salva nesse tipo de ocasião, o que aconteceu um bocado de vezes durante meu tempo com o jogo. Outros bugs recorrentes fizeram o game dar erro ao salvar (o símbolo da Monarch permanecia na tela por um longo período, só para retomar a jogatina noutro dia e ver que teria que jogar novamente as últimas horas), ao tentar coletar as tais Fontes Cronum (era possível detectá-las e ficar em frente à elas, mas não pegá-las, o que fez com que tivesse que reiniciar o game) e ainda deixou armas presentes em cutscenes que não deviam (era meio bizarro ver Jack conversando normalmente com alguém, enquanto havia esse fuzil grudado na palma da mão aberta dele).

Ainda que tenha encontrado diversos problemas durante a jogatina, me diverti bastante com o enredo, a ponto de ficar fissurada com o que poderia acontecer em cada ato, mesmo que tenha me decepcionado com seu desfecho, além de brincar com as possibilidades de meus poderes nos combates. Quantum Break é um baita experimento por parte da Remedy Entertainment, e mal posso esperar para o que eles trarão em seguida.

Nota: 7,9

[miscelanea-geek]

Marvel’s Spider-Man: The City That Never Sleeps | Parte 3 - Silver Lining

Todos sabem que o game Marvel’s Spider-Man consegue chegar numa unanimidade em relação ao seu desempenho (na maioria das vezes), mas o mesmo não pode ser dito de seus DLCs, verdadeiros divisores de água. The Heist fora o começo relativamente promissor, mas que derrapava feio; Turf Wars acrescentou tensão ao enredo, mas também cometia os mesmos erros de seu predecessor. O que esperar, então, de Silver Lining, terceiro e último DLC (que saiu hoje, 21 de Dezembro) do pack The City That Never Sleeps? Haveria algum fator redentor para essa trama emaranhada?

Sou suspeita para falar sobre isso, mas este 3º ato foi o melhor capítulo, mesmo com seus escorregões de praxe (mais sobre isso posteriormente). Tudo o que essa expansão deveria ser era o clímax de todo o enredo iniciado lá em The Heist, e consegue fazer isso com competência. Trazer Silver Sable de volta, colocando-a para interagir cada vez mais, foi um trunfo, já que a personagem foi claramente subaproveitada no jogo principal. Bom, ela permanece sendo uma pessoa que tem problemas de confiança - não julgo, até entendo -, mas conseguimos ver um pouco mais de sua personalidade, além de descobrirmos suas principais motivações. Já o Cabeça de Martelo, grande antagonista de CTNS como um todo, é reduzido à uma inconveniência (o custo para um aprofundamento noutro personagem).

E não é só a história principal que contém seus bons momentos; duas side missions aqui presentes - uma ligada ao que ocorre em Symkaria, terra natal de Sable, e outra ligada à um personagem importante, cujo futuro já é acertado logo aqui - são bastante interessantes, o suficiente para prender a atenção tanto quanto o grande evento. Além disso, no meio de todo esse caos, é claro que teríamos mais conversas por celular com Mary Jane e Miles Morales, que conseguem trazer frescor à jogatina, como sempre, em suas interações naturais com Peter. E sim, claro que temos os maus momentos, não é? A desgraça da Screwball voltou, com seus desafios irritantes de sempre, e a variedade de atividades que pode realizar pela cidade é a mesma presente até então; temos novas bases e um novo tipo de crime, que retoma uma mecânica outrora tensa de Turf Wars. Nada novo sob o sol.

E, infelizmente, temos o último pack com três novos trajes: Homem-Aranha Ciborgue (Peter Parker da Terra 2818, com seu braço esquerdo robótico, costuras no corpo e olho esquerdo biônico), Aaron Aikman (cientista da Terra 31411, cuja roupa é, na verdade, uma armadura, reminiscente de traços orientais) e No Aranhaverso (sim, o traje usado pelo Peter Parker mais velho da animação Homem-Aranha no Aranhaverso, que já estreou lá fora, no dia 14 de Dezembro, e irá estrear no Brasil só no próximo ano, no dia 10 de Janeiro). Novamente, nenhuma delas traz qualquer tipo de poder, sendo puramente estéticas. Novamente, mesmo assim, são muito lindas e bem detalhadas (e aplausos para a roupa da animação, que consegue recriar muito bem sua arte peculiar, com suas sombras em simples traços horizontais e a luz batendo na parte escura da lente, formando uma linha na vertical; nem preciso dizer que esse já é meu traje favorito).

Mesmo que tenha problemas com a abordagem de cada um dos DLCs, reconheço que funcionam bem em conjunto. Se você amou/ama muito o jogo e/ou ama muito o personagem, a compra de CTNS é garantida - alguns elementos em cada um dos enredos poderão trazer baitas consequências numa provável sequência, ou outro pack, caso a Insomniac Games considere tal ideia -, e é melhor até em termos de preço, já que The City That Never Sleeps sai por 25 dólares, enquanto que a compra de cada capítulo sai por 30 dólares. Mas, se está satisfeito(a) com a experiência proporcionada pelo game principal, não tem problema (embora, nesse caso, recomende uma busca por vídeos relacionados à trama). Mas que foi divertido retornar ao tresloucado cotidiano de Peter Parker, ah, isso foi.

FIM... OU SERÁ QUE NÃO?

[miscelanea-geek]

Resenha | Deuses Caídos

A literatura fantástica nacional vem desfrutando de uma época boníssima. Autores como Eduardo Spohr, André Vianco, Leonel Caldela, André Gordirro e Affonso Solano têm contribuído imensamente, com obras cada vez melhores, cada vez mais instigantes. Em alguns casos, vivenciei a evolução de uns, enquanto que encontrei com outros já no meio do caminho. E, mais uma vez, pude olhar de perto o nascimento de mais um grande nome dentre esses gigantes.

Deuses Caídos, título de estreia do carioca Gabriel Tennyson, lançado pela Editora Suma, pode entrar facilmente na lista de melhores leituras do ano. E entrei em contato com o livro por dois motivos: o já mencionado boom da fantasia brazuca e meu estranho caso de amor para com histórias que envolvem anjos e demônios. Esse último é um pouco bizarro, tendo em mente que tenho pavor de enredos com tal temática, mas sempre sou atraída por eles, de um jeito ou de outro. Acrescente à isso o fato de que um de meus livros favoritos de todos os tempos (e meu primeiro de fantasia nacional) reúne guerras angelicais, visitas ao inferno, bruxaria e desmistificações de trechos da Bíblia (com todo o respeito, claro).

Seria bem difícil não me apaixonar, então, por uma obra que apresenta um padre que é exorcista, fumante, desbocado e viciado em travestis, presença de assassinatos brutais com viés bíblico, investigações que levam ao lado obscuro e oculto do Rio de Janeiro (fazer um tour literário pela minha cidade é sempre bem-vindo), criaturas dantescas e detalhes sórdidos, capazes de torcer o estômago dos leitores desavisados e/ou desacostumados com tais conteúdos gráficos (e tem bem mais, acredite).

Num título que mistura um pouco de Constantine (sim, o filme estrelado por Keanu Reeves, levemente baseado na HQ Hellblazer, do selo Vertigo) com The Wolf Among Us (game baseado na HQ Fábulas, também do selo Vertigo) - que é o máximo de contato que tive com tais franquias -, há bastante espaço para originalidade, e ela se mostra coesa a todo tempo. Gabriel tem bom domínio do mundo que explora, disseca e nos apresenta; o fato de todos esses acontecimentos se situarem num local real nos conecta ainda mais aos personagens, por mais falhas de caráter que eles apresentem. Apesar de tudo, são todos bem humanos, e nos importamos com eles. Até mesmo o serial killer realiza atos que, por um segundo, podem fazer com que simpatize com suas motivações - e vocês bem sabem que adoro um bom enredo em tons de cinza. Tudo faz sentido dentro das regras deste jogo criado por Tennyson.

O livro apresenta também um bom ritmo, com capítulos que duram tempo suficiente para gerar um baita cliffhanger que o levará para mais 10, dentre set pieces de ação até as investigações e diálogos, todos bem espaçados. E tudo flui bem naturalmente, também. Até mesmo o narrador se mostra tão ágil quanto os personagens e as ocorrências que acarretam ou os cercam, além de ser capaz de oferecer comentários sarcásticos (o que, depois de um tempo, confunde um pouco; parece que ele e o padre Cipriano têm atitudes similares, por vezes). Plot twists também se mostram presentes, e admito que fui pega de surpresa por alguns deles; o melhor é que eles fazem sentido, porque estavam escondidos em situações e diálogos aparentemente comuns. Se há uma reclamação, iria para o excesso de referências à cultura pop, até mesmo na narração (como mencionado no parêntesis anterior) - entendo que isso nos coloca par a par com as pessoas ali presentes, mas é um recurso que se torna uma distração com o passar do tempo.

Gabriel Tennyson mostrou a que veio com Deuses Caídos, e mesmo com pouquíssimos problemas em relação à condução da trama, adorei demais esse amálgama de tradições, religiões e universos - e obrigada por me fazer imaginar toda sorte de situações que possam estar ocorrendo nesse exato momento na cidade na qual moro. Se o livro tivesse falhado, não teria calafrios ao pensar em tal possibilidade.

Que venha o próximo capítulo!

Nota: 9,8

[miscelanea-geek]

AnaCrônicas | Adeus Christopher Robin

Sem muitas pretensões, assisti ao filme Adeus Christopher Robin (2017), biografia que nos conta a história da criação do universo do Ursinho Pooh. Isso por si só já é um bocado estranho, já que não tenho ligação alguma com o tema - devo ter visto um desenho ou outro, mas nunca tive uma conexão forte, emocional.

E, ainda bem, a projeção foge do clima de falso otimismo de outras biografias, como Walt nos Bastidores de Mary Poppins (2013), ainda que este seja muito bem executado e repleto de boas performances. Interessante, esse foi outro filme que vi sem ter relação pessoal alguma com a obra ali retratada (tanto que só fui conferir o clássico com Julie Andrews alguns meses depois de assistir à biografia).

Enfim, a questão é que o filme desconstrói a imagem alegre de quando uma grande obra conhecida por todos chega ao público. Claro, o lançamento do livro é algo financeiramente maravilhoso à família de A.A. Milne, seu criador, mas ao custo da infância de sua inspiração: seu filho, Christopher Milne, o verdadeiro Christopher Robin.

O pai, interpretado pelo sempre excepcional Domhnall Gleeson, consegue entregar muito bem alguém emocionalmente distante, quebrado pelas experiências da Primeira Guerra, e ainda assim empático ao espectador, mesmo com suas falhas. A mãe, Daphne, interpretada pela igualmente excepcional Margot Robbie, entrega outra pessoa tão quebrada quanto, apesar das aparências; ela surge quase como uma antagonista em diversos trechos da trama, e embora entendamos seu primeiro momento desprezível, o roteiro lida com esse tema de uma forma imprecisa ao longo da projeção.

Kelly Macdonald, que interpreta a babá Olive, e Will Tinston, esse fazendo Christopher enquanto criança, também são extremamente competentes em seus respectivos papéis. Kelly consegue entregar uma pessoa extremamente terna e responsável, e é ela quem fica a cargo de entregar muitos bons momentos emocionantes. O jovem também se sai bem, como a criança que apenas quer a presença e o amor de seus pais, tanto como já o tem de sua babá. A fama pela inspiração do livro de seu pai o quebra, e sentimos. Infelizmente, Alex Lawther é bastante competente, mas o longa decide usá-lo por pouquíssimo tempo, mal dando espaço ao já adolescente Christopher.

E já que mencionei o tempo, devo dizer que o ritmo é um pouco abrupto. Claro, se o filme nos mostrasse cada momento na íntegra, seria uma atividade nada agradável. Mas senti muito o peso dessa decisão dinâmica ao não nos dar muito tempo para conhecermos Alan e Daphne no primeiro ato, demorando a nos fazer simpatizar com ambos. O mesmo se dá à fase adolescente de Christopher, extremamente picotada, e acaba não sendo o suficiente para sua nova construção. Mais alguns minutos de desenvolvimento não iriam machucar.

No mais, a direção de Simon Curtis é extremamente competente, a fotografia é soberba ao nos colocar na mente, no psicológico de cada personagem por meio de cores frias ou espaços amplos e escuros, e a recriação de época, tanto pelos cenários quanto pelo figurino, é belíssima.

Vale muito a pena conferir, se já não o fez.

[miscelanea-geek]

AnaCrônicas | Círculo de Fogo: A Revolta

Admito que a ideia de uma continuação de Círculo de Fogo (2013) parecia desnecessária. Aquela projeção despretensiosa, divertida e cheia de amor para com os famosos “filmes de monstro” japoneses funciona como uma história fechada, redondinha.

Então, quando Círculo de Fogo: A Revolta (2018) foi anunciado, senti um leve pânico. E nem mesmo Guillermo del Toro estava mais envolvido no projeto (saindo dos cargos de diretor e co-roteirista; ou ele fazia a continuação, ou embarcava em um projeto inédito, este que veio a ser o maravilhoso A Forma da Água), deixando a liderança para o até então desconhecido Steven S. DeKnight. Pânico em dobro.

E mesmo tendo ouvido muitos comentários negativos acerca da sequência, além de meu enorme ceticismo para com o mesmo... não é que curti?

Claro, A Revolta tem uma estrutura narrativa quase parecida em relação ao original (chega a reutilizar um visual gag, até), mas brinca com o mesmo, por vezes, e em muito com sua iconografia ("Isso era para ter sido épico"). A história continua bem basicona (com sua mescla estranha de Ender's Game com Transformers), mas não conta mais com o visual detalhado e com o peso das lutas do original; todo o resto acaba saindo bem raso. Mas a montagem do filme confere urgência às cenas de ação mais tensas, por mais que não tenhamos mais a afeição aos personagens ali presentes ou a euforia diante de tais embates.

É com um misto de satisfação e decepção que acolho essa sequência (ainda mais ao saber que del Toro planejava um rumo totalmente diferente de eventos); ao passo que ela omitiu certas informações cruciais (e que poderiam ajudar à conexão emocional diante do enredo, se presentes) e não soube tratar bem alguns dos personagens do anterior, admito que os principais e novos (poucos) protagonistas são carismáticos o suficiente para carregar esse filme e suas cenas (embora a atriz mirim ainda sofra em relação à jovem que fez a Mako criancinha do primeiro filme; sério, até hoje acredito no medo dela em cena).

Sei que a película dá a entender que teremos um terceiro filme, mas sinceramente? Não é necessário. E como sempre acharei a história do original já completa, trato A Revolta e tratarei suas consequentes sequências como fanfictions bem trabalhadas.