Multiverse Of Series

Movies and TVSeries are my Multiverse of Madness

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The Bluff: un film 'quanto basta' per distinguersi dalla massa

Frank E. Flowers dirige Priyanka Chopra Jonas e Karl Urban in un buon action al femminile che ci riporta all'epoca dei pirati. Spunto affascinante, così come la location. Su Prime Video.

Rivedere il concetto di home invasione, per declinarlo secondo uno schema inaspettatamente originale. Prendendolo alla larga, una sorta di action al femminile esaltato dal fascino cinematografico dei pirati. Nulla di imprescindibile, eppure The Bluff diretto da Frank E. Flowers, scritto insieme a Joe Ballarini e prodotto dai Fratelli Russo, riesce nell'impresa di risultare decisamente apprezzabile.

The Bluff: Priyanka Chopra Jonas in una scena action

Un risultato non scontato, vista la direzione e, per restare in tema, visto l'approdo: arrivato in streaming su Prime Video, The Bluff prova a distinguersi dal resto degli original - il che non è poco - sfruttando al meglio il materiale a disposizione. Il cast, la storia, e soprattutto la location che, ben studiata dal regista, diventa intelligentemente il cuore dell'opera.

The Bluff: il ritorno dei pirati (in streaming)

Siamo nel 1840, e la protagonista è Ercell "Bloody Mary" Bodden (Priyanka Chopra Jonas), che ha voltato le spalle alla pirateria. Sulla costa delle splendide Isole Cayman ha costruito una nuova esistenza accanto al marito T.H. (Ismael Cruz Cordova), al figlio Isaac (Vedanten Naidoo) e alla cognata Elizabeth (Safia Oakley-Green), trovando nella quotidianità una pace che credeva impossibile, visto il burrascoso passato.

Ma si sa, il passato non resta sepolto a lungo. Quando il capitano Connor (Karl Urban) riemerge assetato di vendetta (uomo antico in un mondo moderno, con una declinazione non banale), l'equilibrio fragile di Ercell si spezza. Assediata, è costretta a risvegliare la guerriera che aveva giurato di non essere più per difendere la sua famiglia.

Un film votato all'intrattenimento (e funziona quanto basta)

The Bluff: Priyanka Chopra Jonas e Karl Urban in una scena

Come detto, la forza di The Bluff sta tutta nella struttura, molto simile a una spietata partita fatta di inganni, strategie e sopravvivenza in cui si muovono - come in una sorta di gioco di ruolo - due pedine, disegnate secondo archetipi direttamente opposti. Frank E. Flowers, di sangue caymaniano, conosce bene il territorio (e si vede), applicando quindi la giusta metrica, e spostando lo sguardo in avanti: non più l'età dell'oro della pirateria, bensì una dimensione più cruda e meno romantica, ma comunque adatta al contesto nonché al verbo principale onestamente ricercato: intrattenere.

Il pirata Karl Urban in The Bluff

Certo, è tutto abbastanza dimenticabile, alla fine delle due ore di durata, ma l'approccio action - la mano di Anthony e Joe Russo si sente - mischiato a un'atmosfera esotica di grande impatto, senza ricorre necessariamente ad artifici visivi palesemente evidenti (buon lavoro quello di Greg Baldi alla fotografia), riesce a cogliere l'attenzione del pubblico, modo rapito da un racconto che ribalta diversi pre-concetti, puntando tutto sull'autenticità (e non guasta): al centro non c'è l'eroe maschile tradizionale, ma una figura femminile che difende la sua casa, la sua famiglia e la sua identità da un assalitore implacabile (ma con una sua logica), che sembra uscito dritto dritto da certe produzioni anni Novanta. E va detto che nell'immaginario piratesco Priyanka Chopra Jonas e Karl Urban si ritagliano un dignitoso spazio.

Intenzioni ottime, come ha confermato lo stesso regista, durante il nostro incontro stampa, dicendo che "in The Bluff doveva esserci cuore e autenticità. Solo così potevamo arrivare al grande pubblico". Vero. Insomma, magari non sarà tantissimo, ma quanto basta per distinguersi dalla massa. Con un piccolo appunto finale: forse non ci siamo arrivati noi, ma proprio non si capisce quale sia il bluff che dà il titolo al film.

Conclusioni

I pirati al cinema funzionano sempre. E funzionano anche in streaming, come dimostra The Bluff. Un action al femminile che sfrutta i panorami esotici per creare il giusto world building, di forte presa sul pubblico. Niente di assoluto, ma nel marasma di produzioni copia-e-incolla il film di Frank E. Flowers gira e intrattiene, anche grazie alla buona dose di azione e alla performance di Priyanka Chopra Jonas e di Karl Urban.

👍🏻

La location.

Un approccio originale.

Le scene d'azione funzionano.

Il fascino dei pirati.

👎🏻

Niente di indimenticabile.

Ingrana poco alla volta.

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The final trailer for ‘SUPERGIRL’ has been released. In theaters on June 26

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Wonder Man: una serie meta-televisiva arrivata troppo tardi

Lo show targato Marvel Spotlight, è (purtroppo) una serie di cui ci siamo già dimenticati, nonostante i buoni spunti di partenza. In streaming su Disney+.

Lo sappiamo. I Marvel Studios hanno sofferto molto il proprio percorso post-Endgame. Per cercare di piazzare alcuni progetti che hanno avuto una gestazione lunga e difficile, e mandarli comunque in onda, hanno ideato nel 2024 l'etichetta Spotlight dove inserire le storie parallele incentrate sui personaggi più che sull'intreccio narrativo: prima Echo e ora Wonder Man, in streaming su Disney+.

Una scena della serie

Fin dai trailer e foto promozionali, la serie giocava molto sull'aspetto meta-cinematografico del racconto e ci aveva incuriosito per questo: peccato rimanga (quasi) tutto lì, sullo schermo e nella mente dello showrunner.

Wonder Man: una meta-sitcom per niente da ridere

I Marvel Studios volevano "togliersi di mezzo" un titolo come questo, tanto da promuoverlo solo solo una volta pronto per la messa in onda, tra l'altro rilasciata tutta insieme e non a cadenza settimanale. Otto episodi da mezz'ora per una dramedy che si prende troppo sul serio.

Scritta a quattro mani da Destin Daniel Cretton (Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, Spider-Man: Brand New Day) e Andrew Guest (Community, Hawkeye) ha due soli protagonisti, a cui gravitano intorno gli altri personaggi minori. Il vincitore dell'Emmy Yahya Abdul-Mateen II, nei panni di Simon Williams, e il Premio Oscar Ben Kingsley, che riprende il suo ruolo di Trevor Slattery dopo essere apparso in Iron Man 3, Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli e nel corto Viva il re.

I due si muovono come se fossero su un palcoscenico teatrale (o quello di una sitcom) fatto di pochi ambienti e una staticità narrativa di fondo: questo non alleggerisce anzi appesantisce il racconto, spingendo troppo sulla parte drammatica.

Allievo e mentore: il rapporto a due della serie Marvel

Yahya Abdul-Mateen II è Simon Williams in Wonder Man

Williams è un aspirante attore di Hollywood caratterizzato fin da subito come un rompiscatole che mette troppa attenzione nei propri ruoli da guest star, in attesa di sfondare e rendere orgogliosi la madre e il fratello. La grande occasione però sembra arrivare quando conosce Trevor Slattery, un attore in decadenza ma che ha ancora qualche asso nella propria manica. Quando vengono a sapere che il leggendario regista Von Kovak sta realizzando un remake del film di supereroi Wonder Man, i due fanno squadra per provare ad aiutare le rispettive carriere a (ri)decollare. Entrambi, però, hanno un segreto che potrebbe cambiare il corso degli eventi.

Ben Kingsley torna nell'MCU nei panni di Trevor

Siccome entrambi i segreti vengono rivelati quasi subito, decade l'effetto sorpresa e una vera e propria tensione narrativa. Gli autori provano a sfruttarla centellinando la scoperta delle identità segrete da parte degli altri personaggi ma anche qui cascano male. Abdul-Mateen II e Kingsley riescono a costruire pian piano un accenno di chimica tra i loro personaggi, agli estremi del loro percorso professionale ma con lo stesso obiettivo finale, ma anche la dinamica tra mentore e allievo decade presto, una volta che tutte le carte sono sul tavolo.

Tra recitazione e supereroismo: i temi della serie

Non sono solo il ritmo e la messa in scena teatrale ad appesantire Wonder Man ma anche la caratterizzazione dei due protagonisti, abbastanza respingente, e l'aver sprecato un'occasione: quella di raccontare il dietro le quinte di Hollywood in modo nuovo. C'è un certo parallelismo tra la figura dell'attore e quella del supereroe: entrambi devono mentire per vivere e hanno una doppia identità. Lungo gli otto episodi la serie prova a sviscerarne similitudini e differenze, prova a farci avvicinare a quel mondo fatto di flash e glamour ma come sappiamo in realtà intriso di cinismo, opportunismo e capitalismo.

Mentore e allievo a confronto

Nel farlo, però, non riesce a scegliere una chiave univoca, se più improntata sulla commedia e sull'autoironia che sbugiarda il mondo dello show-biz, oppure più indirizzata al dramma profondo vissuto da Simon e Trevor a causa dei loro traumi. In questo modo la serie non riesce a trovare una propria identità e soprattutto un senso di esistere all'interno del MCU; tanto più che il finale, piuttosto che chiudere, sceglie di aprire a un prosieguo che probabilmente non vedremo mai.

Conclusioni

Wonder Man è una serie che fa parte dell'etichetta Marvel Spotlight eppure non riesce ad inserirsi nell'universo narrativo sempre più affollato del MCU. Propone due protagonisti abbastanza respingenti, un'impostazione teatrale troppo statica e un'ironia troppo sottile per raccontare il dietro le quinte di Hollywood e il parallelismo tra attore e supereroe: se solo avesse sviluppato meglio questo aspetto interessante…

👍🏻

L'idea di una serie meta-televisiva…

Il parallelismo tra attore e supereroe…

👎🏻

…che però vira troppo sul dramma e poco sulla commedia.

…sviluppato malamente.

I protagonisti respingenti.

L'impostazione teatrale non aiuta il ritmo.

Il finale.

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Il Diavolo veste Prada 2: il ritorno di Miranda Priestly? Da non perdere

Meryl Streep, Anne Hathaway, Stanley Tucci, Emily Blunt: fino a nemmeno due anni fa non avevamo molte speranze di rivederli insieme nella redazione di Runway e invece, per la gioia nostra e di molti altri fan, è successo con Il diavolo veste Prada 2. Miranda Priestly è tornata, pronta a deliziarci con il suo cinismo e la sua brutale schiettezza in un mondo dell'editoria profondamente cambiato da quell'ormai lontano 2006.

Una scena del film

All'epoca, Il diavolo veste Prada ci apriva uno spietato spaccato sul mondo delle pubblicazioni fashion e sulla complessa macchina della moda, un'industria del lusso che muove grandi quantità di denaro ma che, come molte altre cose nel corso di due decenni, ha dovuto adattarsi a nuovi mezzi comunicativi e a un pubblico che, sempre più spesso, cerca l'immediatezza piuttosto che la riflessione.

Di questo e di molto altro parla questo sequel. Un film che punta ad accontentare i nostalgici ma non rinuncia a raccontare un cambiamento, che guarda indietro per poi andare avanti, avvalendosi ancora una volta della regia di David Frankel e della sceneggiatura furba ed efficacissima di Aline Brosh McKenna.

Il rilancio di Runway: la trama del film

Il Diavolo veste Prada 2: Anne Hathaway in un'immagine

Miranda Priestly è al centro di uno scandalo a causa dell'etica di uno dei marchi che Runway ha sponsorizzato in un recente numero. Tra meme e commenti inferociti la reputazione del prestigioso magazine è ai minimi storici e per porvi rimedio viene chiamata Andrea Sachs; sì, proprio la Andy che nel precedente film aveva lavorato come apprendista di Miranda. Sarà lei a dover dare una nuova direzione comunicativa a Runway proponendo nuovi contenuti che possano essere graditi ai lettori contemporanei, prima tra tutti un'ambitissima intervista a Sasha Barnes (Lucy Liu), donna di spicco dello showbiz, tanto discreta quanto inafferrabile. Riuscirà Andy a risollevare le sorti della rivista e allo stesso tempo convincere Miranda che il suo ruolo è necessario per il rilancio del magazine?

Decostruire un'icona pop

Il Diavolo Veste Prada 2, fin dal suo annuncio, si è rivelato uno dei sequel più attesi di sempre. Il film del 2006 si è imposto come un caposaldo della pop culture, modificando profondamente l'immaginario collettivo attraverso scene iconiche e battute entrate nel gergo comune. Miranda Priestly, originariamente ispirata alla figura della storica direttrice di Vogue US Anna Wintour, ha poi iniziato a vivere di vita propria, acquisendo lo status di icona cinematografica al pari della sua meravigliosa interprete Meryl Streep.

Meryl Streep, Anne Hathaway nei panni di Miranda e Andy

La nuova pellicola rispetta tutto questo: rende un sentito omaggio all'opera madre per poi andare a decostruire i suoi stessi miti in un mondo che cambia profondamente e velocemente. In questo contesto, Miranda mostra i suoi lati più incerti e fragili, mentre Andy diventa il volto di un'editoria sempre più in difficoltà davanti ai nuovi mezzi di comunicazione. Due donne diverse eppure, in qualche modo, simili: lavoratrici appassionate, competenti, capaci. Due generazioni a confronto che imparano a collaborare.

Emily Blunt è di nuovo Emily

Ed è proprio la questione generazionale a costituire la novità narrativa più interessante. Se la struttura del film, infatti, richiama in tutto e per tutto quella del suo predecessore, le tematiche si evolvono affrontando lo scontro e il bisogno di collaborazione tra Miranda, Andy e la Gen Z, incarnata dal nuovo stuolo di giovanissimi assistenti della rivista. Ne emerge il racconto di un ecosistema mutato, un'analisi leggera ma impietosa del mondo del lavoro in cui tendiamo a riconoscerci, così come ci riconosciamo in Andy, nei suoi timori e nella sua deontologia.

Il costo del successo

"Il pubblico deve sapere che c'è un costo": è questa una delle battute più significative del film, e racchiude il vero passo avanti compiuto rispetto al capitolo originale. Attraverso la pungente Miranda, l'appassionata Andy e il fedele Nigel, assistiamo al racconto di donne e uomini che fanno sacrifici enormi per portare avanti una visione.

Persone che scelgono, a volte anche ingiustamente, di lasciare indietro pezzi di vita in nome di qualcosa in cui credono: un'informazione di qualità e immagini che siano, prima di tutto, arte. In un mondo che va sempre più veloce, bulimico di contenuti, dove la sostanza si assottiglia inevitabilmente, come ci si può distinguere senza perdere la propria impronta e originalità?

Una scena di Il diavolo veste Prada 2

New entry importanti, cameo di altissimo profilo e una regia squisitamente patinata fanno il resto, accontentando i fan storici che ritrovano quello stile dinamico e accattivante che rendeva la prima pellicola così avvincente, briosa e facile da seguire. Se proprio dobbiamo trovare un difetto a Il diavolo veste Prada 2, questo risiede in un lieve calo di ritmo nella parte centrale, forse conseguenza di una durata superiore al precedente (che si allinea, però, a quella di molti dei blockbuster contemporanei).

Un peccato veniale che non intacca la godibilità di un film che torna a vantare una colonna sonora pop ed estremamente centrata. Un sequel nostalgico al punto giusto, sagace al punto giusto, leggero e profondo al punto giusto. Un'operazione riuscita che, ne siamo certi, non vi deluderà.

Conclusioni

Il diavolo veste Prada 2 riunisce l'iconico cast originale in un sequel che bilancia perfettamente l'effetto nostalgia con nuove e più contemporanee tematiche. La pellicola offre una brillante decostruzione del mito di Miranda Priestly e analizza il divario generazionale nel mondo del lavoro, confrontando l'editoria del 2006 con l'attuale panorama mediatico, sempre più veloce e dai contenuti esili e immediati. Nonostante un lieve calo di ritmo nella parte centrale, il film si conferma un'operazione visivamente patinata e riuscitissima, capace di raccontare con sagace leggerezza e inaspettata profondità i sacrifici necessari per difendere l'informazione di qualità e il proprio lavoro.

👍🏻

La figura di Miranda Priestly, sagace, scorretta eppure fragile.

Il racconto generazionale.

La critica centrata sulla condizione attuale dell'editoria.

👎🏻

Un perdonabile calo di ritmo nella parte centrale.

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The final trailer for ‘HOUSE OF THE DRAGON’ Season 3 has been released. Releasing June 21 on HBO.

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È l'ultima battuta?: l'amore è una parola moderna secondo Bradley Cooper

Will Arnett e Laura Dern sono i magnifici protagonisti di un film strepitoso: l'analisi di una grammatica sentimentale che esalta il cuore e la vulnerabilità.

Che grande cinema quello di Bradley Cooper. Radicato in un certo immaginario, ben coeso sia alla narrazione sia all'eleganza di una messa in scena che ricorda la classe di Billy Wilder o Robert Redford. Paragoni ingombranti ma, come nel caso di È l'ultima battuta?, decisamente consoni. Con un piccolo appunto: se l'avesse diretto un altro regista, si sarebbe gridato al capolavoro (stesso discorso per il suo precedente e sottovalutato lavoro, Maestro).

Will Arnett in una scena del film

In un cinema che, spesso, punta agli estremi e all'effetto, Cooper, su sceneggiatura firmata insieme a Will Arnett e Mark Chappell (ma lo schiocco dell'idea è arrivato da John Bishop), racconta al meglio l'arcobaleno sentimentale, l'impreparazione alle sterzate della vita, nonché gli anfratti dell'amore, teorizzando e praticando al meglio l'arte di una dramedy dai toni dolci e ironici, cogliendo al massimo il valore della vulnerabilità.

È l'ultima battuta?, lasciarsi un giorno a New York: la trama

Il pitch di È l'ultima battuta? (titolo originale Is This Thing On?) è semplice ma efficace: esplorare la crisi di mezza età di un uomo mollato da sua moglie. Il protagonista è Alex (Will Arnett, splendido), finito a terra dopo la separazione consensuale da Tess (Laura Dern, altrettanto splendida). Andare avanti è complicato, così come è complicato gestire il buon rapporto in nome dei due figli, Felix e Jude (Blake Kane e Calvin Knegten).

È l’Ultima Battuta?: Will Arnett e Laura Dern in un'immagine

Mentre lo sfondo newyorkese muove la storia, ecco che Alex, dopo essere finito per caso a una serata open mic al Comedy Cellar (uno dei club di stand-up più famosi di Manhattan, nel cuore del Greenwich Village), sembra trovare una certa catarsi nel palcoscenico, affidando i suoi pensieri (e la sua guarigione?) al suo nuovo hobby: fare cabaret. Nemmeno a dirlo, diventerà anche piuttosto bravo.

Will Arnett e Laura Dern, interpretazioni pazzesche

Se New York diventa una sorta di protagonista, ampliando la poetica del racconto - anche grazie alla fotografia di un fuoriclasse come Matthew Libatique -, Bradley Cooper ha la capacità non scontata di soffermarsi sull'intimità e sui silenzi, ragionando sulle relazioni e sulle parole (e le parole sono lo strumento principale di ogni stand-up comedian) per enfatizzare le rughe di un matrimonio in crisi grazie alla forza di un umorismo sottile e, al contempo, dirompente.

Una scena del film: Bradley Cooper e Will Arnett

Per questo, nelle scelte tecniche e umane, È l'ultima battuta? non sbaglia effettivamente intonazione né cadenza, facendo entrare il pubblico in piena sintonia con quei personaggi che, a guardar bene, offrono riflessi universali e riconoscibili. Questione di scrittura, questione di verità, di cuore, di sostanza. Il merito, non ultimo, va alle prove di Will Arnett e Laura Dern, magnifici nel cogliere quelle sottigliezze che rendono il tutto ancor più credibile, dando corpo a una sceneggiatura come non se ne vedevano da tempo - e che avrebbe meritato molta più attenzione agli Oscar.

Un film da non perdere

E poi? E poi, mentre le stagioni si alternano e il Greenwich Village si tinge d'arancio e di giallo, fermentando il friccicare di una città incredibile, ecco che il palcoscenico per Alex diventa il confine dove ritrovarsi, quel mare aperto lontano dalla zona di comfort: perdere tutto, alcune volte, vuol dire riacchiappare la giusta prospettiva e la giusta ottica per comprendere e decifrare l'equazione sentimentale, mettendosi così a nudo, e mostrandosi finalmente vulnerabile, ferito, livido, ma finalmente libero di annullare un'asfissiante pressione emotiva.

Will Arnett e Laura Dern in un momento di È l'ultima battuta?

Solo così, fiato in gola e microfono sulle labbra, Alex può tornare a prendersi cura di sé. E se la bravura registica di Bradley Cooper è nei dettagli, ecco che È l'ultima battuta? chiude sulle note di Under Pressure, cantata dai Queen e David Bowie. 'Under pressure that brings a building down, splits a family in two, puts people on streets'. Sì, solo l'amore può salvarti. Una parola così antica da essere eterna.

Conclusioni

Bradley Cooper non sbaglia un colpo (né una parola) per un film capace di tradurre la grammatica sentimentale. Il regista rilegge l'amore e le relazioni attraverso la crisi di un matrimonio, puntellando l'intimità e la dolcezza attraverso una struttura cinematografica di grande spessore. Splendidi Will Arnett e Laura Dern, materiale umano che esalta uno dei film più belli dell'anno.

👍🏻

La regia di Bradley Cooper.

Toni e colori.

Il finale.

Will Arnett e Laura Dern pazzeschi.

👎🏻

Nessun punto debole preponderante.

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The first trailer for ‘X-MEN '97’ Season 2 has been released. Releasing July 1 on Disney+

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Daredevil: Rinascita 2: un Vincent D’Onofrio gigantesco che domina la scena

È opinione abbastanza comune che, di tutte le serie realizzate in joint venture fra Netflix e Marvel Television, quella dedicata al diavolo rosso di Hell's Kitchen, Daredevil, sia la più riuscita. E non è difficile capire perché: il tono è quello ruvido, crudo, tipico dei fumetti di Frank Miller che, nel caso di questa versione televisiva delle avventure del personaggio, non è una sterile, scolastica riproposizione di uno stilema artistico e visivo di cui si sarebbe potuto tranquillamente fare a meno nel passaggio dalle tavole allo schermo, ma un elemento portante della narrazione.

Il rapporto fra il vigilante mascherato di Matt Murdock e la città di New York non può prescindere da una certa oscura e sanguinosa visceralità visiva. È una parte integrante della storia così come, per Spider-Man, lo è il parlare prima della vita scolastica di Peter Parker e poi di quella professionale al Daily Bugle.

Charlie Cox in una scena di Daredevil: Rinascita

Non a caso, quando l'avventura dei personaggi Marvel "opzionati" da Netflix per le varie serie TV esclusive è giunta al termine, nessuno ha pianto fiumi di lacrime perché le avventure di Iron Fist o Luke Cage non sarebbero proseguite, ma in molti hanno storto il naso al pensiero che proprio Daredevil non avrebbe avuto un prosieguo, anche per via delle limitazioni contrattuali che impedivano ai Marvel Studios di fare quello che volevano con un loro personaggio.

Poi però sappiamo che a Hollywood funziona un po' come al Jurassic Park di John Hammond: life finds a way, la vita vince sempre. E così Daredevil è rinato su Disney+ con una serie che neanche troppo casualmente s'intitola Daredevil: Born Again. Un po' perché è effettivamente così, un po' perché, ancora una volta, il riferimento principale è sempre Frank Miller.

Il dominio di Wilson Fisk

Questa seconda stagione (la terza è già in cantiere) continua ad affrescare a tinte foschissime la storia di una Grande Mela diventata ormai il dominio incontrastato di Wilson Fisk, ormai eletto sindaco. Kingpin tiene New York sotto scacco anche tramite l'istituzione di una vera e propria milizia privata, la Anti-Vigilante Task Force, per dare la caccia ai vigilanti mascherati, in primis al nemico pubblico numero uno, Daredevil.

Una scena da Daredevil: Rinascita

E non solo: questa costola delle forze dell'ordine diventerà anche uno spietato strumento impiegato da Fisk per reprimere ogni moto dissidente. Naturalmente, però, Matt Murdock farà tutto quello che sarà in suo potere per abbattere l'impero corrotto di Kingpin e salvare la sua città.

Qualche lungaggine di troppo

Per certi versi la seconda stagione di Daredevil: Rinascita, così come la prima, riesce a racchiudere al suo interno tutto il bello e il brutto della moderna serialità televisiva via streaming. Quella composta da produzioni che, rispetto a quanto avveniva anche solo fino a una decina di anni fa, hanno un numero drasticamente inferiore di puntate per ogni stagione - dalle 6 alle 10 - contrariamente ai 15-25 episodi che, per "secoli e secoli", hanno contraddistinto la TV lineare.

Quindi, di bello, abbiamo che ogni episodio di Daredevil: Rinascita è studiato e architettato come un mini film, strutturalmente, visivamente, artisticamente. Questo perché ormai viviamo un momento in cui le principali proposte per il piccolo schermo, pur in un contesto di tagli diffusi ai costi anche a Hollywood, devono sempre mostrare i muscoli per non apparire più piccole rispetto alla concorrenza.

Tutto questo ha un rovescio della medaglia che si nota nitidamente nel modo in cui delle narrazioni che si sarebbero potute sviluppare in 4 ore (o, fino a una manciata di anni fa, in un film magari un po' più lungo della media) vengono tirate eccessivamente per le lunghe, con sottotrame e dinamiche stiracchiate. Ed è questo il principale difetto di Daredevil: Rinascita. Che però, va detto, ha anche svariate frecce al suo arco.

Una serie che coglie lo zeitgeist del momento

Se c'è una cosa che, sia per caso sia per accortezza affabulatoria, il Marvel Cinematic Universe è spesso riuscito a fare è cogliere lo spirito di un dato momento storico. Ecco, guardando Daredevil: Rinascita stagione 2 è praticamente impossibile non notare alcuni parallelismi con la recente cronaca d'Oltreoceano. Al netto della difficoltà di farsi un'opinione scevra da condizionamenti di sorta - perché la cronaca di cui sopra è sempre più contaminata da una serie infinita di fattori - è impossibile non notare certe somiglianze tra la Anti-Vigilante Task Force e la United States Immigration and Customs Enforcement.

Nella serie ritroveremo anche Jessica Jones

Più nota come ICE. Con la violenza e la spregiudicatezza al di sopra della legge dimostrate da questa milizia che pare, in tutto e per tutto, simile a quella esibita dall'ICE in un contesto dove le forze dell'ordine hanno comunque, per mille motivi diversi, modalità d'ingaggio ben diverse da quelle a cui siamo abituati in Europa. Un commento sociale che si estende anche alla maniera in cui il dissenso viene narrato e vissuto, anche e soprattutto attraverso contenuti "virali" affidati a internet.

Wilson Fisk domina la scena

Poi, senza nulla togliere a Charlie Cox, Deborah Ann Woll e ai loro colleghi e colleghe in scena, c'è lui: Vincent D'Onofrio col suo Wilson Fisk. Se stessimo parlando di un film, sarebbe uno di quei casi in cui l'utilizzo di espressioni trite o ritrite come "vale da solo il prezzo del biglietto" sarebbe giustificato dalla prima all'ultima sillaba.

La rabbia di Kingpin

La sua interpretazione di Wilson Fisk è, come sempre, esemplare. È un animale rabbioso costretto a contenersi pubblicamente, ora anche più di prima, dato che veste i tanto desiderati panni di sindaco di New York. Panni che però contengono a fatica una furia mitigata solo ed esclusivamente dall'amore assoluto che prova nei confronti di sua moglie Vanessa. Vincent D'Onofrio è davvero uno di quegli attori spesso troppo sottovalutati ed è bello vederlo valorizzato presso il grande pubblico in produzioni come quelle del Marvel Cinematic Universe.

Charlie Cox e Deborah Ann Woll in una scena

Produzioni dove anche icone pop come i supereroi e i villain del pantheon della Casa delle Idee possono nascere a nuova vita grazie agli attori che, via via, li portano in scena. A volte bene, a volte male. Nel caso di D'Onofrio, più che dalle parti del "bene", siamo in quelle del magistrale.

Quando arriverete all'ultima puntata è probabile che vi ritroverete a guardare lo schermo con un'espressione simile a quella dell'emoji con gli occhi spalancati. Non per lo stupore. Ma per lo shock.

Conclusioni

La rinascita di Daredevil continua su Disney+ con la seconda stagione di una serie che conferma quanto di azzeccato e apprezzato avevano fatto le prime due su Netflix. E lo fa proseguendo nell'allargamento di un discorso che trasforma la New York e la Hell's Kitchen del Diavolo Rosso in un'allegoria di alcune recenti dinamiche salite ai – tragici – onori della cronaca d'Oltreoceano. Vero è che quest'arco narrativo di quasi 8 ore poteva essere raccontato nella metà del tempo, ma ormai sappiamo come funziona la serialità streaming.

👍🏻

Daredevil: Rinascita continua a essere uno spaccato a sé del Marvel Cinematic Universe

L'estetica grezza e la violenza: non elementi fini a sé stessi, ma specifici della storia

Come si suol dire “bravi tutti”, ma Vincent D'Onofrio gioca un'altra partita rispetto a tutti

👎🏻

Alcune lungaggini eccessive e ripetizioni nei momenti espositivi

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Finché morte non ci separi 2: un gustoso frullato satirico che sfida il capitalismo

La saga di Ready or Not continua (intelligentemente) a divincolarsi dai generi, puntando sull'intrattenimento e sul contesto per prendere di mira l'establishment. Funziona.

Senza fare spoiler, si potrebbe partire dal finale - un sanguinolento tripudio gore - per sottolineare quanto la saga (perché ormai di saga parliamo) di Ready or Not sia una sorta di traslitterazione pop e assurda del concetto di capitalismo, rivista in un frullato di generi e sottogeneri. Se i ricchi e i potenti diventano sempre più ricchi e potenti, dall'altra parte diventano anche estremi, pericolosi, squilibrati, disperati. Basta sfogliare un giornale per rendersene conto.

Finché morte non ci separi 2: Samara Weaving e Kathryn Newton in un momento del film

Piazzandosi in un solido quadro da cinema d'intrattenimento (che non rinuncia a staffilate socio-politiche), Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett ritornano con Finché morte non ci separi 2. Un sequel che mantiene alta la temperatura, puntando addirittura all'ebollizione, senza rinunciare a una consapevole esagerazione capace di conquistare fin dalla prima scena.

Finché morte non ci separi 2, la trama:

Il film, scritto da Guy Busick e R. Christopher Murphy, è ambientato immediatamente dopo il finale del primo capitolo, uscito nel 2019 e ben presto diventato una sorta di cult. Sulle note di Will You Still Love Me Tomorrow? cantata da Amy Winehouse, riecco la "sposa" Grace MacCaullay (Samara Weaving, strepitosa) che, portata in ospedale, trova la sorella Faith (Kathryn Newton), con cui aveva interrotto i rapporti da anni.

Nemmeno il tempo di ricongiungersi e litigare di nuovo che il "Consiglio", composto da sei famiglie d'alta élite, ordina l'eliminazione di Grace. Di nuovo braccata, dovrà sfuggire all'establishment mondiale, difendere la sorella e, come se non bastasse, spezzare il diabolico patto satanico che tiene insieme un perverso sistema.

Tanta azione, tanto divertimento

Finché morte non ci separi 2: Sarah Michelle Gellar e Shawn Hatosy in una foto

Chiaro che Finché morte non ci separi 2 non può prescindere dalla visione del capitolo iniziale; tuttavia la scrittura resta accessibile, aprendosi a un potenziale nuovo pubblico. Più scenografico ed estremo, e anche più ampio. Oltre a Elijah Wood nel ruolo dell'avvocato del diavolo (letteralmente), nel cast ci sono anche Sarah Michelle Gellar e Shawn Hatosy, che interpretano i gemelli Danforth, creando così una sorta di riuscito confronto tra fratelli e sorelle (curioso che sia Kathryn Newton sia Sarah Michelle Gellar siano in realtà figlie uniche). Una materia umana che tiene viva l'azione e la sostanza narrativa. Basti pensare alla sequenza di combattimento, montata su Total Eclipse of the Heart di Bonnie Tyler: tra le canzoni più cinematografiche in assoluto.

Del resto, quello di Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett è avvicinabile a una sorta di esperienza catartica, in cui il pubblico può dar sfogo agli anfratti più oscuri e inquietanti della propria fantasia: sfidare e annientare le regole e il sistema, scendere all'inferno e uscirne vincitori. Pur con metriche diverse, la Grace di Samara Weaving è quindi molto vicina all'Ash di Bruce Campbell, protagonista di Evil Dead. Contesti, epoche e armi differenti, ma è la traduzione perfetta di quanto l'eroe debba avere contorni popolari, riconoscibili e condivisibili.

Le Converse gialle sempre più cult

È entusiasmante ammirare Grace mentre avanza implacabile, con indosso le sue ormai iconiche Converse gialle (non molti sanno che sono un omaggio a una vecchia foto promozionale di Geena Davis per Beetlejuice), facendo piazza pulita di quei ricconi viziati e psicopatici che, per una volta, sembra non abbiano la meglio, finendo per divorarsi a vicenda inseguendo l'ossessione per il potere e lo status quo.

Finché morte non ci separi 2: Samara Weaving e Kathryn Newton in un'immagine

Per questo la saga, che vira dall'horror allo splatter con un pizzico di comedy (la leggerezza, mista a un certo esoterismo, rende la ricetta riuscita), rafforza il suo spunto satirico, paradossalmente confortante, e diventa materia incandescente e ispirante: non c'è nulla di più liberatorio che vedere il sistema capitalista esplodere sotto l'ardore rivoluzionario di una donna pronta a tutto pur di difendere la scelta giusta.

Conclusioni

Più corale, più grande, più divertente. Finché morte non ci separi 2 è un sequel che gira nel verso giusto, puntando all'intrattenimento e allo spettacolo. Evitando categorie di genere, il film sfrutta al meglio cast e contesto per esaltare una vena satirica che prende di mira il sistema capitalista.

👍🏻

Samara Weaving sempre più icona.

Il gustoso ruolo di Elijah Wood.

Il finale.

Divertente e spregiudicato.

👎🏻

In parte, replica lo schema del primo capitolo.

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La Sposa! : un esperimento imperfetto ma coraggioso

Il film di Maggie Gillenahal con Jessie Buckley e Christian Bale che sfrutta il mito di Frankenstein per parlare di disparità e rivoluzione.

Il mito di Frankenstein torna a farsi cinema per la seconda volta in meno di un anno: dopo l'intensa rilettura di Guillermo del Toro, ecco arrivare La Sposa! (in originale The Bride!), il lungometraggio di Maggie Gyllenhaal, giunta alla sua seconda, ambiziosa e particolarissima opera da regista. Scordatevi, però, il classico romanzo di Mary Shelley, perché le ispirazioni per quest'opera attingono altrove: in primis alla pellicola La moglie di Frankenstein del 1935, ma anche al cinema noir, all'heist movie e all'horror gotico.

La sposa con Frankenstein

È per questo che abbiamo definito quest'ultimo lavoro della regista ambizioso: tentare la commistione di tanti generi andando al contempo a toccare un "mostro sacro" (perdonateci la battuta) della letteratura non è poca cosa. Anzi, è un tentativo già di per sé interessante di mostrare un nuovo, attuale e originale punto di vista su uno dei miti più iconici mai scritti. Com'è quindi questo titolo? Ci avrà convinto o fatto gridare allo scandalo? Di sicuro è un film troppo complesso per essere liquidato con un parere sbrigativo; la sua analisi ha richiesto una riflessione profonda che scava non solo nel cinema, ma anche nell'idea che abbiamo della società in cui viviamo.

La rinascita di Ida: da vittima a creatura potente

Ida fa la escort in un club gestito dalla mafia, ma da subito capiamo che è diversa da chi la circonda: fin dall'inizio, nella sua testa sembra abitare un fantasma, una voce che la spinge alla ribellione, che si agita per condannare gli aguzzini che ha intorno senza remore e senza inibizioni. Una sera, dopo essere stata allontanata dal locale, viene spinta giù per le scale e muore; o almeno, questo è ciò che accade finché il suo cadavere non viene disseppellito dal cimitero da colui che si fa chiamare col nome del suo creatore, Frankenstein, aiutato da una scienziata che si occupa di studi sulla longevità.

Jessie Buckley nel film La Sposa!

La creatura vuole una compagna e così Ida viene riportata nel mondo dei vivi, anche se priva di memoria e con una personalità che sembra ormai totalmente fusa con quell'entità che le parla nella testa. Quando Frank - così si fa chiamare il celeberrimo non-morto - le racconta di aver avuto un incidente e di essere suo marito, i due iniziano una vita insieme fatta di uscite tra cinema e club. Dopo una sera durante la quale uccidono due uomini che stavano cercando di usare loro violenza, i due intraprendono una rocambolesca fuga attraverso gli Stati Uniti.

La rivoluzione degli invisibili e un cast magnetico

La Sposa! è un film che, attraverso una sceneggiatura a tratti un po' confusa e ridondante, cerca di raccontare una rivoluzione prima individuale e poi collettiva: quella degli invisibili, di tutti coloro che la società mette a tacere perché considerati inferiori, non idonei a partecipare alla cosa pubblica, magari perché donne, apparenti mostri o semplicemente "diversi". Questo è ciò che incarna il personaggio di Ida: una donna considerata meno di niente, sacrificabile da tutti, che proprio nell'uscire dai binari inizia a ritrovare sé stessa. Nel fuggire dai ranghi deve, prima di tutto, recuperare quell'identità che in vita non le avevano mai permesso veramente di esprimere. Attraverso la fuga e la ribellione, Ida ritrova una memoria identitaria più che una costellazione di semplici eventi del passato, comprende e accetta sé stessa come mai prima aveva fatto. È questo il fulcro del film, un nodo centrale che rischia però di perdersi un po' tra i grovigli dei tanti avvenimenti e delle numerose dinamiche messe in scena.

Jessie Buckley interpreta la protagonista

In tutto questo, Jessie Buckley è magnetica, intensa nei suoi continui cambi di registro, capace di passare dalla vulnerabilità alla follia con la voce, con i gesti o anche solo con uno sguardo. Accanto a lei, Christian Bale offre allo spettatore un'altra delle sue camaleontiche interpretazioni: una spalla perfetta e volutamente grottesca per un personaggio (e un'attrice) destinato a catturare la maggior parte dell'attenzione. Tutto il cast, ad ogni modo, si fonda su scelte particolarmente azzeccate che vanno a caratterizzare alla perfezione i vari personaggi, complice immaginiamo, la buona direzione di Maggie Gyllenhaal.

La Sposa!, yn trionfo visivo dal sapore punk

Jessie Buckley e Christian Bale in una scena di guida

Se la scrittura, quindi, non convince fino in fondo - seppur sorretta dall'ottimo livello dei suoi interpreti - a costituire la parte migliore del film è senza dubbio il comparto visivo. Fotografia, costruzione dell'immagine e regia risultano oltremodo spettacolari e suggestive: un piacere per gli occhi che rimanda a diverse pellicole storiche, costituendo un omaggio sentito, una dichiarazione d'amore punk e a tratti psichedelica al cinema del passato, con il quale però rompe per denunciarne le disparità e le ipocrisie. La Sposa! non è quindi un film perfetto o totalmente travolgente, ma può vantare idee affascinanti e un coraggio che di questi tempi manca a molte produzioni. Una dote che, a nostro parere, è ampiamente apprezzabile e, purtroppo, sempre più rara.

Conclusioni

Il mito di Frankenstein torna al cinema, ma dimenticate la storia che già conoscete. Con La Sposa! la regista Maggie Gyllenhaal ci regala una rilettura coraggiosa e psichedelica, mescolando horror gotico, noir e atmosfere punk. Pur con qualche incertezza nella sceneggiatura, il film è un trionfo visivo assoluto e vive delle interpretazioni magnetiche e folli di Jessie Buckley e Christian Bale. Una favola oscura, imperfetta, affascinante eppure coraggiosa, dedicata agli "invisibili" della nostra società e a chi cerca la propria voce in un mondo che cerca di spegnerla.

👍🏻

Le interpretazioni del cast, prima tra tutta quella della magnetica Jessie Buckley.

Le immagini potenti con una fotografia d'impatto.

Le tematiche attuali e interessanti.

👎🏻

La scrittura poco equilibrata e ridondante.

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Team Green posters for ‘HOUSE OF THE DRAGON’ Season 3. Premieres June 21 on HBO Max.

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Team Black New posters for ‘HOUSE OF THE DRAGON’ Season 3. Premieres June 21 on HBO Max.

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The Paper: lo spin-off di The Office racconta la crisi dell'informazione

The Paper, la serie spin-off del cult televisivo The Office che racconta della crisi dell'informazione e delle dinamiche di una sgangherata redazione.

Oltre un decennio fa, il remake americano di una serie britannica scritta da Ricky Gervais faceva la storia della televisione: The Office di Greg Daniels travolgeva lo spettatore con una satira pungente, cinica e talvolta scorretta del mondo del lavoro, portando il mockumentary nell'ufficio di un'azienda che vendeva carta. Dopo una prima stagione accolta con freddezza, la serie decollò definitivamente grazie alla crescente popolarità di Steve Carell e alla caratterizzazione del suo Michael Scott, diventato volto simbolo dell'intero progetto.

Il cast di The Paper

Ora, a rinnovare il mito, arriva The Paper, spin-off di The Office e tentativo manifesto di riproporre quel tipo di comicità irriverente, grottesca e "cult". Ma nel cercare di restituire ai fan quell'amarezza mista a divertimento, è stato necessario un cambio di ambientazione e di cast per rinnovare senza tradire, adattandosi ai tempi e mantenendo al contempo lo spirito della serie originaria. Sarà stato possibile? Ecco le nostre considerazioni partendo prima di tutto dalla trama.

The Paper: tra crisi editoriale e carta igienica

Siamo nella redazione del Toledo Truth Teller, un giornale la cui sede è stata inglobata da quella di un'azienda che produce anche carta igienica. La stessa troupe che aveva seguito Michael Scott e colleghi ora documenta le vicende di questa testata che cerca di sfuggire alla crisi editoriale e ai cambiamenti repentini che l'era digitale porta con sé.

Sabrina Impacciatore e Domhnall Gleeson in una scena

Viene assunto un nuovo capo redattore: Ned Sampson (Domhnall Gleeson), un idealista che si approccia al lavoro con entusiasmo, ma che ben presto si ritrova a dover fare i conti con uno staff impreparato e svogliato, guidato dalla direttrice editoriale Esmeralda Grand (Sabrina Impacciatore), una donna vivace ma ambiziosa che non prenderà bene la nuova figura al vertice. Tra lavoro non pagato e situazioni paradossali - che vedono come volto noto ai fan il contabile di The Office Oscar Martinez (Oscar Nuñez) - lo strambo ufficio dovrà dimostrare di poter fare ancora informazione.

Una comicità figlia dei nostri tempi

Una scena della serie

The Paper non è solo un'operazione nostalgia, ma il tentativo di fondere la critica sociale con lo humor della sitcom, adattandosi però alla sensibilità del pubblico contemporaneo. Non aspettatevi l'umorismo estremamente scorretto delle prime stagioni della serie madre, ma piuttosto una versione grottesca e folle della vita di una redazione locale. L'accostamento tra carta stampata e carta igienica, evidente fin dai primi minuti, è un incipit forte che punta sull'immediatezza del paragone per poi aprirsi a un mondo dove l'informazione non è più servizio ma "sensazione", e dove il web e le esigenze social hanno fagocitato la deontologia a favore di un servizio che altro non è che puro marketing.

Sabrina Impacciatore ruba la scena

In tutto questo spicca il personaggio di Sabrina Impacciatore: la sua Esmeralda Grand è la rappresentazione di una povertà intellettuale disarmante e allo stesso tempo dilagante. L'attrice, che avevamo apprezzato in lingua inglese nella seconda stagione di The White Lotus, qui si trova a giocare con gli stereotipi attraverso un ruolo decisamente sopra le righe, che riesce però a gestire e caratterizzare in modo brillante. Perfetto anche il resto del cast, con un Domhnall Gleeson a suo agio nel ruolo dell'impacciato e idealista caporedattore.

Un'immagine di The Paper

Certo, i toni sono stati notevolmente ridimensionati rispetto a The Office, se non per mancanza di coraggio, di sicuro per l'evoluzione del pubblico che oggi ha una nuova sensibilità e un diverso modo di fruire i contenuti. The Paper diviene così una serie che va dritta al punto e che si fa gioco, portandole all'eccesso, di molte problematiche dell'informazione odierna: sempre meno libera e per nulla tutelata. Per raccontare questo, il mockumentary resta il linguaggio perfetto: una menzogna spacciata per realtà, un'ilare e amara mistificazione che Greg Daniels e soci hanno dimostrato di saper ancora padroneggiare.

Conclusioni

The Paper non è una semplice operazione nostalgia, ma un tentativo intelligente di rinnovare il format adattando lo spirito di The Office alle nuove sensibilità del pubblico. Pur rinunciando alla scorrettezza estrema delle origini, la serie offre una satira efficace e grottesca sulla crisi del giornalismo contemporaneo, perso tra compensi da fame e marketing. Funziona perfettamente il cast, dominato da una Sabrina Impacciatore capace di rubare la scena incarnando brillantemente la decadenza intellettuale del settore e da un Domhnall Gleeson convincente, sopra le righe eppure sempre efficace.

👍🏻

La satira pungente che racconta alla perfezione la crisi di un settore.

Il cast perfetto nelle interpretazioni e nei tempi comici.

La comicità ancora brillante…

👎🏻

… anche se meno scorretta di quella della serie madre.

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Project Hail Mary: un Ryan Gosling perfetto nell’odissea spaziale di Andy Weir

Per puro caso, avevamo letto Project Hail Mary di recente e ci era piaciuto molto, al netto di un calo di ritmo in una porzione di storia. Leggendo quelle pagine, ci era venuto spontaneo pensare che un film sarebbe potuto paradossalmente essere migliore e più scorrevole, ammesso che fosse stato realizzato dagli autori giusti.

Ryan Gosling in una scena del film

Ecco, quegli autori sono Phil Lord e Christopher Miller, che ammiriamo e rispettiamo dai tempi di Piovono polpette e che hanno aggiunto un altro grande film alla loro già preziosa filmografia. Il film è infatti tratto da un romanzo di Andy Weir, lo stesso di The Martian, ed è ottima fantascienza che non rinuncia a intrattenere con un grande spettacolo cinematografico, ritmato, ironico ed emozionante. Un contesto narrativo e cinematografico in cui il protagonista Ryan Gosling si dimostra del tutto a suo agio, accanto a un compagno d'avventura che sa tenergli testa e arrivare quasi a rubargli la scena.

Svegliarsi da soli nello spazio: la trama e la missione di Grace

L'Ultima Missione: Project Hail Mary inizia con un uomo che si sveglia su un'astronave nello spazio. Non ricorda chi sia, né dove si trovi, né perché sia lì. È solo, confuso, disorientato e la situazione non migliora appena capisce che la stella in lontananza non è il nostro Sole, ma quello di un altro sistema e che si trova a diversi anni luce lontano da casa.

Un po' per volta la memoria torna, almeno la base: lui è Ryland Grace, insegnante di scienza delle medie, ed è lì perché il nostro Sole si sta spegnendo. L'unica speranza è la missione di cui fa parte, che ha l'obiettivo di capire perché la stella che ha davanti è l'unica del nostro circondario galattico che non sta subendo la stessa sorte.

Grace a bordo della Hail Mary

Grace però non sarà solo nel portare avanti la sua missione, perché in prossimità di Tau Ceti, la stella al centro della sua indagine, c'è anche un'altra astronave con un altro essere vivente a bordo. Si tratta di un alieno composto di roccia che lui chiama Rocky e con il quale può instaurare un rapporto di collaborazione per arrivare al loro comune scopo e salvare i rispettivi pianeti d'origine.

Project Hail Mary tra scienza e cuore

Ryan Gosling è il protagonista del film che adatta il romanzo di Andy Weir

Una grande avventura spaziale, quindi, che si accompagna anche a una bella storia di amicizia inter-specie umano/alieno, tra le migliori viste negli ultimi anni. Il tutto ovviamente poggia sulle solide basi del romanzo di Andy Weir, che ancora una volta abbandona un essere umano nello spazio e in situazioni critiche dopo Sopravvissuto - The Martian, tessendo un intreccio appassionante che fa ricorso alla scienza per risolvere i problemi.

Un'impostazione che persiste anche nell'adattamento per lo schermo, ma viene tradotta in una messa in scena scorrevole, fruibile, che sfrutta le stesse trovate dell'originale cartaceo senza inciampare nel rischio di inutili e lunghi spiegoni. Tutto è immediato, chiaro e diretto.

La mano di Lord e Miller nell'equilibrio tra tensione e umorismo

Una scena del film diretto da Phil Lord e Christoper Miller

I due registi non si limitano a guidare l'adattamento (curato nello script da Drew Goddard) ma anche a preservare la leggerezza e ironia del testo di Weir, integrando il tutto con il proprio consolidato tocco umoristico. Allo stesso tempo cotruiscono il racconto, il montaggio e le dinamiche narrative in modo da sostenere la tensione che deriva dalle situazioni di pericolo in cui i protagonisti si vengono a trovare.

Il risultato è un film che scivola via senza mai annoiare per tutte le oltre due ore e mezza di durata, tra grande spettacolo cinematografico e toccante componente umana.

Ryan Gosling è un perfetto Grace, ma lode a Rocky

Ryan Gosling è Ryland Grace

Per quanto riguarda quest'ultimo punto, inevitabile merito anche a Ryan Gosling che porta su schermo un Ryland Grace umano, ironico, fragile eppure determinato nel portare a termine la propria missione insieme al compagno d'avventura Rocky.

Se non è una sorpresa che Gosling sappia tenere lo schermo e catalizzare l'attenzione, anche nei segmenti di storia in cui è solo mettendosi al servizio del tocco dei registi, è allo stesso tempo riuscito il lavoro di resa visiva del suo co-protagonista alieno Rocky. Un personaggio che funziona per design, dettagli e per la capacità di recitare con il movimento che autori con background in animazione padroneggiano. E arriva a tener testa a Gosling, funzionando alla perfezione come credibile ed emozionante coppia su schermo.

Project Hail Mary e il tema della cooperazione

Project Hail Mary: Ryan Gosling e Sandra Huller sul set

Va sottolineato anche il tema principale della storia di Project Hail Mary, mutuata dal romanzo e ben veicolata anche dal film: la cooperazione, che si sviluppa sia nella porzione di storia narrata tramite flashback, sia nello sforzo congiunto di Grace e Rocky secondo le proprie diverse competenze e capacità.

Coesistere, capirsi, collaborare come chiave per la sopravvivenza. Una capacità che l'essere umano ha sempre avuto e che, quando ancora oggi si riesce ad applicare, porta ai grandi risultati che la nostra specie ha raggiunto.

Il miglior film di fantascienza dell'anno?

Project Hail Mary ci ha convinti per quel perfetto mix di spettacolo, tensione ed emozioni che sono la chiave dell'ottima esperienza cinematografica in cui si riflette quello dello spazio profondo che avvolge Grace e Rocky.

Grace a lezione con i suoi studenti

In ogni caso il film di Phil Lord e Christopher Miller è un serio candidato a essere il miglior film di fantascienza del 2026, tra i migliori in assoluto dell'anno. E se i prossimi mesi ci regaleranno tanti altri titoli di valore che possano superarlo e lasciarlo alle spalle, non potremo che essere felici perché vorrà dire che sarà stato un grandissimo anno per il cinema.

Conclusioni

Project Hail Mary è un adattamento miracoloso per scorrevolezza e coinvolgimento grazie al lavoro di costruzione della storia, della tensione e dell'ironia del due di registi Phil Lord e Christopher Miller. In scena brilla il Grace di un ottimo Ryan Gosling accompagnato dalla perfetta resa tecnica del suo compagno d'avventura, l'alieno Rocky. Con il film tratto da Andy Weir ci si diverte ed emoziona, ma ci si meraviglia anche per la robusta messa in scena che ci immerge della desolazione dell'isolamento nello spazio. Buono anche il comparto audio, tra effetti sonori, canzoni, musica e.. silenzi laddove necessario.

👍🏻

L'adattamento del romanzo di Andy Weir, che su schermo risulta appassionante e scorrevole. Puro intrattenimento.

La coppia su schermo formata da Grace e Rocky, con relativo plauso sia a Ryan Gosling che alla resa tecnica del suo co-protagonista.

Il messaggio e l'enfasi sulla cooperazione, fondamentale per arrivare al risultato sperato.

Tutto il comparto tecnico e la messa in scena curata da Miller e Lord.

L'equilibrio tra tensione, ironia ed emozione.

👎🏻

I fan del romanzo di Weir criticheranno qualche mancanza e qualche semplificazione, ma è tutto funzionale alla resa su schermo.

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Non abbiamo bisogn di parole

Luca Ribuoli dirige il remake de La famiglia Bélier puntando su identità e inclusività, ma lo standard streaming rende il tutto fin troppo canonico. Tuttavia, il cast riesce a trasmettere cuore e sentimento, dando al film un salvifico spunto. Su Netflix.

Prendendo in prestito le parole della celebre canzone di Ron, Non abbiam bisogno di parole di Luca Ribuoli rivede La famiglia Bélier (film francese del 2014, citatissimo - forse anche troppo), portando in primo piano l'emotività di una storia oggettivamente luminosa che, inevitabilmente, preme sulla retorica. Non c'è nulla di male, ma la domanda è obbligata: perché continuare a spingere sui remake? Tant'è.

Sarah Toscano e Alessandro Parigi

In questo senso, il film, non ci prova nemmeno a cambiare poi tanto l'originale - e questo va detto subito -, seguendo una costruzione standard (e di local c'è poco, a parte qualche cartolina di una ridente provincia piemontese), adatta e misurata per la visione streaming. Tuttavia, la sceneggiatura firmata da Cristiana Farina, nonostante sia una sorta di copia-e-incolla dell'originale riesce a trasmettere un certo spettro sentimentale grazie al cast che, letteralmente, riesce a salvare il risultato.

Non abbiam bisogno di parole, remake Netflix de La famiglia Bélier

Perché, se tale possiamo definirla, la caratteristica chiave di Non abbiam bisogno di parole è da scovare nel buon casting. Al fianco di Sarah Toscano - esordio come attrice - e Serena Rossi, ecco in scena tre interpreti realmente sordi: Antonio Iorillo, Emilio e Carola Insolera. Bravi.

Antonio Iorillo, Emilio e Carola Insolera, e poi Sarah Toscano e Asia Corvino

In poche righe: al centro del film c'è Eletta (Toscano), persona udente, a differenza di suo fratello e dei suoi focosi genitori (Iorillo e i coniugi Insolera). La ragazza, che porta avanti con dedizione l'azienda agricola di famiglia (prendendosi cura di alcuni splendidi asinelli), ha un dono: canta da paura. Una vera e propria vocazione, scovata dalla sua professoressa di canto, Giuliana (Rossi). Ma come narrativa vuole, non sarà facile abbandonare la campagna (e la famiglia) per inseguire un sogno gigantesco.

Troppi personaggi, poche persone (nonostante le buone intenzioni)

Encomiabile, dunque, la voglia di mantenere una certa identità, autentica e sentita, funzionale a una certa rappresentazione (ancora troppo limitata). Ovvio però che le buone intenzioni non determinano la riuscita di un film, tanto che Non abbiam bisogno di parole cede proprio nel profilo dei personaggi, legati a quella solita (e stucchevole) ridondanza tipica delle commedie francesi, ben poco adatta ai canoni del cinema italiano.

Sarah Toscano insieme ad Asia Corvino

Sarebbe stata più efficace una certa naturalezza, mettendo in scena persone e non personaggi. Cogliendo i tratti del romanzo di formazione, miscelati al dramedy, Non abbiam bisogno di parole abbozza temi sociali - sviluppo, lavoro, emancipazione - senza incidere, e puntando - anche giustamente - verso un tono fiabesco.

Sarah Toscano e Serena Rossi, la ragione per cui vedere il film

Insomma, se il remake di Ribuoli avanza come può, orientandosi verso l'equazione riconoscibile dell'estetica Netflix (e verso la spina dorsale da tv generalista, a cui lo streaming guarda ormai palesemente), Non abbiam bisogno di parole trova una sua grazia e una sua gentilezza nelle prove dei protagonisti, e nel diametro musicale che adatta con perspicacia diversi brani particolarmente efficaci, come I Try di Pink o C'è una ragione che cresce in me di Anna Oxa.

Sarah Toscano e Serena Rossi nel film

In questo senso, se i giovani Asia Corvino e Alessandro Parigi aggiungono freschezza, Sarah Toscano dimostra di saper gestire la scena e la voce con sensibilità (e credibilità, al netto di un circondario macchiettistico), ed è palpabile la chimica con Serena Rossi. Un feat. questo sì originale, che dà sprint, dolcezza, onestà e colore al film, dandogli così una valida ragion d'essere.

Conclusioni

La famiglia Bélier versione italiana? Sì, ma fino a un certo punto. Il remake Netflix si incrina sotto lo standard dello streaming che strizza l'occhio alla tv generalista da prima serata, incastrandosi poi in una chiave sociale appena abbozzata. Tuttavia, luce, cuore e colore arrivano dal cast: se si sono intelligentemente scelti degli interpreti effettivamente Sordi, dall'altra parte a convincere è il featuring tra Sarah Toscano e Serena Rossi. Un valido motivo per vedere il film.

👍🏻

Sarah Toscano e Serena Rossi.

Le canzoni scelte.

La ricerca dell'identità e della credibilità.

👎🏻

Una struttura fin troppo standard secondo lo schema Netflix.

Pur sempre un remake: perché non puntare su opere originali?

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‘BRIDGERTON’ Season 5 will premiere on Netflix in 2027.

This will mark the first time in the show’s history that two consecutive seasons will premiere in consecutive calendar years.

‘Bridgerton’ Season 5 to Launch in 2027

Attention, Ton: "Bridgerton" will break its two-year release cycle with its upcoming fifth season.

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La sua verità: una miniserie thriller con tutti gli indizi al posto giusto

Tessa Thompson e Jon Bernthal sono una coppia (scoppiata) che si ritrova invischiata in un omicidio. Buona scrittura e buon cast. Su Netflix.

Esistono sempre almeno due versioni di una storia. È da questo assunto che parte La sua verità, miniserie gialla con protagonista una coppia inedita: Tessa Thompson e Jon Bernthal.

Un frame della serie

L'approccio non è però quello di The Affair che raccontava la stessa storia due volte, da due (o più) punti di vista in ogni episodio: qui si parte da quello di lui per arrivare a quello di lei - infatti il titolo originale è His & Hers - in modo organico.

La sua verità: una brutta faccenda in un paesino della Georgia

Scritta e in parte diretta da William Oldroyd partendo dal romanzo omonimo di Alice Feeney, la miniserie Netflix inizia dal solito omicidio brutale e apparentemente inspiegabile che sconvolge la tranquillità di una cittadina della Georgia, Dahlonega, nella contea di Lumpkin, a nord di Atlanta.

Indagini in corso

Anna Andrews (Thompson) è la classica ragazza "che ce l'ha fatta": una borsa di studio nella prestigiosa scuola frequentata dalle sue amiche ricche, è diventata una giornalista affermata, senza più guardarsi indietro. Questo però ha causato gelosia e invidia in molti suoi concittadini, come se volesse rinnegare le proprie origini, anche se ora è pronta a sbatterle in prima pagina. L'occasione? Una morte improvvisa e violenta di una sua ex compagna di scuola.

Tante testimonianze per uno stesso caso

Un evento traumatico aveva allontanato Anna da tutto e tutti per un anno, a partire dal marito poliziotto Jack (Bernthal), che dopo la tragedia aveva scelto invece di tornare a casa dalla sorella Zoe (una sempre straordinaria Marin Ireland). Ora i due sono costretti a riaffrontare il passato e il loro matrimonio, insieme ad un caso che sembra coinvolgerli in prima persona.

La sua verità. Tessa Thompson è la giornalista Anna

Quando il mistero si infittisce, la morsa delle indagini sembra chiudersi proprio sui due protagonisti, poiché primi sospettati, anche se fanno di tutto per non darlo a vedere e per nascondere le prove.

Anna vorrebbe addirittura sfruttarlo per tornare alla ribalta dopo il suo anno "sabbatico", ora che il suo posto come presentatrice del TG serale è passato alla bella e bionda di turno, Lexi Jones (Rebecca Rittenhouse), sposata col cameran della rete Richard (Pablo Schreiber). D'altronde Anna è arrivata in alto partendo come figlia di Alice, un'ex donna delle pulizie che inizia a dimostrare i primi segni di demenza. Anna e Jack sono determinati a scoprire la verità sul terribile omicidio per scagionarsi… o forse a nasconderla per sempre. Ma è questo il punto, come da titolo: qual è la verità?

Priya è la prima a sospettare il suo partner Jack

Tra passato e presente, su più piani temporali incastonati come un perfetto puzzle giallo, La sua verità mostra il punto di vista dei vari personaggi, partendo da quello di marito e moglie e dipanandosi su varie piste da far seguire al pubblico. Così come al capo della polizia, al direttore dell'emittente determinato a trovare il prossimo scoop e alla partner di Jack, che inizia ad avere qualche sospetto.

Anche perché per tutto il tempo - merito della scrittura avvincente e della regia asciutta - da spettatori ci chiediamo se la coppia stia dicendo la verità o la stia insabbiando, quanto sia davvero coinvolta e cosa sia successo in passato tra loro due e la vittima.

Una costruzione a regola d'arte

Jon Bernthal e Tessa Thompson anti-coppia in His & Hers

Tutto è costruito alla perfezione, abbracciando più tematiche: da quella del privilegio sociale all'elaborazione del lutto, della crisi di coppia alla demenza senile. Il numero ristretto di episodi (sei), il loro sviluppo senza divisione in due come in The Affair, il loro mantenere un buon ritmo narrativo e l'epilogo sono costruiti ad arte.

La sua verità ci ricorda quanto ogni ricordo sia in realtà il frutto della nostra versione di quel ricordo, e quanto un trauma venga elaborato e metabolizzato in modi molto diversi da ognuno di noi. Tessa Thompson e Jon Bernthal funzionano benissimo sia nei rispettivi ruoli che come coppia scoppiata, e riescono a tenere in piedi tutti e sei gli episodi, coadiuvati da un buon cast di contorno.

Conclusioni

La sua verità si rivela un'ottima miniserie con due ottimi protagonisti e un buon cast di contorno, un intreccio avvincente, un interessante doppio punto di vista non spezzettato e un finale appagante e centrato che vi farà sobbalzare sulla sedia.

👍🏻

Tessa Thompson e Jon Bernthal: che bravi da soli e insieme!

Il doppio punto di vista, non raccontato come ci si poteva aspettare.

Le tematiche e la gestione della tensione narrativa.

Il finale.

👎🏻

Alcune sottotrame forse un po' forzate con qualche incongruenza.