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Yoghile – Nando Balla

Conosciuto per le sue sculture anticonformiste (famosissima la sua ricostruzione delle Grotte di Tofu di Favignana) e per le sue composizioni celestiali di bacche di goji, lo scultore vegan-tantrico Nando Balla, da un paio di anni vive a Roma, al piano terra del Colosseo, in cerca di un’onirica e artistica ispirazione.

Il 18 settembre, mentre era intento a sorbire un ricostituente infuso all’erba cipollina, Nando capta una discussione molto animata tra turisti indiani, i quali si lamentavano di una carenza inconcepibile che caratterizza il celeberrimo pullman che gira attorno al Colosseo tutto il giorno: sul Bus 3A/nvedi, come Balla Nando ha sempre sostenuto, manca il sedile per lo yoga tantrico, utile per immergere mente e corpo nel liquido monastico del traffico romano.

Nella notte, il Balla si è intrufolato nella stazione dei pullman armato di fogli di seitan inox, tubi di soia e colla di muscolo di grano, uscendo all’alba stanco ma visibilmente soddisfatto.

Il Balla, in questa notte stellata, ha reso unico ed inimitabile il Bus 3A/nvedi, dotandolo di un “Yoghile”, un sedile interamente vegan-crudista, che grazie alla sua conformazione fisica, è utilizzabile solo ed esclusivamente sedendosi a gambe incrociate.

Yoghile è un’opera talmente innovativa e gluten-free da lasciare senza fiato anche i respiriani più convinti.

Provare per credere.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Ymodjùhm - Hoyl Kagoto

Cari lettori di Rodlok, gioite! Siete i testimoni della prima, unica e probabilmente ultima, “anti-opera” mai realizzata. Ammiratela, immergetevi nella sua perfezione e inspirate aria di cambiamento epocale!

Se qualcuno di voi, cari seguaci, ha pensato anche per un nanosecondo che questa magnificenza artistica sia un miserabile e semplice portapenne, uno di quelli che vediamo su migliaia di scrivanie aziendali e che possiamo tranquillamente comprare all’Ikea, si vergogni e si rechi con la maglietta raffigurante Gigi D’Alessio alla rievocazione di Pontida. 

La bravura tecnica e la competenza scientifica di Hoyl Kagoto è senza pari, inimitabile, impareggiabile, inarrivabile, inosservabile, impenetrabile, quasi impermeabile. Lo scultore-astrofisico keniota-bengalese originario di Yuppìdhu, felice paesello Cipriota circondato da centrali nucleari e giungle inospitali, si è cimentato nella creazione di un’opera che rimarrà negli annali della scultura astrofisica Einsteiniana/Newtoniana/Zichicchiana.

“Ymodjùhm”, letteralmente “Buco Nero”, è la prima opera universalmente riconosciuta interamente costituita di anti-materia, controllata a distanza da Kagoto tramite un telecomando universale Beghelli.

Lo scopo dell’opera è stato rivelato in anteprima mondiale alla convention BOODU (Bulscit Ol Over De Uorld), alla quale ero ovviamente presente. “E’ un porta ombrellini da cocktail, aggeggini sottovalutati ma utilissimi quando incappate in quella fastidiosissima pioggerellina che bagna le lenti degli occhiali. Ho utilizzato l’anti-materia semplicemente perché nel mio studiolo avevo finito il marmo di Carrara e, al BRICOMAN di Carate Brianza, l’anti-materia era in sconto volantino” – ha svelato il grande Hoyl Kagoto.

Non ci resta che dire: GENIO!!

Eliodoro Naso Tartarelli

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Matrona desnuda su triclinio – Frenk Schiscià

L’estate è un periodo magnifico per girovagare, esplorare e annusare l’aere pieno di arte, le periferie fantasiose, l’underground cittadino magico, dove gli artisti sbocciano regalando emozioni d’altri tempi.

Dopo essermi impregnato di tracotanza artistica nelle esposizioni di murales nelle cloache di Rovigo e nelle soirée dedicate a quadri a olio in uliveti pugliesi, ho noleggiato un mono-tandem (erroneamente chiamato bicicletta) e mi sono diretto in Normandia, patria del nonsense e della baguette alle cozze ripiena di croissant, regione dove il tempo è soleggiato più volte al giorno.

Tra un maniero e un acquazzone sono letteralmente inciampato in un piccolissimo atelier nel centro di Mont-Saint-Michel-Sur-Mer-Ma-Anca-Sur-La-Montagn chiamato “Va a scuà 'l mar cun't la furcheta”, dove era esposta un’opera dell’inenarrabile Frenk Schiscià, il “ciosen uan”, il prescelto della corrente artistica “Neiliana”, composta da scultori, pittori, narratori, muratori, apicoltori seguaci di Neil il Grande Artista, l’immenso partner di Giovanni Muciaccia che, con Art Attack, fece avvicinare al fantastico mondo dell’arte grandi e piccini.

Schiscià, conosciuto in tutto il nord della Francia, è un abilissimo ladro che bazzica le falesie normanne, sottraendo attrezzi, vestiti e cianfrusaglie ai ricchi proprietari terrieri per realizzare i suoi capolavori stimati ormai in tutta Europa.

Nel piccolo atelier era esposta “Matrona desnuda su triclinio”, un toccante e commovente ritratto della donna del Maestro, realizzato con tappetini del bagno, stracci, una maglietta, un catino, una saponetta e un porta lenti a contatto. La fantasia dell’artista è indescrivibile e l’emozione che trasmette l’opera è potente quanto una piuma scagliata con tutta la propria forza in faccia alle avversità. L’opera incredibilmente realistica e pregna di concretezza, fa trasparire l’amore e il rispetto che l’artista ha per la sua donna, per la sua compagna di vita, per la sua musa che viene rappresentata in tutta la sua splendida e sensuale nudità, adagiata su un triclinio come fosse una dea romana venuta sulla terra per condurre il suo amato sulla via della grandezza perpetua.

Cari lettori, non ho saputo resistere al fascino dell’opera, all'erotismo della musa: da ieri, l’opera è esposta nel mio salone da ballo.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Gorello Perfidio - Careful Gisus Tutti abbiamo ammirato "The floatong Pears", la passerella del Christo istallata sul più famoso lago del bresciano. Ma nessuno ha mai potuto ammirare "Careful Gisus", nessuno ha potuto sciogliersi come neve al sole ammirandolo. Per questo la redazione di Rodlok ha voluto dare il giusto spazio all'opera del grande, immenso Gorello Perfidio. Gorello è un'artista impegnato nel sociale e attentissimo alla tristemente conosciuta piaga che sta falcidiando il bresciano: gli "Emulatori del Messia", migliaia di ragazzi preziosamente ottusi che provano a camminare sulle acque del lago di Iseo, perendo nel tentativo. Sia lui che Christo Yavachev hanno esposto al comune un progetto, un'installazione che potesse arginare questa brutta, bruttissima, talmente brutta che dovete aiutarmi a dire brutta piaga d'Iseo. Perfidio ha creato " Careful Gisus", un monito, un cartello di pericolo da appoggiare imperituro sul lago per avvertire gli sconsiderati emulatori a prestare attenzione al suolo in quanto bagnato. La vera verità è l'idea geniale che sta sotto all'opera; l'artista vuole rievocare l'espadrillano ricordo scolastico insito in ognuno di noi: il cattivissimo bidello Franco che in una lingua sconosciuta urlava contro gli studenti menefreghisti che camminavano con le Silver sul pavimento umido rincorrendoli con il mocio vileda. Il maestro vuole rievocare nella mente degli scellerati proprio questo ricordo per farli desistere da questa scapestrata e folle passeggiata acquatica. I più famosi critici, tra cui il grande Paguro Trudo sono rimasti letteralmente a bocca aperta! Ma purtroppo la giuria, composta da agricoltori e allevatori di ramarri non marroni, ha scelto la passerella del Christo che il mondo ha visto ma non elogiato: una passerella gialla e molle, una sorta di cagnotto gigante appoggiato sul lago, creato per aiutare gli "Emulatori Del Messia", non per dissuaderli. Il Perfidio, arrabbiato e deluso dalla scelta della giuria, ha spostato il suo "Careful Gisus" nella piscina comunale di Mergozzo Gargarozzo (BS) dove ha scoperto che gli Emulatori Messianici vanno ad allenarsi: nonostante le avversità, nell'ombra, il grande Gorello ha estirpato questa piaga, ricevendo tutti gli onori del caso dal bagnino Caronte. Grazie! Eliodoro Naso Tartarelli

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“Genitori malvagi” – Dario Lampa

Oggi la galassia artistica ha perso il suo più luminoso figlio, la sua fulgida stella.

Nella notte si è spento Dario Lampa. I medici hanno dovuto staccare la spina al grande maestro della Neon-Art e delle lampadine ad effervescenza, all’uomo che ha causato il memorabile blackout di tutto il sudest asiatico quando ha acceso la sua riproduzione a grandezza naturale del Burj Khalifa realizzata interamente con luci natalizie.

Stimatore, sostenitore e pigmalione di Rodlok, ha voluto lasciarci in eredità l’ultima sua fatica, forse la più grande, forse la più estrema, sicuramente la più illuminante.

Il titolo dell’opera è tutto un programma, come si suole dire: “Genitori Malvagi”, un geniale quanto estroso autoritratto, chiaramente surreale, che vuole rammentare la meschinità di suo padre e sua madre quando hanno scelto il suo nome e quello dei suoi gemelli: Dina e Scione. Da sempre i figli Lampa sono stati oggetto di scherno tanto da indurre i fratelli dell’artista a trasferirsi a Vaduz. Dario invece, in tutta la sua imponenza e tracotanza, non si è mai piegato alle angherie ergendosi dinanzi ai soprusi, diventando il luminoso luminare della corrente neonista e inventore della famosissima Festa delle Luci di Portobuffolè (TV) poi copiata da Lyon: come riprova della sua forza d’animo, come ultimo gesto, come calcio sui lobi alla stronzaggine popolare, ci lascia questo onirico e autoironico autoritratto con il quale seppellisce l’ascia di guerra lasciandosi la scia liscia di pasci e sciamanici sciami alle spalle.

Personalmente sono rimasto fulminato dallo sguardo dell’artista nascosto tra i meandri dell’opera, che incredibilmente sembra avvampare della stessa scintilla baluginata il 26 dicembre 2013, quando alla domanda “Maestro Maestro! Ci dica: come ha passato questo Natale?” posta inconsciamente da una giornalista evidentemente ubriaca, Dario ha risposto seccato: “PEDISSEQUO IO? GIAMMAI!”.

Ci mancherai.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Pollock! Pollock combina guai – Fabrizio Zazzera

Un mix tape schizzinoso e schizzoso, colori a spruzzo a sprazzi cromatici, struzzi con pezzi a strozzo di Frizzi, razzi pazzi e mazzi tozzi di divani bainatuzzi. In due parole, in un nome e cognome: Fabrizio Zazzera, fenomenale artista potente, ambiguo e dal nome rapunzeliano precursore della corrente VABBUO’ il cui scopo primordiale è quello di ricreare le opere dei più famosi artisti eliminando gli errori visibili e mastodontici insite in esse. Purtroppo i risultati sono pessimi, non ce la fa, semplicemente non è adatto. Un po’ come i cumulonembi sono inadatti alla recita in prosa, così lo Zazzera è inadatto alla lirica artistica.

Ma inspiegabilmente o forse no, i suoi lavori risultano essere unici ed inimitabili e per questo apprezzati dalla critica: non è pertanto azzardato asserire che è un’artista totale.

Cercando di correggere Number 17A di Jackson Pollock usando il bianco, il nero e il grigio perché sono gli unici colori che il Zazzera riconosce, è nata l’opera che analizziamo oggi, un inno alla baldanza, alla tracotanza, all’assurdanza. In una visione misticamente contorta della vita, il Fabrizio nazionalpopolare è convinto di aver migliorato il quadro di Pollock, in quanto quest’ultimo, a detta del Zazzera, aveva erroneamente usato troppi colori creando accostamenti cromatici quantomeno discutibili. Il nome dell’opera è il riassunto del pensiero zazzeriano: “Pollock! Pollock combina guai”.

Con questo quadro, Zazzera vuole raggiungere il maestro nell’olimpo degli artisti, dove è il beniamino di tutti gli dei e sta a noi, critici e amanti della bellezza in quanto tale, raccontare questa esacerbatica impresa agli abitanti di questa città.

“Pollock! Pollock combina guai” non è esposto, ci spiace.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Attenti al luppolo – Eusebio Pistillo

Caso vuole che anche quest’anno, immancabile come il pandoro a Natale, il 1 giugno ricorre  il compleanno del nostro Illuminato Avv. Ing. Dott. Arch. Norberto Bettinelli. Casissimo vuole che nella stessa data, Eusebio Pistillo presenziava all'inaugurazione della mostra a lui dedicata nella birreria “Two beer or not two beer” a Viterbo Valentia, piccolo borgo sull'etereo confine tra Lazio e Calabria. Non potevo fare altro che raccattare il Bettinelli e l’Orpelli e salire sul primo treno a otarie alimentato ad anagrammi per fiondarsi lì, con la speranza di poter assistere ad una pervasiva ed intensiva Epifania Pistilliana da regalare come presente al Norberto.

Che posso dire? Spero che anche i miei compagni di arguzia artistica siano rimasti folgorati come me da questa serata atomica.

Mentre l’Eusebio erudiva la plebaglia, cercando di spiegare la differenza tra vera comicità e cinepanettone, la birra tipica Lazialbrese scorreva a fiumi: caraffe di nettare verde muschio passavano di mano in mano e, dopo un paio di ore, la situazione iniziava a degenerare. Anche io, se devo essere sincero, dopo 15 brindisi al Norberto, ero un po’ alticcio ma ero concentrato perché sapevo che da un momento all'altro il Pistillo poteva entrare in tranche comica. Poco dopo, il lucidissimo e sobrio Artistomico, mentre squadrava questa orgia alcolica che svicolava tra le sue opere d’arte, tutto d’un tratto si accascia al suolo e scoppia nella sua risata inconfondibile, nel suo tipico gargarismo spassoso.

Con una forza irreale, ha strappato dal cancello di entrata il cartello di dalliana memoria che mette in guardia l’avventore circa la presenza canina e, afferrando l’immancabile pennarello nero, ha fatto una piccola modifica per l’uomo ma una grandissima modifica per l’arte e l’attualità creativa. Dopo aver appeso la sua opera, è uscito dalla finestra gattonando, in una sorta di triviale hakuna matata, dileguandosi nelle campagne Calabraziali.

Quando mi sono avvicinato alla creazione, l’ilarità si è impadronita di me, facendomi rotolare dalla risate, lacrimare per la felicità e ringraziare ogni forza divina per avermi permesso di essere testimone di questa comica creazione, potendola regalare ai compagni di briose critiche Norberto e Piero.

Da ieri sera, affissa al muro della rinomata birreria, troverete l’ultimo monito del maestro Pistillo: “Attenti al luppolo”.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Pierpavido Dinterni – Natura Mortale Cari amici lettori, con questo articolo diamo, finalmente, il giusto spazio e riconoscimento, nonché il benvenuto, ad un’altra forma artistica acclamata a gran voce da alcuni lettori: il design di interni. L’esigenza di dare voce all’estro artistico di alcuni maestri contemporanei dell’arredamento calmirato si sposa con quest’ultima opera titanico-colossale segnalataci da un nostro caro lettore, imbattutosi nella medesima per caso in un giovedì di sabato mattina. Il Maestro è servito: Pierpavido Dinterni, detto Piedi dagli amici più stretti in funzione della magica fusione delle prime sillabe di nome e cognato, classe troppa per essere circoscritta in un’annata precisa. Nato a Milano 21 (PA), una vita tra Lontra (NA) e Niu Iorche (CT), tra Farigi (FG) e Padrid (LE), kilometri e kilometri di internazionalità per seguire la propria passione: fare di un interno un’opera d’arte, creare dal semplice accostamento di elementi ammobilianti una sinfonia di riflessioni e riflessi. Presentiamo il Dinterni con uno dei suoi capolavori più recenti: “Natura Mortale”, composizione artistico-canzonatoria eseguita dal Nostro presso lo studio di un noto Seguace dI Ippocrate di Angusto Ospizio (VA). Il colpo d’occhio è esacerbante: un grido di vita in un ambiente apparentemente morto, una battaglia commovente tra una pianta e un antro abitativo depresso e defunto, un pianto del verde nel riso del grigio. Il Piedi, grande ammiratore della Tragedia Greca in quanto tale e dei celeberrimi colpi di scena tipici del filone, inscena un dramma perpetuo nella battaglia che non si risolve: l’osservatore, stordito da cotanta bellezza, girovagando un po’ a casaccio per l’ambiente si ritroverà inevitabilmente a percepire una sensazione strana, quasi straniante, come se qualcosa boh. Avvicinandosi quindi al centro prospettico della scena (ndr. la pianta) l’osservatore avrà quindi rivelata l’amara verità: l’esponente più prossimo al mondo floreale è finto, fake, de plastica: la pianta è un falso, è morta senza essere mai esistita. Nella perdizione più totale l’osservatore sarà quindi portato ad interrogarsi su tutto ciò che lo circonda, ed ecco il secondo colpo di scena: il resto è vivo. Pierpavido costruisce un’interno fatto di elementi vivi resuscitandoli da un'apparente morte inziale: divanetti 2016 in pelle vintage finto stile Fantottsiano anni ’50 con così tanto carattere da risultar vivi, pavimento 2016 in finto sala d’attesa di medico manzoniano con così tanto carisma da risultar vivo, quadri inestimabili 2016 in finto cattivo gusto con così tanta autorevolezza da risultar vivi. Siamo basiti, restiamo immobili con un sorriso appena accennato sotto i baffi ed osserviamo il genio esprimersi di nuovo: il Piedi gioca magistralmente con il visitatore uccidendolo con la pianta centrale, inizialmente considerata come unica via di fuga dal fintamente opprimente ambiente si rivela infine l’unica cosa realmente morta, rendendosi mortale per le certezze del, curioso, visitatore. La tragedia per il Piedi è anche questo: la crisi dello spettatore. Ci siamo amici, il futuro è ormai passato. L’opera è visibile presso lo studio Dott. Mike Bonsera, fatevi del male per poterla vedere, ne vale la Pena (in tutti i sensi). Norberto Bettinelli

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Acqua azzurra, acqua chiara - Ermelinda Sarattola Fran Tojyja

“Ogni Italiano all’estero ha nostalgia di casa, della pasta e soprattutto del bidet”. Con questa citazione del filosofo Maurillo, vi presentiamo probabilmente la più grande privazione artistica per il nostro bel paese, la protagonista per eccellenza della grande fuga dei cervelli del 1985, andata ad accasarsi a Bustoar Sitzioskij in provincia di Helsinki: oggi vi parliamo di Ermelinda Sarattola Fran Tojyja.

Ermelinda Sarattola è una scultrice di Didò, l’indimenticabile pasta da gioco per bambini che impazzava negli anni 90, e da quasi 30 anni si lascia andare alla fantasia e alla creatività modellando impalpabili e assuefanti opere che vogliono trasporre i suoi pensieri e stati d’animo, con l’obiettivo di sciogliere il cuore freddo che caratterizza il popolo nordico.

Purtroppo il finlandese medio si sciacqua gli ammennicoli delle emozioni altrui e pertanto la nostra Ermelinda non è riuscita a sfondare nel mercato scandinavo, collezionando porte chiuse e moltissimi pesci in faccia, letteralmente e lateralmente.

Nonostante avesse raccolto un’ingente quantità di pesce da poter avviare un’attività ittica, Ermelinda sentiva crescere una nostalgia, nostalgia canaglia verso l’Italia: la voglia di tornare a casa era tantissima ma i costi degli aerei erano proibitivi, soprattutto per un’artista che finora era stata pagata in Golia e Tic Tac al melone.

Presa da un impulsivo raptus purificatorio, si è recata nel magazzino dove nasconde la scorta di Didò rimanendo chiusa per giorni, settimane, mesi, richiamando le oscure forze artistiche per plasmare l’irrisoria opera: “Acqua azzurra, acqua chiara”, il primo vero sUccesso con la U maiuscola dell’artista in terra vichinga.

Ermelinda non ha mai voluto rivelare il significato dell’opera, fino ad oggi quando alla redazione di Rodlok ha rilasciato la seguente dichiarazione: “L’avevo concepita come un inno all’Italia e alla nostalgia di casa, ma i finlandesi hanno pensato fosse una splendida opera di design moderno. Non ho detto niente per paura di essere subissata da altri pesci, ma ora la mia opera è famosa in tutta la Scandinavia”.

“Acqua azzurra, acqua chiara” è esposta nella galleria d’arte principale di Bustoar Sitzioskij: il Museo del Tessjlye.

Eliodoro Naso Tartarelli

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L’è vetcc ma net! – Eusebio Pistillo

Inseguito da orde di fan e amanti della vite canadese e attorniato da comici che sperano di essere ispirati dalla sua aurea, solo dopo aver dato vita al seguitissimo “Festival del cinema con una lettera mancante” e al nuovo progetto “Scie comiche”, il Pistillo è stato finalmente invitato a far parte del circolo “Deiezioni mentali esilaranti”, il salotto più influente di Arcumeggia (SA) nel quale vengono prese decisioni per la sopravvivenza dell’ilarità in ambiente austeri.

Durante l’ultima riunione, si è discusso, tra le altre cose, del colore buffo che dovrà essere utilizzato nei quadri di forma elicoidale, del rischio di estinzione delle sculture in pasta fillo e, soprattutto, della possibilità di bandire i cartelli che recano scritte simpatiche dai luoghi privatamente pubblici.

Questo ultimo punto ha fatto infervorare il nostro Eusebio: bisognoso di un abluzione immediata, è corso in bagno, attanagliato da tristi e nostalgici pensieri, poiché è risaputo che gli Artistomici sono grandi fautori, estimatori ed estintori della corrente “A spasso con cartelli spassosi”.

Trovando la toilette in condizioni a dir poco autogrilliane, il genio incontrollabile del Pistillo ha dissipato la tristezza, lasciando il posto ad un’irrefrenabile e Woodstockiana voglia di saltare, ballare, rotolare e ridere come un pazzo scatenato.

Attratti dagli sghignazzi a crepapelle del Pistillo, gli adepti del circolo si sono recati alla toilette trovando l’ultima provocazione dell’artista che li ha colpiti come la più classica delle anguille impagliate mettendo in dubbio la loro comica virilità: un cartello appeso alla porta recante la seguente scritta: “L’E’ VETCC MA NET. ALURA: FATE COME GLI INDIANI, LASCIATE SVANIRE LE VOSTRE TRACCE. GRAZIE”.

Si dice che ancora oggi i membri del circolo siano in preda alle risate inenarrabili, insensate e scriteriate, mentre del Pistillo non hanno più avuto notizie. Come il più classico degli atti conclusivi teatrali, Eusebio è diventato la sua opera, svanendo, ma lasciando un’incontrollabile voglia di parmigiana di melanzane.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Cacio cavallo che l’erba cresce – Giangengero Peritale

Oggi vi presentiamo Giangengero Peritale, uomo di grande levatura ma piccola statura, famoso per i suoi quadri rianimanti la natura morta e per la sua fantasmagorica “Serenata alla mietitrebbia” intonata dal grande Ovidio Marequantebbello a Sanremo 2012.

Giangengero nasce da una povera famiglia della campagna uggiatese, da madre dentista e padre chirurgo estetico. Purtroppo, date le palesi ristrettezze economiche, ha dovuto rinunciare a tantissimi beni di prima necessità come il jet in platino e diamanti neri, le scarpe di pelle di coguaro o l’automobile con interni ricoperti di peli del petto di Robert De Niro: cose imprescindibili per poter sopravvivere nella cruda campagna di Uggiate Trevano.

Fin da piccolo emana una forte predisposizione alla pittura, alla creazione di piccoli capolavori rappresentanti la vera vivida e vitale natura che germogliava nel piccolo giardino di casa. Alcuni dipinti rimarranno imperituri nella pagana storia come la sua ultima fatica: “Cacio cavallo che l’erba cresce”.

La storia di questo splendido quanto fremente dipinto, inizia nel lontano 1999, quando preso dallo sconforto dovuto principalmente alla sua miseria, Giangengero compra una masseria in Puglia con annessi 26 ettari di campi da ping-pong sull'erba, 139 stalle per pipistrelli e un piccolo giardino di un paio di acri dove vengono allevati i cobra da compagnia. Con questo fortissimo atto di emancipazione, cercando di sopravvivere in un territorio ostile, quasi medioevale, l’esimio Peritale diventa in poco tempo sindaco del piccolo paese di Saliva Lescale (BA), poiché la sua masseria, tra gli altri evidenti meriti, dava lavoro a circa 186 persone.

In un pomeriggio quantomeno caldissimo, Giangengero armato di treppiede, tela e tavolozza di mille e più color, preso da nostalgica nostalgia, torna a dipingere, memore della sua giovinezza da povero frugoletto uggiatese che non poteva permettersi neanche un divano ad acqua San Pellegrino. Quello che partorisce è uno spaccato commovente di vita rurale, di agricoltura eco sostenibile, di allevamento perpetuamente satinato. Il dipinto trasuda semplicità, genuinità e spontaneità e narra di tempi che furono, di quando “la rava e la fava” non era un detto popolare ma il frugale piatto servito dal nonno Nanni nelle buie e pietrose taverne della campagna uggiatese.

“Cacio cavallo che l’erba cresce” è un fulgido riassunto della faticosa vita campestre, un compendiato che erudisce gli abitanti di grandi metropoli attraverso la descrizione di chi, ogni mattina uoh uoh ed ogni sera uoh uoh, prova a congiungersi carnalmente a madre natura, di chi riesce a fare letteralmente l’amore con il sapore.

Non posso che ringraziare, a nome di tutta la redazione, Giangengero per questo immenso e redivivo bagno di umiltà.

Il dipinto è visibile presso la sala “Angore non uè” del comune di Saliva Lescale.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Forever young - Francobalda Duckprincess Opera astratta. opera estranea. Opera detratta dal realtà del plusultra . Francobalda Duckprincess con Forever Young gigioneggia tra l'arte e il mettilo da parte, ballando come una splendida danzatrice del ventre tra l'astratto e il reale. Amorosa amante dei ruderi e dei fari normanni, Francobalda è un'attenta e pedissequa artista, maestra nel raccontare il suo mondo in maniera sintetica e circoncisa tramite un astrattismo estremo, perpetuato con una penna chic e un foglio a quadretti. Ad un occhio inesperto e poco avvezzo ai capolavori della Miró del nuovo millennio possono sembrare pasticci di una ragazza annoiata durante una giornata di aggiornamento professionale assicurativo, ma in realtà è uno splendido quanto vibrante autoritratto. Come non vedere gli occhi sognanti della splendida artista, come non vedere i lunghi capelli biondo arancio mandarino, come non vedere il seno prosperoso e provocante. Per essere un'opera astratta è incredibilmente realistica. Fiumi di estimatori, fiumi di parole, giungono dalle regioni estreme dell'Oriente e del settentrione per ringraziare questa moderna Kandinsky per averci regalato un suo grazioso ritratto, un pezzo esaltante della sua anima e della sua mente. Opera appesa nel centro congressi a Cosio Valtellino. Andate vi scongiuriamo e spergiuriamo! Eliodoro Naso Tartarelli

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Gioconda 2.0 – Gilda Percolati

Purtroppo alla soirée di Rodlok non era presente Gilda Percolati. Disgraziatamente l’ho scoperta troppo tardi e per questo io, Eliodoro Naso Tartarelli, sono dispiaciuto, imbarazzato e scacarazzato. Ma d’altra parte potevo aspettarmelo: la Gilda è una ragazza permalosamente estrosa e sfuggente, dalle mille marcate sfaccettature, che ha dedicato quasi tutta la sua vita a studiare come migliorare il rapporto tra i ricchi aristocratici Bustocchi e la loro inetta servitù Varesina.

Appassionata oltre ogni misura di pittura dinamica, stanca della sua vita cortigianamente intensa e vigorosamente immersa in intrighi di corte, ha voluto dare una svolta alla sua esistenza, imboccando una serie di tornanti pericolosi e stuzzicanti che l’hanno catapultata in vetta al monte chiamato “Popolarità”.

Nel 2014, infatti, è divenuta presentatrice del rotocalco dedicato a thriller artistici in onda sul canale “Perle ai Porci” chiamato “Chi di arte ferisce…”, e solo recentemente si è reinventata come una riproduttrice in chiave moderna e neomelodica dei quadri dei più importanti e famosi artisti che hanno deliziato i palati più fini dall’era rinascimentale a quella del nuovo millennio.

Non lo vuole ammettere, ma lo si intuisce nei suoi gesti puerilmente minuziosi e nei fondi di caffè, che la vera missione della Gilda è quella di avvicinare alla storia dell’arte, in un ideale caldo abbraccio Ciobariano, i giovani bulli che infestano, dagli asili nido ai licei socio-pedagogici, i quartieri più malfamati delle nostre amate città portuali.

La prima opera dell’artista è “Gioconda 2.0”, una sorta di sibillino quasi profetico encomio alla celeberrima opera che ha reso indimenticabilmente indimenticato il maestro Leonardo da Vinci. Attraverso l’utilizzo di colori a tempera veracemente non diluiti e pastelli a cera lacca, la Gilda ripropone in un modo sorprendentemente autentico ma nel contempo quasi apocrifo, l’enigmatico sorriso che ha reso celebre la Monna Lisa in un’ottica giovanile, millenials, emoticoniana, risvoltiniana, al limite del bimbominkiale.

Lo sguardo inintelligibile, evanescente, pieno di domande ma inaridito di risposte della Gioconda gildiana si colloca senza ombra di dubbio alcuno tra le creazioni più elevate dell’estetica dell’artista; sembra che gli occhi vacui e pittoreschi vogliano rivolgersi allo spaccone di turno per erudirlo in merito al senso della vita e ai suoi progetti futuri che andranno mestamente distrutti se l’amore per l’arte non fluirà pedissequamente come una cascata di colori e tratti nelle sue giovani vene.

Sono sicuro che al prossimo fantasmagorico evento firmato Rodlok, si sentirà parlare della mitica Gilda, ma per ora l’opera è esposta nell'aula magna del Liceo Tecnico-Tattico San Destrorso di Olgiate Molgora.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Eusebio Pistillo – Scie Comiche Inarrestabile, inoppugnabile, invincibile e inannoiabile: il Maestro della scuola Artistomica torna a colpire in concomitanza dell’arrivo della bella stagione, rompendo nuovamente tutti gli schemi dell’arte moderna e dopo una necessaria pausa dovuta agli impegni richiestigli dal “Festival del cinema con una lettera mancante” di cui avrete certamente letto su queste pagine nelle scorse settimane. Prima di addentrarci nella disamina del capolavoro vi comunichiamo che il recensore in questo caso sarà il Bettinelli, non essendosi ancora ripreso, Il Tartarelli, consueto recensore e massimo esperto della produzione del Pistillo, dall'emozione estatica di essere comparso sul numero di ieri della rivista Pitturà, di cui caldeggiamo caldamente l'acquisto immediato. Ora, addentrandoci nel merito: ci è stato comunicato che l’ispirazione per quest’ultima titanica opera sia venuta al Pistillo mentre si trovava al bar “Isola d’Odio” dell’amena località marittima di Drago (GO), intento a leggere la prima pagina dell’unica rivista disponibile al bancone: il diffusissimo quotidiano locale “Il Gazzettino dei cazzi tuoi”, giornale di fine cronaca intellettuale apprezzatissimo tra i serenissimi e sempre gentili abitanti dell’isola di Drago. Si narra che Il Pistillo, animo buono e cuor contento con una spiccata passione per la scienza, mentre stancamente si trascinava tra una frase e l’altra del pezzo di testa dal titolo “Tutto quello che facciamo va male per colpa delle scie chimiche no xe posibil ”, cogliendo il puerile risentimento dei Locali per una ventilata e avversa provvida sfortuna, folgorato da un’ epifania artistomica, scoppiò in una delle sue celeberrime risate prorompenti, cadendo dalla sedia, rompendo il bancone e scheggiando a suon di pugni il pavimento in cotto e tre etti di crudo tagliato fine. Eusebio, tra una risata e l’altra, corse quindi a rotta di collo alla più vicina scuola di aviazione privata, fermandosi solamente per gestire i picchi peggiori di risate compulsive, e dagli accordi presi con il proprietario Gigi Topgancic scaturì il progetto del quale oggi possiamo apprezzare il primo prodotto: Scie Comiche, una serie di battute di spirito sventolate sulle principali spiagge italiane da aerei-constriscione guidati da studenti spiritosi della predetta scuola di aviazione. Secondo le prime indiscrezioni trapelate nel comunicato stampa tenuto dal Pistillo all’elegante bar locale “Spritz sto Catz” l’installazione artistica durerà per tutta l’estate e sarà visibile a sorpresa in alcune spiagge italiane selezionate dal Maestro secondo una propria discrezionalità basata sull’antipatia dei cittadini del luogo. Scultura semovente? Pittura mobile? Ritratto volante? Boh? In qualsiasi caso la redazione ha prenotato due giorni di vacanza in tutte le principali spiagge italiane da qui a settembre, sperando di poter ammirare un altro capolavoro della geniale installazione. A presto amici dell’arte, portatevi un cannocchiale. Norberto Bettinelli

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Mario Rossi – Qua sotto Cari lettori, bi chiedoamo scsusa se tuttto cio è scirtto un po’ mlae ma è con le lacrime agli occi e la gtaratitudine nei polpastrelli che scriviamo quseto pezo. Dopo esserci ripresi e soffiati il naso del Tartarelli vi presentiamo oggi “Qua sotto” opera postuma, che per sempre sarà tale, ed ultimo lascito del genio di Mario Rossi, figura che dalla propria ubiquità mediatica ed artistica ha saputo trarre un grande insegnamento che con quest’opera regala al mondo. Di una semplicità disarmante, di un’ apparente banalità avvilente e di una bicromia esasperata si compone questa grandiosa opera del Rossi che, come giù apprezzato in passato, utilizza tutti gli espedienti possibili per non distaccarsi mai troppo dal proprio pubblico; alfiere della propria politica “all you can art” o “pizza tela e cempions” come da alcuni definita, filosofia che da anni il compianto Rossi portava avanti con incredibili successi, Mario ci saluta così, lasciandoci increduli e per una volta protagonisti. Da sempre accostato a giganti della contemporaneità, Il nostro “Ligabue della pittura”, “Fabio Volo della tela” o “Colorado Cafè del cavalletto”, come solevano definirlo i critici più affezionati e spiritosi delle sue complesse opere, crea quest’opera dal letto di morte in un ultimo guizzo di epifania artistico-sociale, inoltrandocela, infine, dal personale account di posta [email protected], tra lo stupore generale di chi non si è mai abituato alla semplicità estatica del maestro. Una freccia nera verso il basso, uno sfondo bianco fermo li, un grido disperato di coscienza finale sul proprio operato: “l’opera d’arte vera è qui sotto”, leggiamo scritto in comic sans 15 nel testo della mail. Ed ecco svelata l’umile visione finale del buon Maestro: l’opera d’arte è, secondo il compianto, proprio qui, davanti a voi, lettera dopo lettera fino ai due punti che arrivano adesso e poi più in là: l’opera d’arte è la critica, il pensiero di noi umili appassionati redattori, come sempre sotto, appunto, al capolavoro recensito. L’opera è quindi postuma seguendo le volontà del Maestro, in quanto completata ogni volta dalla critica vergata al di sotto della medesima da ogni appassionato, reputato, in definitiva, superiore all’artista dall’artista stesso. Non ci riesce di andare oltre nel descrivere le emozioni che ci ha suscitato quest’opera titanica di gratitudine artistica se non, scrivendone infine in un grato scambio di intese, che l’opera d’arte è qua sopra. Grazie Mario, da sempre diverso da tutti. L’opera è qua davanti a voi, siateci. Norberto Bettinelli

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HYPNOTISE – Tchulan S’olol Oro

Cari incorruttibili e ipersensibili lettori, oggi vi presentiamo Tchulan S’olol Oro, istrionico e stravagante ragazzo della verdognola campagna di Pyongyang dotato di un immenso quanto stigmatizzato talento. Ha un che di sorprendente e palpitante la velocità con la quale il sensei dei colori psycho-fluo, dell’eyeliner tortora e del merletto a frontespizio è diventato famoso agli occhi del grande pubblico nord coreano, popolo conosciuto per la sua quasi totale avversione nei confronti di artisti quantomeno bizzarri.

“Hypnotise” è il suo primo e unico capolavoro, un colossale quadro di 5 centimetri per lato che racchiude tutta la volontà dell’artista di esacerbare l'edonismo post moderno dell'umanità predarwiniana, che da sempre è sintomo di “Aerea muratura castellifera”. È composto da 4 spirali ortocentriche realizzate con spuma di mare nipponica colorata con pastelli a cera d’api congolese: l’effetto fluo è stato magistralmente creato con pennellate aggressive e prepotenti di Stabilo 4 colori.

Per poter gustare nella sua interezza, saggezza e gargarozza fragranza il dipinto, l’agente di S’olol Oro ha proposto al suo assistito di appendere “Hypnotise” ad una sorta di chiodo girevole, per ricreare l’effetto ipnotico che l’artista voleva ottenere. Ma chi conosce il maestro è a conoscenza della sua forte repulsione verso, quello che lui definisce, “Agio e noncuranza insita nell’essere bipede e glabro chiamato Uomo”. Pertanto, accantonata l’idea balenata nella mente infantile dell’agente, Tchulan ha progettato e costruito un’intera sala all'interno del museo di Pyongyang, chiamata “Stomingainpè”, la cui particolarità è stata rivelata in esclusiva dall'artista stesso alla redazione scrivente: “E’ la prima mini sala rotante mai progettata, nella quale la parete che si fregia del mio capolavoro di indubbia bellezza e boriosità, rimane immobile, mentre il resto della stanza gira su se stessa, donando all'osservatore seduto al centro una sensazione di rapimento ipnotico, di perdizione edonistica, di iperbolica e affascinante risurrezione spaziotemporale… direi quasi di nausea”.

L’intera esperienza dura circa 8 ore e, compreso nel biglietto di ingresso, viene consegnato al fortunato visitatore un sacchetto di carta che potrà riempire con tutta l’estasi ammaliante, seducente e magnetica che “Hypnotise” elargisce.

Eliodoro Naso Tartarelli

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Tomato Soup – Clarence Threepwood

“Nella vera vita concreta, quando mai userò il teorema di Pitagora?” “Cosa serve calcolare l’area conica di un trapezio isoscele elicoidale?”. “La geometria è INUTILE!”

Parole dure. Parole dure di un uomo strano.

Quante volte abbiamo posto o anche solo sentito queste affermazioni e questi quesiti questui quasi inutili e catastrofici nelle aule scolastiche? Tantissime, troppe, tanto che l’aere riecheggia delle risposte quasi spazientite degli insegnanti: “Vedrete che quando meno ve l’aspettate, la geometria vi servirà e vi tornerà utile”.

Ed eccoci finalmente arrivati a quel momento che tutti gli insegnanti di geometria stavano bramando, quel momento di riscossa in cui possono unirsi in un coro etereo per urlare: “Quisquiglie e pinzillacchere!!! Ve l’avevo detto!”.

Le colline dello Yorkshire, dove la bruma danza armoniosa sulle dense ed eufoniche alture, possono gloriarsi del triangolo isoscele dell’arte, dell’ipotenusa che collega il cateto dell’ “IO evanescente e inconcludente” con quello del “NOI geometrici e circoscritti”, dell’unico uomo che ha fatto del rettangolo aureo un Credo e un Vedo e Prevedo: stiamo ovviamente parlando di Clarence Threepwood, l’artista che, avvalendosi di elementi geometrici e colori basici, senza sfumature, sbavature o effetti cromatici particolari, esterna la propria praticità ed eloquenza dipingendo il mondo invadente e sfacciato circostante in pennellate precise e nette, altezzose e regali.

Prima di essere osannato come pittore di scuola metapontiana, Clarence era un modesto cuoco penitenziario di Emsworth, un ridente paesino abbarbicato tra le colline di salici piangenti. Caricandosi come una molla al grido di: “Mi passi un foglio di carta assorbente?”, il Threepwood preparava il suo cavallo di battaglia nelle buie e tempestose cucine carcerarie: la “Tomato Soup”, zuppa al pomodoro, basilico e peperoncino di Trinidad Moruga, che i detenuti amavano alla follia. Leggenda narra che era talmente buona e raffinata che i carcerati non volevano usare il cucchiaio, ma la ingurgitavano direttamente dalla scodella al fine di limitare il contatto, e quindi la contaminazione, con corpi estranei alle papille gustative che potevano intaccare il superbo sapore della prelibata pietanza: era imprescindibile e doveroso sorbirla immediatamente senza sotterfugi funesti.

Il quadro “Tomato Soup”, realizzato con carta da parati soffice e polvere di marmo di Carrara colorata con erbe officinali cinesi, rappresenta questo ardore, questa dipendenza, questa veemenza e passione, tramite la raffigurazione di una tuta carceraria (righe bianche e nere sullo sfondo) macchiata di zuppa al pomodoro (cerchio a mano libera rosso fuoco). L’artista, probabilmente senza ogni ragionevole dubbio alcuno, vuole certamente indicare la volontà dei detenuti di tenere esclusivamente per sé una goccia di questa orgogliosa vivanda per assumerla durante le notti buie e solitarie che caratterizzano le sfuggenti carceri d’oltre manica.

L’opera sarà esposta al British Museum Estone di Tallinn, fino al 31 maggio 2016. Accorrete numerosi, ma anche no.

Eliodoro Naso Tartarelli