A/RRIVEDERCI ROMA

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48. Elisa Giardina Papa

Trastevere

Animated gif from When The Towel Drops Vol 1 | Italy, 2015.

Scena censurata dal film La Giornata Balorda (conosciuto all’estero con il titolo From a Rome Balcony), 1960. Diretto da Mauro Bolognini, sceneggiatura di Alberto Moravia e Pier Paolo Pasolini. Protagonisti Jean Sorel e Lea Massari.

Ho scelto un frammento trasformato in GIF animata da un lavoro video fatto sulla censura del cinema italiano degli anni 50-60 dal titolo: When The Towel Drops Vol 1 | Italy, 2015. Il lavoro è una collaborazione fatta con Nupur Mathur e Bathsheba Okwenje e firmato con il nome collettivo Radha May. A questo indirizzo tutte le info sul progetto: www.radhamay.com

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I have chosen a fragment from my work, When The Towel Drops Vol 1 | Italy, 2015, that deals with censorship in Italian cinema in the 50-60s. I have transformed this fragment into animated GIF. This work is the result of a collaboration with Nupur Mathur and Bathsheba Okwenj and signed with the collective Radha May. Information on the project is available at this site: www.radhamay.com

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47. Alberto Garutti

Torre dell’Acqua di Angiolo Mazzoni / via Giovanni Giolitti

Parlerò dell’incontro con un’architettura che si trova sul perimetro della stazione Termini e che fin dal mio primo viaggio a Roma, ormai tanti anni fa, mi seduce e mi meraviglia ad ogni mio ingresso in città in treno. L’edificio si trova vicino ai binari: è una solida costruzione in travertino con una svettante torre idrica cilindrica corredata da una scala esterna che l’avvolge fino in alto. La sua imponenza e le sue forme parlano dell’epoca fascista: il progetto originario della stazione, di Angiolo Mazzoni, risale al 1938. L’architetto è riuscito a utilizzare il linguaggio formalmente retorico di quegli anni in modo rivoluzionario, caricandone gli elementi di significati altri e rendendolo portatore di nuovi mondi. La pesantezza e la grandiosità di questo episodio architettonico riescono paradossalmente a smaterializzarne la fisicità, sino a renderlo un’evocazione capace di condurre l’immaginario altrove. Con leggerezza porta il pensiero a intrecciarsi in allusioni continue alla pittura metafisica, a vagare in quegli scenari urbani percorsi da innumerevoli enigmi. Riesce a narrare la meravigliosa monumentalità di Roma attraverso rimandi duplici, capaci di contenere ad un tempo l’idea dell’antico e quella del moderno. Le sue forme regolari hanno un fascino autorevole, quasi simbolico: questo luogo è l’accesso alla capitale, città in cui gli strati della storia si sovrappongono da tempi lontani e dove si concentrano i poteri civili della nazione. Questa sintesi accidentale di simboli, figure antiche e forme pure fa sì che questo luogo quasi trasfiguri. Diventa altro da sé, spazio silente di natura dechirichiana: scenario urbano di ciminiere e orizzonti vaghi, architetture regolari e senza tempo. Trovo una corrispondenza sottile tra quest’angolo di Roma e i paesaggi enigmatici occultati dietro ai muri di quei dipinti, interi scenari suggeriti da pennacchi di fumo che fanno immaginare il passaggio dei treni ed indefinibili lontananze. “Ciò che più conta nell’arte è la misteriosità dell’evento visivo”; qualcosa rende questo edificio inafferrabile, i limiti delle sue superfici vengono forzati e si smarriscono oltre lo spazio in cui si trovano; sotto i miei occhi le forme cambiano pur rimanendo se stesse e si sovrappongono a scenari irreali. Nel divenire di questo immaginare si percepisce un legame con l’idea dell’arte, con i suoi percorsi indicibili e tutto il mistero che in essa è contenuto.

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I will speak about an encounter with an architecture that is located on the perimeter of the Termini station and that since my first trip to Rome, many years ago, seduces me and which marvels me every time I enter the city. The building is located near the tracks: it is a solid construction in travertine with a cylindrical water tower accompanied by a staircase that winds up to the top. Its grandeur and its forms speak of the Fascist era: the original design of the station Angiolo Mazzoni, dates back to 1938. The architect managed to use the formal rhetorical language of those years in a revolutionary way, by loading it with other meanings and making it the bearer of new worlds. The heaviness and grandeur of this architectural episode paradoxically manages to dissolve physicality until it becomes an evocation which takes the imaginary elsewhere. It gently brings thought to tangle in continual allusions to metaphysical painting, wandering in those urban landscapes crossed by countless puzzles. He manages to evoke the wonderful monumentality of Rome through dual references, which at the same time can encapsulate the ancient and the modern. His regular shapes have an authoritative charm, almost symbolic: this place is access to the capital, the city in which layers of history overlap from ancient times and where civil powers of the nation are concentrated. This accidental synthesis of symbols, ancient figures and forms also makes this place almost transfigured. It becomes something other than itself, the silent space of De Chirico's nature: urban landscape of smokestacks and vague horizons, regular and timeless architecture. I find a subtle correspondence between this corner of Rome and the enigmatic landscapes hidden behind the walls of those paintings, whole scenarios suggested by the smoke plumes that make you imagine the passage of trains and indefinable distances. “The most important thing in art is the mysteriousness of the visual event.” Something makes this building elusive. The limits of its surfaces are forced and stray beyond the space where they are located. The shapes change while remaining themselves before my eyes and unreal scenarios overlap. In the becoming of this image you feel a bond with the idea of art, with its untold paths and all the mystery that is contained in it.

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46. Nicola Martini

Stazione Termini, deposito bagagli

→ AUDIO

Credo che sia uno dei luoghi che rappresenti perfettamente Roma in tutte le sue parti: negligenza, speranza, arroganza, condivisione. Mi è capitato di doverci passare delle ore ad aspettare di ritirare un bagaglio prima di partire. Vedevo perfettamente le persone dietro al muro di plexiglass incaricate della restituzione dei bagagli, dedite a conversazioni afone fra una sigaretta e l’altra, afone per via dell’interfono messo su off. Questa situazione paradossale ha creato un glitch interessante nella prossemica del luogo. Nessuno sapeva come reagire. Si è creata una stasi densissima, dove emergeva fortemente la “realtà" del reale. In poche altre situazioni mi sono concentrato sul mio lavoro come in quell’occasione.

Il file audio che ho scelto era ciò che stavo ascoltando in quel momento: alcuni suoni composti da Nicola Ratti, inseriti in seguito nel suo album Pressure Loss ed edito dall'etichetta Where to now? Vorrei dare più un suggerimento che una guida. Un’istruzione. Suggerisco di recarsi dinnanzi al plexiglass del deposito bagagli di Termini con quel file in loop in cuffia e semplicemente aspettare. Perdersi nella realtà ovattata di quel luogo.

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I think that it is one of the places which fully represents Rome in all its components: negligence, hope, arrogance, sharing. Once, I happened to spend hours waiting to pick up a bag before a departure. I could see the people behind the plexiglass wall in charge of baggage return perfectly, devoted to unvoiced conversations between a cigarette and the other, unvoiced via intercom put off. This paradoxical situation created an interesting glitch in the proxemics of the place. No one knew how to react. A dense stasis was created, where only the “reality” of the real strongly emerged. In only a few other situations have I focused on my work like on that occasion.

The sound file that I have chosen was what I was listening to at the moment, some compound sounds by Nicola Ratti, later inserted into his album Pressure Loss and published by the label Where to now? I would like to give a suggestion rather than a guide. Education. I suggest going before the plexiglass luggage deposit at Termini with that file in loop on headphones and simply waiting. Get lost in the muffled reality of that place.

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45. Kamilia Kard

Bocca della Verità

Tra vita personale e cinematografia, ho scelto un luogo che rappresenta bene lo stato d’animo legato alla creazione della mia opera.

Devo sempre ridere, sono più bella quando sorrido. Se non mostro i denti le persone cominciano a preoccuparsi e a chiedermi che cosa ho. Sono una ragazza solare perché rido. La maggior parte delle volte che rido molto sono sull’orlo della crisi. Ma devo ridere. Ridere e mostrare i denti. Mentire.

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Between personal life and cinema, I chose a place that represents the mood tied to the creation of my work.

I always have to laugh. I am more beautiful when I smile. If I do not show my teeth, people begin to worry and to wonder what my problem is. I am a shining girl because I laugh. Most of the time that I laugh a lot, I am on the brink of crisis. But I have to laugh. Laugh and show my teeth. Lie.

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44. Enrico Boccioletti

Accademia dei Lincei / Via della Lungara 10

Non sono mai stato all’Accademia dei Lincei anche se, come molti, il lungotevere è una delle zone di Roma che amo. Ho scelto questo posto che non ho mai visitato, dove nel 1968 si è costituito il Club di Roma (The Club of Rome*), come lo spazio negativo su una mappa di consapevolezza globale.

The Club of Rome è un think-tank internazionale, la cui missione è stata (ed è) analizzare e confrontarsi con i macro-cambiamenti climatici, il superamento dei limiti fisici del pianeta, la scarsità di risorse conseguenti l’esponenziale curva di sviluppo tecnologico e crescita economica del secolo scorso, e l’individuazione di scenari possibili e soluzioni alternative su scala globale. Il gruppo pubblicò nel 1972 la prima edizione del celebre rapporto The Limits to Growth, basato sulla simulazione al computer World3, che predice le conseguenze della continua crescita della popolazione sull'ecosistema terrestre e sulla stessa sopravvivenza della specie umana. Il nome del gruppo nasce dal fatto che la prima riunione si svolse a Roma, presso la sede dell'Accademia dei Lincei alla Villa Farnesina. Il mio contributo è un gioco di parole, che rigira il nome del gruppo in The Club of More, e reinterpreta liberamente il logo originale dell’associazione (un globo terrestre stilizzato) con cinque figure emoji relazionate orizzontalmente: tre punti di vista del pianeta (America, Europa/Africa, Asia/Oceania), un reticolato astratto (IT, astrazione finanziaria), una fiamma (global warming, catastrofe).

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I have never been to the Accademia dei Lincei although, like many others, the Tiber is one of the areas in Rome I love. I have chosen a place that I have never visited, where in 1968 the Club of Rome was formed (The Club of Rome*), as the negative space on a map of global consciousness. The Club of Rome is an international think-tank whose mission was (and is) to analyse and deal with macro-climate change. In the process it endeavours to overcome the physical limits of the planet, the scarcity of resources resulting from the exponential curve of technological development and economic growth of the last century and the identify possible scenarios and alternative solutions on a global scale. In 1972 the group published the first edition of the famous report The Limits to Growth, based on World3 computer simulation, which predicts the consequences of continued population growth on the earth's ecosystem and the very survival of the human species. The group's name comes from the fact that the first meeting took place in Rome, at the headquarters of the Accademia dei Lincei at the Villa Farnesina. My contribution is a play on words which turns the name of the group into The Club of More, and freely reinterprets the association's original logo (a stylised globe) with five horizontally related emoji figures: three points of view of the planet (America, Europe /Africa, Asia/ Oceania), an abstract grid (IT, financial abstraction) and a flame (global warming, catastrophe).

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43. Gianandrea Poletta (Momentum)

Museo Nazionale Romano / Largo Villa Peretti

Il volto è di un uomo sulla cinquantina, almeno ai giorni nostri. Viso allungato, sicuramente non tondo. In carne, ma tuttavia non paffuto. Il naso manca, frantumato. Doveva essere importante, vista la base larga e l'attaccatura delle sopracciglia. Sopra l'occhio destro il sopracciglio si inarca leggermente in alto, come se quell'occhio vedesse bene, mentre l'altro, un pochino socchiuso, come se dovesse mettere meglio a fuoco qualcosa. L'effetto, fortunatamente, è esasperato dalla mancanza di parte del volume che sovrasta la cavità oculare, forse per colpa dello stesso urto che ha privato il volto del naso. L'intero lato destro è infatti danneggiato: lo sono la guancia e parte del labbro, l'orecchio e la fronte. Forse il volto è caduto da quel lato, almeno una volta.

L'orecchio destro però rimane ben formato nonostante sia sporgente. Le orecchie in generale sono un poco a sventola. Mi ricorda qualcuno, ma non riesco ancora a dire chi. Forse un politico. Non ne sono sicuro. L'angolo destro della bocca, nonostante l'urto che l'ha scalfita, appare leggermente - e chiaramente allo stesso tempo - sollevato, coerentemente con l'impressione che dà il sopracciglio sovrastante. Il lato opposto invece è bucherellato, come se fosse stato sottoposto a numerosissimi colpi leggeri. Oppure come se fosse stato eroso da qualche sostanza capace di reagire solo in alcuni punti della pietra in cui è stato scavato. La fronte è segnata da delle rughe lunghe ed orizzontali che accompagnano il leggero arco sopraccigliare senza però incavarsi troppo, lasciando il volto in una posizione di intenso riposo. Le altre rughe sono sulle guance e scendono dagli occhi verso il basso: partono dagli angoli del naso per scendere verso quelli della bocca. L'intera guancia forma dei morbidi volumi intorno a questi segni, mentre in basso cade sul mento generosa e soda. C'è qualcosa di beffardo in questa espressione appena accennata, in questo sorriso trattenuto, come di chi sa bene cosa gli sta davanti e lo contempla ridendone internamente senza scomporsi. È il volto senza morale di un uomo indifferente al Bene e al Male. Consapevole dello spazio che occupa e della posizione che detiene, che è stato capace di fare ciò che era necessario per acquisire il diritto di avere il proprio volto inscritto nella pietra e di poter restare così: cieco a fissarmi negli occhi.

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It is the face of a man in his fifties, at least it is recognised as such nowadays. It is a long face, definitely not round. It is fleshly but not chubby. The nose is missing, shattered. Given the wide base and hanging eyebrows, it must have been important. Above the right eye his eyebrow is slightly arched, as if that eye could see well, while the other, slightly closed, seems to be trying to put things into focus. Fortunately, the effect is exasperated by the lack of part of the volume above the eye socket; perhaps due to the same shock that deprived this face of a nose. In fact, the entire right side of the face is damaged: part of the cheek and the lip, ear and forehead. Perhaps the face fell from a high place. The right ear, however, remains well-formed even though it is projecting. The ears are generally slightly protruding. It reminds me of someone, but I still can not say who. Maybe a politician. I am not sure. The right corner of his mouth, in spite of the shock that has tarnished it, appears slightly – and of course at the same time – raised, in line with the same impression that eyebrow above gives.

The opposite side however is pitted, as if he had been subjected to numerous light taps. Or as if it had been eroded by some substance capable of reacting with only a few points of the stone in which it was dug. The forehead is marked by long and horizontal wrinkles that accompany the slightly arched eyebrow without being too hollowed out, leaving his face with the expression of intense relaxation. Other wrinkles are on the cheeks. They fall from the area around the eyes, from the crevices of the nose to the corners of the mouth. The entire cheek is formed by soft volumes around these wrinkles. There is something ironic in this expression and the restrained smile suggests knowledge of what lies ahead. It is spilt, calmly laughing. It is the face of a man without morals, a man indifferent to Good and Evil: a man aware of the space he occupies, the position he holds, and who is able to do what is necessary to acquire the right to have one's face inscribed in stone, and stay that way. Blind, he stares at me.  

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42. Patrick Tuttofuoco

Piazza del Popolo

Il solo nome di quella piazza ha sempre generato in me una sorta di attrazione. L’idea stessa che nascesse da uno sforzo del popolo e che diventasse a tutti gli effetti il luogo del popolo, lo spazio per celebrarlo, l’ha resa ai miei occhi un punto nevralgico della città. L’incredibile forza della stratificazione, tutti i passaggi del tempo in quello stesso luogo sono riusciti a trovare un equilibrio magico.

L’immagine che ho scelto è particolarmente importante per me. È legata alla mia esperienza personale con quel luogo e mi ricorda con intensità tutto il tempo passato a studiare e cercare di assorbire un po’ dello spirito di quello spazio. Si tratta della foto di un progetto pubblico che ho realizzato a Piazza del Popolo nel 2007, il cui unico intento era di sottolineare ed illuminare differentemente il grande flusso di persone che attraversavano costantemente la piazza. In quel luogo così visibilmente plasmato dai passaggi della storia ho inserito un “cantiere utopico”, quasi un ulteriore intervento di evoluzione e trasformazione di quell’organismo così complesso. Lo scontro tra la bellezza quasi struggente della piazza e la cruda presenza di materiale edile generava un piccolo corto circuito all’interno del quale le persone passavano illuminate da una bizzarra luce verde.

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The name of the square itself has always attracted me. The idea came from an effort of the people and effectively became the place of the people, a space to celebrate them. In my point of view, it is central nerve of the city. The incredible strength of stratification together with all the passages of time in the same place have fused in a magical balance.

The image which I have chosen is very important to me. It is linked to my personal experience with Piazza del Popolo and I remember all the time spent studying and trying to absorb the spirit of that space. This is the picture of a public project I did in Piazza del Popolo in 2007, whose sole purpose was to differently stress and illuminate the immense flow of people constantly crossing the square. In that place so visibly shaped by the story steps I inserted a “utopian construction site,” almost a further intervention of evolution and transformation of that complex organism. The clash between the almost poignant beauty of the square and the presence of raw building material generated a short circuit within which people walked, illuminated by a strange green light.

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41. Diego Tonus

Via Gino Capponi / Zecca dello Stato

Il Valore Aggiunto, 2016. Banconota contraffatta

La Zecca dello Stato a Roma, nonostante la sua politica di trasparenza, rimane un luogo misterioso per il valore che ha nella cultura contemporanea; specialmente per la produzione dell’Euro, uno dei simboli creati per rappresentare l’integrazione europea, oggi così frammentata, stratificata e ricca di contraddizioni.

“Voglio i soldi di tutti.”

Cosa accade quando si riproduce un simbolo? Cosa può svelare un falso rispetto al suo originale? Quale può essere il suo valore aggiunto? Un nuovo originale può generare valore se immesso in un diverso sistema di significazione che elabori un nuovo processo di pensiero. Il Valore Aggiunto si basa sul processo di rifacimento della banconota di 50 Euro e sull’investigazione del suo valore rispetto al mercato attuale, una volta che questa viene riprodotta e immessa in un nuovo sistema di creazione di valore.

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The State Mint in Rome, despite its policy of transparency, remains a mysterious place for the value it has in contemporary culture; and especially for the production of the euro – one of the symbols created to represent European integration now so fragmented, layered and full of contradictions.

“I want everyone's money.”

What happens when you reproduce a symbol? What can reveal a false with respect to the original? What could be its added value? A new original can generate value when placed in a different system of signification that processes a new thought process. The Value Added is based on the rebuilding process of the banknote of 50 euros and on the investigation of its value compared to the current market, once this is reproduced and entered into a new value creation system.

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40. Giulio Squillacciotti

Via di Torricola

«La nostra casa in città è bella, ma le spese insostenibili ci costringono a venderla. All'interno del capannone costruiamo dei muri e tutto quello che serve per vivere e, nel 1982, la nostra vita cambia.» Silvio Jovane

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«Our home in the city is beautiful, but the unsustainable costs force us to sell it. Inside the shed we build the walls and everything we need to live and, in 1982, our life changes.» Silvio Jovane

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38. Massimo Bartolini

Tempietto del Bramante / Piazza di S. Pietro in Montorio

Talkining with Livia about the Tempietto of San Pietro in Montorio, 1997. C print 50x35.

San Pietro in Montorio, Tempietto del Bramante

Da Fuori è conforme a una mole austera spagnola nel mistero. Dalla Gravidanza d’una madre chiesa nel chiostro ventrale traspare un tempietto rotondo circolare: infante rinascimentale nel canone di Bramante. Architetti sono quei Re Magi In sua perpetua adorazione.

Valentino Zeichen, Ogni cosa a ogni cosa ha detto addio, Roma, Fazi Editore, 2000

Non conosco Roma. Consoco da pochi anni l’opera di Valentino Zeichen. Un artista è prima di tutto un luogo. Valentino Zeichen che parla di Roma è dunque un luogo che parla di un luogo a me molto caro.

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I do not know Rome. I’ve only known the work of Valentino Zeichen for a few years. An artist is above all a place. Valentino Zeichen speaking of Roma is therefore a place that speaks of a place very dear to me.

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37. Nicola Samorì

Basilica di Santa Francesca Romana / Foro Romano

È stata un’icona a condurmi per la prima volta nella Basilica di Santa Francesca Romana, tra il Foro Romano e il Tempio di Venere. Quando mi sono imbattuto nella riproduzione della Madonna Glycophilousa qui custodita, e nella storia del suo fortunato restauro (un volto sotto un volto, una sproporzione antichissima apparsa dopo lo strappo di un viso più giovane), mi sono recato immediatamente a Roma.

Una pittura dissepolta in uno spazio di sepolture. Nella Chiesa di Santa Francesca Romana non si termina di entrare.

Nel mio scavo su carta Rome ripercorro il ritrovamento del primo volto dell’icona di Santa Francesca Romana: una guida di Roma, alla quale ho fissato in copertina una riproduzione del dipinto, è stata scavata a bulino nel volto di Maria affondando nelle pagine, dalla prima verso l’ultima. La Madonna della dolcezza perde volti, si sfoglia, verso l’alba del culto. Una stratigrafia di informazioni, che per affidarci in simultanea un segno da ogni pagina della città, costringe la parola e l’immagine a perdersi, così come Roma appare ogni volta che si ferisce.

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It was an icon that took me for the first time to the Basilica of Santa Francesca Romana, between the Roman Forum and the Temple of Venus. When I came across the reproduction of Madonna Glycophilousa kept there and, the history of its successful restoration (a face in a face, an old disproportioned face appeared after the ripping of a younger face), I immediately went to Rome. A painting unearthed in a burial space. You never stop entering the Church of Santa Francesca Romana.

In my excavation on paper Rome I retrace the rediscovery of the first icon of Santa Francesca Romana's face: a guide to Rome, to which I fixed on the cover a reproduction of the painting, excavated in the burin of Mary sinking her face in the pages, from the first to the last. The Madonna of the sweetness losses faces, browsing, towards the dawn of the cult. A stratigraphy of information, which simultaneously relies on a sign on each page of the city, forcing the word and the image to be lost, like the way Rome appears whenever it is hurt.

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36. Masako Matsushita

Villa Mercede / Via Tiburtina 113

Ho scelto questo luogo perché da Roma Termini si va a nordest verso via Marsala, si gira a destra e si percorre via Marsala per 400mt. Successivamente via Marsala gira leggermente a sinistra diventando Piazzale Sisto V per 48 mt, si continua per via dei Ramni per 400mt per poi girare a destra in via dei Marrucini 200mt e di nuovo a destra in via Tiburtina 34mt. Viale Paolo Rossi accoglie così per 1082 giorni

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I chose this place because from Rome Termini you go northeast toward Via Marsala, turn right and walk along Via Marsala for 400 metres. Subsequently, via Marsala turns slightly left and becomes Piazzale Sisto V for 48 metres, you continue along via dei Ramni for 400 metres and then turn right onto Via dei Marrucini 200mt and again right into Via Tiburtina 34mt. Viale Paolo Rossi welcomes like this 1082 days.

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35. Giovanni Morbin

Musei Capitolini / Piazza del Campidoglio

Statua di Leda con il cigno. Dall’originale dello scultore Timotheos, 360 a.C., marmo.

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Body – Ibridazione 2, 1997. Performance, durata 12’.

L’opera Body – ibridazione 2, appartiene ad una serie di comportamenti che chiamo ibridazioni, nel quale sono protagonista insieme ad un’altra entità: in questo caso vegetale. L’insalata impiegata nel lavoro (tra le immagini la busta di sementi modificata e utilizzata come cartolina invito) viene definita “lattuga da taglio. Bionda a foglia riccia, selezione Leda”. Sembra che si parli di una donna, bionda a foglia riccia… proprio la selezione Leda mi ha fatto pensare al gesto ibrido in Leda e il cigno, esposto nei Musei Capitolini.

Per circa un mese ho lavorato una porzione di terreno, dissodandolo, seminandovi dell’insalata e abbeverando con una miscela di acqua e sangue, il mio sangue. Questa fase di lavoro è riassunta in un video, in cui il pubblico può vedere mentre io mangio l’insalata.

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The work Body – ibridazione 2, belongs to a series of behaviors that I call hybridisations, in which I am the protagonist along with another entity: in this case vegetal. The salad used in the work (between images the bag of modified seeds used as a postcard invitation) is called “cutting lettuce. A blond curly leaf, selection Leda.” It seems that there is talk of a woman, a blonde curly leaf ... the Leda selection made me think of the hybrid gesture Leda and the Swan, displayed in the Capitoline Museums.

For about a month I have been working a piece of land, turning it over, sowing the salad and mixing it with water and blood, my blood. This phase of work is summarised in a video in which the public can watch me eat the salad.

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34. Rä di Martino

Bar D'Amore / Via dello Statuto 37

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33. Federico Solmi

Palazzo Farnese / Piazza Farnese

Giuseppe Verdi, La forza del Destino, Ouverture

La scelta di Palazzo Farnese è dovuta alla presenza del mitico affresco di Annibale Carracci, uno dei cicli di affreschi più affascinanti della storia della pittura italiana. La mia passione e ammirazione per il Maestro bolognese, risale a molti anni fa, quando nelle sere d’inverno passeggiavo per le strade deserte di Bologna con la speranza di vedere alcune luci accese nei soffitti affrescati dei palazzi nobiliari del centro. Incominciai così  a documentarmi sui vari pittori che passarono ed operarono a Bologna nei secoli, e presto identificai in Annibale Carracci il mio Eroe. Cercai così di scoprire le opere più significative rimaste in città. Ben presto arrivai a capire che i veri capolavori di Annibale Carracci erano gli Affreschi del Palazzo Farnese a Roma. Questo legame sentimentale con gli affreschi della Galleria Farnese nel tempo si è sempre più rafforzato, nonostante da oltre 17 anni risiedo negli Stati Uniti. Purtroppo a causa delle restrizioni imposte ai visitatori, non sono mai riuscito ad ammirare di persona questo luogo magico, anche se credo di conoscerne ogni dettaglio grazie ai libri e alle varie riproduzioni che ho studiato. Spero di riuscire finalmente quest’anno a visitare Palazzo Farnese, anche se devo ammettere che ho un grande timore, non chiedetemi perché… sono sicuro che mi emozionerò tantissimo...

Non ho mai nascosto la mia grande ammirazione e l’influenza che hanno avuto su di me i grandi maestri rinascimentali del Quattrocento, come Masaccio, Paolo Uccelllo, Piero Della Francesca, Cosmè Tura, Ercole De Roberti, Beato Angelico. Per i visitatori della Quadriennale potrà sembrare paradossale questo mio interesse, e passione, per i pittori antichi; considerato che alla fine il pubblico italiano mi conosce come video artista, e come sperimentatore del “moving image”. I grandi cicli di affreschi dell’arte italiana sono stati per me una fonte incredibile di ispirazione che tutt’ora non si è esaurita. È difficile per me descrivere un’opera che non ho mai visto di persona, anzi credo che sia anche paradossale tentare di farlo, ma forse il mio attaccamento va oltre l’affresco stesso. Ho sempre visto Annibale Carracci come un artista riservato, coraggioso, sognatore, taciturno con grandi cambiamenti di umore e stati d’animo, proprio come lo sono io. L’Affresco di Palazzo Farnese è indubbiamente una delle opere pittoriche più importanti ed ambiziose del seicento Italiano. In questo ciclo di affreschi, oltre ad Annibale, Agostino  e Ludovico Carracci, vi hanno lavorato anche Domenichino, Francesco Albani, Giovanni Lanfranco. I temi scelti per gli affreschi sono di carattere mitologico, eseguiti con la tecnica del trompe oeil. Tra finte strutture architettoniche, Annibale Carracci compose la volta del Palazzo Farnese come una finta quadreria con tanto di cornici dipinte. Una festa incredibile per gli occhi. Sicuramente l’influenza degli affreschi romani di Michelangelo e Raffaello sono evidenti, ma Annibale con i suoi giochi illusionistici sembra anticipare già la nuova stagione pittorica che di lì a qualche anno sorgerà a Roma: il Barocco. L’affresco per me più suggestivo ed affascinante di questo ciclo si trova al centro della volta ed è il Trionfo di Bacco e Arianna. Bacco, divinità del vino, appare con la testa cinta d’edera, che avanza su un carro trainato da leopardi. I colori sono splendidi, la composizione teatrale e bizzarra. Al suo fianco, su un altro carro trainato da delle capre, si trova Arianna, colei che divenne la sposa di Bacco dopo essere stata abbandonata da Teseo. Al corteo partecipano anche putti, satiri e baccanti con tamburi, trombe e coppe piene di vino. Questa immagine così sublime e forte mi è rimasta impressa e tutt’ora ne sento l’influenza. Questi affreschi per me vanno oltre l’opera d’arte in se stessa, li interpreto come un atto eroico di un uomo immerso nel sogno e nella follia di raggiungere l’impossibile, l’infinito. Un’impresa con pochi eguali nella storia dell’umanità. Per questa ragione ho pensato che la overture della Forza del Destino di Verdi fosse il pezzo musicale perfetto per accompagnare lo spettatore durante la visione degli affreschi. Nella musica di Verdi, oltre al sentimento patriottico, vi è una costante atmosfera epica e mitologica, perfetta per la storia e le imprese narrate da Annibale. Giuseppe Verdi e Annibale Carracci sono due Maestri, grandissimi uomini d’altri tempi, due colossi entrambi emiliani, cresciuti negli stessi ambienti dove sono nato anch’io. Credo che il visitatore dopo avere letto questo mio breve testo potrà scorgere con maggiore chiarezza nelle mie opere l’influenza che ha avuto questo ciclo di affreschi.

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The choice of the Palazzo Farnese is due to the presence of the legendary fresco by Annibale Carracci, one of the most beautiful frescoes in the history of Italian painting. My passion and admiration for the Bolognese master goes back many years, when I  would stroll through the deserted streets of Bologna in the winter evenings hoping to see some lights on in the frescoed buildings of the noble palaces of the city centre. So I began to read up on the various painters who went and worked in Bologna over the centuries and, soon I identified my hero in Annibale Carracci. So I tried to find out the most significant works which remained in the town. Soon I came to understand that the real masterpiece of Annibale Carracci were the frescoes of the Palazzo Farnese in Rome. This emotional bond with the frescoes in the Farnese Gallery, in time, increasingly strengthened, despite more than 17 years living in the United States. Unfortunately, due to the restrictions imposed on visitors, I never managed to see this magical place, even though I think I know every detail in the books and the various reproductions that I have studied. I hope to eventually be able  to visit Palazzo Farnese this year, although I must admit that I have a lot of fear, do not ask me why ... I am sure I will become really emotional …

I have never hidden the fact my great admiration for and the influence that the great Renaissance masters of the fifteenth century such as as Masaccio, Paolo Uccello, Piero Della Francesca, Cosmè Tura, Ercole De Roberti, Beato Angelico, have had upon me. For visitors to the Quadriennale, my interest and passion for ancient painters may seem paradoxical, because in the end the Italian public knows me as a video artist, and as investigator of the “moving image.” The great cycles of frescoes of Italian art were for me an incredible source of inspiration that still has not been exhausted. It is hard for me to describe a work that I have never seen in person, but I believe that it is also paradoxical to try and do so, but perhaps my attachment goes beyond the fresco itself. I have always seen a reserved artist in Annibale Carracci: brave, a dreamer, silent with big changes in mood and temperament like myself. The Palazzo Farnese Fresco is undoubtedly one of the most ambitious and important paintings of the seventeenth century in Italy. As well as Annibale, Agostino and Ludovico Carracci, Domenichino, Francesco Albani, Giovanni Lanfranco have also worked on this cycle of frescoes. The topics chosen for the frescoes of mythological character are done with the technique of trompe l'oeil. The themes selected for the frescoes have a mythological character, depicted with trompe oeil effects.  Among fake architectural structures, Annibale Carracci created the vault of the Palazzo Farnese as a fake picture gallery with lots of painted frames. It is an incredible feast for the eyes. Certainly, the influence of the Roman frescoes by Michelangelo and Raffaello are obvious, but Annibale and his illusionistic games already seem to anticipate the new season of painting: the “Baroque.” For me, the most impressive and fascinating of this cycle of frescoes is at the centre of the vault and it is Triumph of Bacchus and Ariadne. Bacchus, god of wine, appears with an ivy crown on his head and advancing on a chariot pulled by leopards. The colors are beautiful, the composition theatrical and bizarre. At his side, on another chariot drawn by goats, is Arianna, the soon to be bride of Bacchus after being abandoned by Theseus. Also participating in the parade are putti, satyrs and Bacchae with drums, trumpets and bowls full of wine. Sublime and strong, it stuck with me and I still feel the influence. These frescoes for me go beyond the work of art in itself, and I interpret them as a heroic act of man immersed in dreams and madness, achieving the impossible, the infinite. A company with few equals in the history of mankind. For this reason, I thought the overture of Verdi's Forza del Destino was the perfect piece of music to accompany the viewer while gazing at the frescoes. In addition to the patriotic sentiment in Verdi’s music, there is a constant epic and mythological atmosphere, perfect for stories and events in depicted in Annibale’s work. Giuseppe Verdi and Annibale Carracci are two Masters: great men of the past, the two Emilian giants, grown in the same environment where I was born.

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32. Adelita Husni Bey

CSOA Forte Prenestino / via Federico Delpino

Sono cresciuta in luoghi come il Forte Prenestino, che mi hanno dato un alfabetizzazione specifica. Alcuni luoghi persistono in noi perché abbiamo contratto un debito con essi. È  un debito familiare, impetuoso, penetrante, del quale non ci possiamo liberare (fortunatamente) perché costituisce le coordinate dei nostri passi. Ho scelto allora di proporre un breve video, girato in occasione della festa per i 20 anni del Forte Prenestino. Da sotto il palco si leva una polvere fine che si appiccica alle schiene sudate di chi, sfidando il caldo, si è sistemato nella grande arena centrale. Il discorso del primo maggio, intriso di retorica operaista, viene rotto da una frase che mi colpisce: “un occasione per cambiare gli altri, cambiando noi stessi.” Tra tutte quelle parole ferme, masticate così ossessivamente da essere ormai vacue come pozzi d’estate, subentra un piccolo terremoto dialettico. Il mio intervento allora sta nell’esercizio di chiedervi: “chi è l’altro?, ma soprattutto, in cosa potreste cambiare l’altro cambiando voi stessi?”.

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I grew up in places like Forte Presentino. They gave me a specific literacy. Some places persist in us because we have a debt with them. It is a fiery penetrating family debt from which we can not extricate ourselves (fortunately) because it represents the coordinates of our steps. I chose to propose a short video, shot on the occasion of the celebration for the 20th anniversary of the Forte. From beneath the stage rises a fine powder that sticks to the sweaty backs of those who, defying the heat, place themselves in the large central arena. The 1 May s[eech, steeped in working man's rhetoric, is broken by a phrase that strikes me: “a chance to change others by changing ourselves.” Among all these firm words – pronounced so obsessively that they are now as vacuous as summer wells – there is a dialectical earthquake. My intervention consists in  asking: “Who is the other? but, above all, how can you change the other by changing yourselves?”.

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31. Curandi Katz

Rive dell’Aniene, Brancaleone / via Levanna 11

Parchetto Innominato, 1’05”.

“Un posto bello, soprattutto a riva in cui c’è tanto verde. Vicino vi è un allevamento di capre, ed è possibile vedere nei suoi pressi volatili, pesci e altre specie che in acqua vivono le loro avventure quotidiane. I movimenti dell'acqua e la loro osservazione. Nel sentiero che costeggia il fiume, terroso e irregolare, s’incontrano bici, corridori, camminatori, passeggiatori, cani e gatti.”

“Caro perché ci ho passato una bellissima mattinata con lei, di chiacchiere, baci, e occhiate alla natura. Caro perché l'estate dopo che ci siamo lasciati andavo lì alle 6 con una birra. Mi accovacciavo sulla riva  (chiaramente in quei luoghi rimasti che non avevamo esplorato insieme) e pensavo, ricordavo, rielaboravo il lutto. Era il luogo del raccoglimento e dello sfogo che non poteva avvenire in casa. Era il mio rifugio giornaliero. È pieno di significati positivi e negativi. Ricordarlo in tale dettaglio fa salire il vuoto al petto e un inizio di commozione. Signora, se questo non le piace penso ad un altro luogo. Tipo le panche a Colli Aniene L'Aniene mi perseguita, ora appunto abito a Colli Aniene”

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“A beautiful place, especially at the shore where there is a lot of greenery. Nearby there is a goat farm, and you can see birds, fish and other species that in water live their daily adventures. The movements of water and their observation. On a path along the river, earthy and uneven, one meets bikes, joggers, walkers, strollers, dogs and cats.”

“Dear because I spent a wonderful morning with her, chatting, kisses, and looking at nature. Dear because the summer after we broke up I went there at 6 with a beer. I crouched down on the bank (of course in those places that we hadn’t explored together) thinking, remembering, re-elaborating mourning. It was the place of recollection and of the outburst that could not happen at home. It was my daily refuge. It is full of positive and negative meanings. Remembering him in such detail makes emptiness in my chest swell and a sentiment begins. Madam, if you do not like this I’ll think of another place. Such as the benches at Colli Aniene Aniene has haunted me, now I live at Colli Aniene”