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Suoni Per Il Popolo: Zoom sur la programmation locale

Ariane Gruet-Pelchat Publié le 04 juin 2014 sur le blogue de BRBR: http://www7.tfo.org/brbr/suoni-per-il-popolo/

Voici venu le temps de l’année où les concerts se font les plus nombreux. Comme d’habitude, c’est le Festival Suoni Per Il Popolo qui décroche la palme de la programmation la plus audacieuse avec sa centaine de concerts et d’activités en trois semaines. Plusieurs des artistes fétiche des programmateurs sont au rendez-vous (Peter Brötzmann, Michael Gira), et la programmation locale est bien fournie. C’est sur cette dernière que nous nous concentrerons.

D’abord, plusieurs groupes montréalais montent sur scène à l’occasion d’une sortie de disque, ou peu après : Ought (More Than Any Other Day), USA Out of Vietnam (Crashing Diseases and Incurables Airplanes), Sunfields (Habitats), Sonic Avenues (Mistakes), Heat (Ep) et Automelodi (Surlendemains Acides).

Photo: Martin Tétreault

La grille locale expérimentale est bien garnie, à commencer par le 6e chapitre de la série Immersion, initiée par France Jobin à la Galerie Oboro. Les artistes invités, Martin Tétreault et Olivier Girouard, devront improviser avec l’acoustique de la galerie pour créer des nouvelles conditions d’écoute, que Tétreault explorera en fixant différents matériaux à des moteurs de tables-tournantes, dont il captera les ondes pour les mixer en temps réel. Ceux qui sont intéressés par les problématiques entourant la programmation d’artistes d’avant-garde se présenteront aux conférences de CartelMTL les 14 et 15 juin. Suivez ce lien pour la programmation.

La nouvelle salle multimédia de l’Université McGill, qui possède de nombreux espaces sonores distincts grâce à ses 192 hauts parleurs, sera le théâtre de deux soirées exploratoires. Le 9 juin, Jen Reimer, Max Stein, et Adam Basanta seront accompagnés du saxophoniste-improvisateur anglais John Butcher pour mettre en pratique un logiciel créé par les étudiants qui permet de modifier le son en temps réel. Le 10, Eric Lewis y animera une démonstration de trois nouveaux systèmes d’improvisation informatisés.

Photo: John Ascencio

C’est le toit de la Sala Rossa qui servira de base pour la performance de John Asencio. Le montréalais proposera une chronique sur les drônes et le contrôle social en suspendant des micros contact à des cerfs-volants. Il sera intéressant d’être présent à la performance de Le monde sans nous (Alexandre St-Onge, Jonathan Parant, Marie Brassard et l’artiste visuel Karl Lemieux) et à la soirée Island Frequencies, qui réunira plusieurs artistes weirdpop, new wave et gospel électronique, avec des artistes visuels.

Le reste de la programmation expérimentale locale comprend notamment Sam Shalabi, Circuit des yeux, Les Momies de Palerme, l’Ensemble Supermusique, Avec le soleil sortant de sa bouche et Ramzi.

Pour ceux qui veulent des décibels:

Côté local, encore une fois, il ne faudra pas manquer les formations Gashrat et Drøm før du dør, qui partageront l’affiche avec les Américains Magik Markers le 6 juin à la Brasserie Beaubien, ainsi que Sacral Nerves avec Perfect Pussy. Pour du punk plus classique, ça se passe le 7 juin au Drones avec Hand Cream, New Fries, Brave Radar et Koko. La programmation punk présente aussi Heat en première partie de Tyvek ainsi que No Negative et She Divides en première partie de Merchandise.

Photo: Drøm før du dør

Dans un spectacle appelé Destroy Montreal, William Hooker et John Brennan invitent les locaux Josh Zubot et Ellwood Epps pour une improvisation multiforme. Ils joueront avec le trio noise Tired ainsi que Totems, un projet parallèle de chansons d’amour de Grkzgl et John Brennan, avec Alexander Moskos comme invité.

Dans les groupes internationaux, on ne peut passer sous silence Swans et Xiu Xiu le 18 juin au National et Eagulls le 19 à la Casa Del Popolo.

  Côté Jazz:

Pour une deuxième année, le Festival s’unit à l’Hôpital Général juif pour y présenter une série de concerts gratuits pour patients et passants, qui auront la chance d’écouter Le Nouveau jazz libre du Québec, Dave Turner, Jean-Sébastien Truchy, Gypsy Kumbia Orchestra et plusieurs autres. http://www.jgh.ca/fr/jazz

Il ne faudra pas manquer le saxophoniste Yves Charuest, actif dans la scène actuelle montréalaise depuis les années 80, qui rencontrera le pianiste espagnol Agustí Fernández. À voir aussi: L’appel du vide (jazz expérimental) et le concert de Boneshaker (Paal Nilssen-Love avec Kent Kessler et Mars Williams) et du duo Not The Music (Philippe Lauzier et Éric Normand), le 15 juin à la Casa Del Popolo.

  Activités parallèles:

En complément de ses concerts, le festival Suoni Per Il Popolo propose comme chaque année des ateliers, des films et des conférences. Parmi tous les ateliers, on retiendra celui de Jazz Amnesty Sound System (Andy Williams et Sweet Daddy Luv) qui, en trois heures de Dj, feront une chronique de l’évolution de la musique jazz.

Les improvisateurs John Tilbury, Agustí Fernández et Seijiro Mrayama offriront aussi des classes de maître gratuites à la Sala Rossa.

Photo: Extrait de la partition Treatise de Cornelius Cardew Au milieu de la programmation cinéma (entièrement gratuite), c’est une réédition de The Shining précédée d’une heure de documents titrée The Secrets of The Shining qui attire l’oeil. Il faudra aussi assister à l’interprétation de la pièce Treatise de Cornelius Cardew, avec projection des 193 pages graphiques de la partition. Le compositeur anglais décédé en 1981 fait aussi l’objet d’une série de conférences dont l’horaire complet est à consulter ici: http://www.improvcommunity.ca/colloquia/mcgill-colloquium-2014

Il conviendra évidemment d’aller étudier la programmation complète du Festival Suoni Per Il Popolo, car ces quelques noms ne sont qu’une infime partie d’un buffet qu’il fait toujours bon essayer à l’aveuglette.

Programmation complète disponible via ce lien

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Poni: acoustically incorrect

Publié sur le blogue de BRBR le 22 mai 2014: http://www7.tfo.org/brbr/poni/

Le moins qu’on puisse dire, c’est que les gars de Poni ne regardent passer le train les deux doigts dans le nez. Nicolas Gosselin et Simon Gauthier viennent de traverser les finales des Francouvertes avec leur groupe Deux Pouilles en Cavale, Simon et Jonathan Bigras ont lancé juste avant Noël un album avec Les Guenilles, et Jonathan est probablement le batteur le plus en vue sur la scène locale en ce moment (BP Black Piranha, Red Mass, The Muscadettes). Seul le chanteur Nicolas Beaudoin a quitté Buddy McNeil And The Magic Mirrors, qui eux aussi sortent un disque cette semaine, pour se concentrer sur Poni.

Poni a hérité de la pesanteur et de l’amour des rythmiques complexes des membres de son backing band, mais dans une ambiance qui ressemble plus aux chansons atmosphériques de Gros Mené ou de In Vitro (projet parallèle des deux gars de Band de Gagage). Les gars viennent du Lac, et ils ont beau avoir leur propre son, impossible de ne pas y entendre Les Dales Hawerchuk et Les Fréres Cheminaud par moments. Sur quelques chansons, on retrouve aussi les percussions de Julien Sagot (Karkwa) ou la batterie de Pascal Rousseau (Deux Pouilles).

Le groupe s’est vraiment cristallisé avec Jonathan Bigras à la batterie autour de l’enregistrement du disque en décembre. «C’est vraiment les trois autres qui composent, Si j’étais dans le processus de créations ce ne serait pas le même band. Les tounes que Sagot et Rousseau ont enregistrées (Bordel, l’Oeil du Fauve) sont moins ma tasse de thé et leur jeu était parfait pour celles-là. L’important, ça reste quand même toujours la toune», affirme-t-il.

Les deux Nicolas se sont rencontrés au Lac. Beaudoin vient de Dolbeau et Gosselin de la rue du Côteau-Marcil, 8 km plus loin. Jeunes adultes, ils donnaient dans «des pièces instrumentales de 13 minutes. À 45 km de là, Simon Gauthier les regardait aller. «Nous aut’ à St-Fé [licien] on savait qu’il y avait une gang de musiciens à Dolbeau et que c’est là que ça se passait. Y’avaient l’air de tripper en estie. Faque on allait voir des shows. Les deux Nicolas et moi on s’est dit pendant 4-5 ans: “À un moment donné on va se faire un band ensemble!”» Aujourd’hui, ils surveillent les groupes LR Projet, La Poisse et Occult Tofu Soup.

C’est Beaudoin qui a écrit la plupart des textes, souvent en tournée avec Karkwa et Louis-Jean Cormier, pour qui il est technicien depuis dix ans. «Bordel» parle d’un de ses collègues techniciens de son qui perd graduellement la vue depuis un an. «Son surnom c’est Bordel. Il fait beaucoup de tournées, et je me disais: “à un moment donné il va lui rester juste les sons, les odeurs”, et ça m’a inspiré ce texte-là.» «Minotaure», c’est pour «le moment où tu es vidé de ton énergie, que tu dois faire certaines choses et que tu y vas les poings fermés.» Et dans «Crochi», il se met «dans les extra-large pants» de ceux qui se font répéter toute leur vie qu’ils sont gros et n’accompliront jamais rien.

La terre appelle la Base Alpha

En décembre, le quator s’est isolé dans une base lunaire juchée au sommet d’une montagne de Saint-Julien pour enregistrer son premier disque. «On est chanceux», témoigne Nicolas Beaudoin. «Louis-Jean nous a prêté plein de matériel. Il y a des gens qui ont le coeur sur la main, qui sont déjà passés par là et qui nous ont beaucoup aidés.»

La base en question fait partir d’un parc de chalets thématiques dont le propriétaire, Daniel Lamothe, est un célèbre tripeux de musique. On y aurait même vu une prestation du groupe de heavy métal ontarien Anvil en 2010. Plutôt que le chalet rustique, le wagon de train et le moulin rouge, les gars de Poni ont donc choisi le très kitsch Base Alpha, un dôme de métal à l’acoustique imprévisible planté dans le sol. «Quand on voulait parler à quelqu’un qui était à l’autre bout de la pièce, on parlait vers le mur derrière nous et il l’entendait comme si on murmurait à son oreille. C’était un peu acoustically incorrect», illustre Jonathan Bigras, avouant que le résultat était un coup de dés. Mais il fut concluant: le petit effet de rebond quasi imperceptible donne du relief au disque de Poni.

Là-haut, ils étaient tout seuls. «C’est là qu’ils ont découvert mon caractère de marde», rigole Jonathan. «Une chance qu’il était là», nuance Gosselin, «parce que des fois on partait sur des chires! À un moment donné il était quatre heures du matin et on hurlait comme des débiles pour que Nic chante plus fort, “aweille, t’es capable!”. Mais Jaune était couché en haut et comme on enregistrait avec des écouteurs il entendait juste Nic! Faque il nous a dit “Là, ça va faire!”. Pis il avait ben raison, on dérapait complètement!».

Ponì avec un ì

Poni, le nom, aurait dû s’écrire avec un ì. Mais à défaut de l’avoir gardé, pour cause de «pas Facebook friendly», ils ont pu gagner des fans égarés de l’animal sur Facebook. On aurait pu croire le nom simplement humoristique, son côté doux contrastant avec leur musique de fauves, mais Poni vient d’une expression qui a survécu les années. Au départ, toutes les chansons portaient ce nom «Dans notre gang de chums, si quelqu’un faisait une gaffe on disait: “Voyons, Poni!”»

  Prochains concerts: 22 mai, Divan orange, Montréal (lancement de disque) 9 juin, Festivoix de Trois-Rivières 1er août, Échofête de Trois-Pistoles

https://www.facebook.com/4poni http://poni-mtl.bandcamp.com/

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Les Guerres D'l'Amour: Disco interstellaire

par Ariane Gruet-Pelchat Publié sur le Blogue de BRBR le 15 mai 2014: http://www7.tfo.org/brbr/les-guerres-dlamour/  

À la fin des années 70, Montréal avait pris la place de New York comme capitale mondiale du disco. Le club Limelight, premier bar à réserver un étage aux gais et incubateur du Bal en Blanc, recevait toutes les vedettes locales et internationales et les groupes montréalais se multipliaient: Lime, Toulouse, France Joli. Mais lorsque les néons ont commencé à s’éteindre ici aussi, le disco est à peu de choses près tombé dans l’oubli, si ce n’est de quelques artistes qui ont osé s’y abreuver dans les dernières années: Chromeo, Mistress Barbara, Le Couleur et Creature. Or, voici que Les Guerres D’l’Amour saute à pieds joints dans le bain de paillettes laissé vacant par ses prédécesseurs, le délaie avec du funk et des sonorités interstellaires et propage enfin sa bonne nouvelle: l’amour universel.

Femmes du cosmos

Dans leur communiqué, Les guerres parlent d’eux comme de «douze élus qui ont été choisis pour leur personnalité puis leur capacité à déployer de l’amour», et leur spectacle pourrait bien ressembler à un culte. Le chanteur se trémousse dans sa camisole léopard et fait claquer son coat de cuir, il s’agrippe au micro comme un animal, tous les musiciens sont costumés et deux danseuses, «les totems spirituels du band», communiquent leur énergie à la foule. Plusieurs instruments se présentent en paire: voix, batterie, clavier, saxophones: «C’est une loi naturelle, comme les deux froot loops dans un bol de céréales qui veulent se coller», énonce Maxime Bouchard, le leader de la troupe. «On n’est pas venu sur la terre pour être tout seul», clame-t-il.

Bien que leur folie des grandeurs – les costumes, les brillants, les chorégraphies – soit à prendre avec un grain de sel, il serait mal venu de croire que Les Guerres se moquent de leur sujet principal. «Il n’y a pas de sujet plus important que l’amour», affirme Bouchard, qui illustre leurs spectacles comme une «grosse thérapie de groupe». Ésotérique? «On se sent choyé quand on sort d’un show. Il y a une sorte de spiritualité, d’énergie, d’échange, et ça personne ne peut le nier. Oui, dans le fond, on fait du disco ésotérique», répond Bouchard avec un sourire en coin.

Sur la pochette de leur tout récent premier disque, leur nom calligraphié à la Star Wars flotte dans le cosmos au-dessus de deux têtes dorées et d’une immense paire de lèvres. Unisexe, c’est le titre de ce premier disque, un titre qui évoque le croisement des genres et l’ouverture à tous. «Pour que l’amour ne soit plus seulement qu’animal, centré sur les forces d’attraction entre les gars et les filles, mais qu’il unisse les sexes et rééquilibre les énergies», précise le costaud chanteur, les muscles saillants sous son manteau de cuir. «J’ai un casting d’homme, mais à l’intérieur de moi je suis une vraie femme», déclare-t-il. «La société dans laquelle on vit en ce moment est très centrée sur le yang, et on essaye d’apporter un peu de yin. Les Guerres, c’est un band qui est vraiment en puissance, mais qui a une énergie assez féminine, une sensibilité.»

Hommes des cavernes

En fait, on pourrait supposer qu’une partie du groupe aurait déployé le plus gros de son énergie masculine dans le précédent projet de Bouchard, Max Bananaz, qui de l’aveu du chanteur était plus primal. Et si Les Guerres sont 12, Max Bananaz étaient 16, costumés à la manière des premiers hommes ou des Romains, à expérimenter avec toutes les musiques dansantes. «J’adore danser et j’allais souvent voir Papagroove et le Maï Taï Orchestra. Leur énergie m’a influencé. J’avais envie de quelque chose de moins compliqué et de plus accessible», dit-il pour expliquer la transformation de Max Bananaz en Guerres D’l’Amour.

Bébé de l’an 80, Maxime Bouchard a grandi entouré de disco. «Quand j’ai entendu «Love is the Drug» de Roxy Music, j’ai flippé un câble. Il y a des tounes comme ça qui sont arrivées à moi et qui m’ont parlé, et je me suis dit que ça parlerait à d’autres monde si on le faisait bien et à notre façon, en joual, en québécois.» Il faut dire que dans la vie comme au micro, Bouchard a une façon de parler colorée et pas toujours kascher.

Leurs rythmes disco sont aussi brassés avec toute sorte d’influences. Les musiciens des Guerres D’l’Amour viennent de la musique du monde, de la chanson, du jazz et du rock. Leur chanson «Palace pardu» commence sur une rythmique baile funk avant d’atterrir sur un solo de clavier fusion, «Les crocs dins veines» est carrément funk et les chansons plus lentes nous envoient dans l’espace avec leurs sonorités cosmiques quasi psychédéliques. S’ils ont simplifié leur offre et encadré leurs chansons à l’intérieur de structures plus classiques, les musiciens continuent de s’amuser avec les rythmiques, conférant à la chanson «Sabine» une signature particulière. «S’il y a une chose que j’ai apprise», confie Bouchard, « c’est que plus tu laisses les gens libres, plus ils vont jouer ce qui leur vient du coeur, et mieux ça va sonner. C’est quelque chose que tu ne veux surtout pas contrôler.»

C’est aussi dans le choix du mix que le son des Guerres D’l’Amour apparaît clairement développé à une autre période que «Pied de Poule» et «Ce soir on danse à Naziland». Pour Unisexe, le groupe a fait deux sessions d’enregistrement au studio Mixart, puis Bouchard l’intuitif est reparti avec les pistes et a tourné les boutons à l’oreille, jusqu’à donner ce son un peu diffus qui les caractérise. Dans l’offre musicale québécoise des années 2010, ce premier disque des Guerres D’l’Amour est un ovni qu’on peut aimer ou détester, mais qui est incontestablement énergisant.

Les Guerres D’l'Amour en spectacle:

31 Mai au Festival Hops & Rocks ( Dunham) 19 Juin au Festival Artefact (Valleyfield) 25-26 Juillet  au Festival de la chanson (Tadoussac)

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Les fantômes de Corriveau

Ariane Gruet-Pelchat Publié sur le blogue de BRBR le 2 mai 2014 (dates de spectacle mises à jour) : http://www7.tfo.org/brbr/les-fantomes-de-corriveau/

Antoine Corriveau n’a que 29 ans, mais on peut déjà le placer aux côtés de Richard Desjardins, Gilles Vigneault et Daniel Lavoie. Il possède l’instinct du loup et compose des chansons qui jamais ne tournent en rond, qualités qu’il confirme avec son deuxième album, Les ombres longues.

Le titre du disque s’est imposé à l’esprit de Corriveau bien avant sa sortie. «Au départ, l’album parlait beaucoup de ruptures. Je percevais ça un peu comme des fantômes, comme des ombres qui vont te suivre toute ta vie, car ça fait maintenant partie de toi.» Des bris drastiques qui se sont produits en rafale dans l’entourage du jeune chanteur peu après le lancement de son premier disque, et qui ont amorcé la plupart des nouvelles chansons.

Si les ombres longues sont dessinées par le soleil descendant, les rayons sont aussi pour lui des violents coups de fouet qui transpercent les fenêtres après un réveil difficile. « J’ai déménagé dans un petit appart un peu miteux à la suite d’une rupture, un appart où tu ne pouvais pas te faire des toast et du café en même temps sans que les breakers ne sautent, que j’ai aussi prêté à une amie quand elle s’est séparée, et pour moi c’était comme un lieu de reconstruction. La phrase qui ouvre la dernière chanson du disque a été écrite il y a très longtemps dans une situation semblable. L’idée était de faire une chanson sur le renouveau qui peut surgir après un moment difficile. C’est peut-être la seule pour laquelle on peut parler de “soleil réconfortant”.»

Si au départ Antoine Corriveau croyait être en train d’accoucher d’un disque tranquille, «quelque chose à la Monsieur Mono», les événements du printemps érable ont changé la donne. «C’est comme si le calme n’avait pas eu le temps de s’installer dans mon écriture et que la grève étudiante était venue y apporter un côté plus colérique», analyse-t-il, les yeux sombres cachés derrière ses longs cheveux en bataille, le rythme de la voix soudainement plus saccadé alors qu’il revient sur la crise. «Je trouve ça particulièrement épeurant que quelqu’un y ait perdu un oeil. Ce qui me frappe beaucoup c’est comment, du jour au lendemain, on dirait que plus personne n’a voulu en parler. Je ne suis pas objectif parce que ça me touchait beaucoup et que pour moi c’était immense – et je pense que ça l’était -, mais je crois que beaucoup de médias ont voulu faire paraître ça moins gros. À mon avis on va en voir les traces dans plein de disques, de livres, de pièces de théâtre et de films.»

Cette colère en réserve, Corriveau l’a volontairement canalisée dans des chansons plus hargneuses que celles qu’on retrouvait sur son premier disque, St-Maurice/Logan, et s’est nourri d’artistes qui assument leur penchant pour le grave et l’obscur sans en devenir plaignards: Nick Cave, Howe Gelb, Bonnie Prince Billy, Yo La Tengo. Épaulé par son fidèle collaborateur Nicolas Grou, il a dessiné la plupart des arrangements directement en studio à partir des idées de ses musiciens, se donnant le loisir d’essayer différents chemins avant de se fixer. «Le but c’est quand même de faire le meilleur disque qui soit. On est une gang d’instinctifs, et ce sont des gens que je trouve super talentueux et en qui j’ai vraiment confiance. Les chansons des «Ombres longues» appelaient quelque chose de dense; il y a beaucoup de stock, mais personne ne se pile dessus.»

Et tant qu’à faire un disque plus rock, Antoine Corriveau a bien l’intention cette fois de monter sur scène avec tout son groupe plutôt qu’en formation réduite, ou, le cas échéant, seul avec sa guitare. «Une bonne chanson doit pouvoir être jouée avec seulement une guitare ou un piano», conclut-il.

Dates à venir (mises à jour): Jeudi 1er mai - 20h // Longueuil // Théâtre de la ville En première partie de Klô Pelgag // 32$ // Formule solo Vendredi 2 mai - 20h // Lavaltrie // La Chasse-Galerie En première partie de Klô Pelgag // 15$ // Formule solo Samedi 3 mai - 20h // Val-David // Le Mouton Noir En première partie de Klô Pelgag // 20$ // Formule solo Jeudi 8 mai - 20h // Toronto, ON // Gladstone Hotel Canadian Music Week // Formule band // Vitrine BRBR + Jimmy Hunt, Kandle, Les Hay Babies, Pandaléon Vendredi 9 mai - 20h // St-Hyacinthe // Le Zaricot En première partie de Klô Pelgag // 15$-18$ // Formule solo Jeudi 3 juillet - 18h // Québec // Le Cercle // Festival d'été de Québec Formule band Vendredi 4 juillet - 23h // Trois-Rivières // Le Zénob // Festivoix de Trois-Rivières Formule band Samedi 12 juillet - 20h // St-André-Avellin // Le P'tit Café de l'Auberge 15$ // Formule band Dimanche 3 août // Rimouski // Parc Beauséjour Formule band Samedi 20 septembre // Dunham // Brasserie Dunham Formule band Vendredi 10 octobre // St-Hyacinthe // Le Zaricot Formule band

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Critique: Hot Dreams de Timber Timbre

Publié sur le site de Par La Bande le 13 avril 2014: http://parlabande.fm/timber-timbre-hot-dreams/  

C’est quoi?

C’est l’élégante invitation qui nous est donnée par la main gantée de Taylor Kirk, c’est le regard oblique que cache sa main tendue, c’est une frontière entre le mirifique et l’horrifique. C’est le cinquième disque de Timber Timbre et c’est tout simplement sublime.

  Tu exagères.

Pentoute! D’abord, Taylor Kirk et ses acolytes ont ouvert leurs chansons en émulant les productions des années 50. Tous les instruments électriques sont passés dans un effet de modulation constant et étourdissant. Les cordes, les choeurs, l’autoharpe et le saxophone, sont utilisés avec classe et parcimonie, et tous sont joués avec une grande sensibilité. Il faut s’attarder sur la finale des notes du saxophone de Colin Stetson pour en prendre la mesure, particulièrement à la fin de la chanson débordante de sentimentalité Hot Dreams, une composition intelligente, surprenante, qui nous tient en haleine et s’accroche à nos mémoires. Il n’y a que l’écho apposé sans retenue sur la voix qui peut devenir agaçant.

Et les compositions dans tout ça?

Intelligentes et pénétrantes. Timber Timbre utilise habilement le langage blues (Low Commotion), la valse (Run From Me), le rock and roll et les progressions harmoniques americana (Bring Me Simple Men), les sons modulés et les ostinato de violons (Resurrection Drive Part II), pour définir des ambiances curieuses, prophétiques et féériques, moins glauques que celles de ses précédents disques. Et si Hot Dreams est une oeuvre soignée à l’extrême, il suffit de réécouter les deux premiers disques de Timber Timbre pour se rendre compte qu’avant toute chose, le canadien sait composer des chansons profondément inspirées.

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Nouveau podcast de Par La Bande

Le dernier épisode de Par La Bande, dans lequel je fais jouer du André Gagnon et je parle de l'événement Les Beats, d'Érick Dorion et du nouveau groupe de Martin Tétreault et Michel Langevin, ET\OU.

http://parlabande.fm/parlabande-episode-5/

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Cap sur les femmes

Publié sur le site de BRBR le 1er avril 2014: http://www7.tfo.org/brbr/festival-les-femmes-sen-melent/

Sa résidence permanente tout juste acceptée, la Française Amélie Pichon, directrice de tournée et chargée de production pour plusieurs artistes féminines (Shannon Wright, Mona Chambers, Vicki Brown), offre à Montréal sa première édition du festival parisien Les femmes s’en mêlent. Né à l’occasion de la journée de la femme de Paris en 1997, le festival se décline maintenant dans plus de 20 villes de France ainsi qu’à Göteborg en Suède. Il aura dorénavant aussi pignon sur rue à Montréal, en commençant par les 2-3-4-5 avril prochains.

«J’admire énormément le travail de musiciennes telles que PJ Harvey, Anna Calvi, Lhasa, Agnes Obel, Carrie Brownstein, Annie Clark (St Vincent) ou Shara Worden (My Brightest Diamond), que nous avons invitée sur cette première édition Québécoise», raconte Amélie Pichon. «J’avais envie de leur ouvrir des portes, de leur permettre d’être au-devant de la scène» explique-t-elle en rappelant que les statistiques de la présence des femmes sur les scènes des festivals sont très faibles.

Fait probant, elle a réalisé en travaillant sur la programmation que plusieurs de ses artistes étaient souvent invitées à collaborer avec d’autres artistes, mais moins connues pour leurs projets personnels: My Brightest Diamond avec Sufjan Stevens ou The Decemberists, Milk and Bone avec les Soeurs Boulay ou Alex Nevsky, Molly Sweeney avec Land Of Kush. «Ça devenait une excuse supplémentaire pour les mettre au-devant de la scène», commente-t-elle.

La programmation finalement concoctée par Amélie Pichon est variée et inspirée. Elle s’ouvre avec une vitrine gratuite en début de soirée pourMilk & Bone, le nouveau projet de Camille Poliquin et Laurence Lafond-Beaulne, choristes pour David Giguère et Jason Bajada, qui travaillent actuellement sur un premier ep.

Katie Moore, une femme très en vue sur la scène locale et particulièrement connue pour son apport au travail de So Called, Chilly Gonzales, Feist et Patrick Watson, sera de la première soirée. À ses côtés se produiront My Brightest Diamond et Josha. Auteure, comédienne, poète, conceptrice sonore,membre du duo satirique Crémant Impérial, Mykalle Josha Bielinski est définitivement à suivre.

Le lendemain, Géraldine promet de faire un pâté des codes de la culture pop. Elle a récemment prêté sa voix à la chanson «La prochaine fois que je jetterai mon dévolu ce sera aux poubelles» de l’inimitable Jacques Bertrand Junior, sur fond de flute de pan synthétique, de sirènes de bateau et de sonneries de téléphones, et vient de lancer une nouvelle chanson en espérant ramasser quelques sous pour financer son prochain album. Cette soirée du 3 avril sera complétée par le folk de Maica Mia, dont on a déjà parlé ici: : http://www7.tfo.org/brbr/maica-mia-2/, et de Tessa Kautzman.

Pour finir, Eden Sela sera à la Casa Del popolo le 5 avril avec Sea Oleenaet Molly Sweeney, collaboratrice de Sam Shalabi, et devrait dévoiler les chansons de prochain ep annoncé comme une exploration de la féminité et de la trahison.

Née à Massachusetts, Eden Sela a vécu au Mexique, puis à Montréal, Los Angeles et New-York. On dit de ses performances qu’elles sont touchantes et voyeuristes. Elle a passé ses années montréalaises en vivant sur une occasionnelle paye de stripteaseuse et en partageant tout avec ses colocataires, usant généreusement des vols et des poubelles de supermarchés. Dans ses chansons feutrées, Eden Sela explore ses déchirures et la tension entre tendances fougueuses et convictions traditionnelles. Elle possède une voix lisse comme la bille de métal qu’elle observe dans son premier vidéoclip I-KNOW-YOU-GOT-A-WOMAN. Elle effleure à peine ses mots, laissant vivre les sons organiques et se créer une bulle douce et fragile. Fleur du hasard ou volonté de sa famille éclatée – ses soeurs sont artistes de cirque -, ses noms «Eden» et «Sela» se traduisent respectivement de l’hébreu par «doux» et «rock». Mais son nom a aussi une autre ascendance peut-être plus délicate à porter, celle de sa demi-soeur Lhasa De Sela. Si on retrouve chez elle la même sensualité et la même délicatesse, Eden Sela a choisi de leur faire pénétrer un univers lent électroniquement animé. Ses trois disques sont disponibles en contribution volontaire sur sa page bandcamp.

Le festival Les femmes s’en mêlent se déroule du 2 au 5 avril à Atelier B, La Sala Rossa et la Casa Del Popolo.

En France, les artistes locales The Luyas, Thus:Owls, Duchess Says, Forêt et Kandle participeront à l’édition mère des Femmes s’en mêlent.

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4 initiatives pour la scène locale

Ariane Gruet-Pelchat Publié sur le site de BRBR le 10 mars 2014 (devait être publié le 26 février): http://www7.tfo.org/brbr/quatre-initiatives-pour-la-scene-locale/ Les dernières semaines ont vu naître plusieurs initiatives intéressantes pour la diffusion de la scène locale. BRBR en a passé quatre en revue pour vous.

Méchant trip

Michaël Bardier est une figure bien connue de la scène locale, aperçue dans «quelques bands vraiment pas si cool» (ça, c’est lui qui le dit), dans les pages, naguère, du fanzine Rien à déclarer, et depuis presque six ans comme tourneur chez Dare To Care Records.

On n’a donc pas été trop trop surpris de voir que c’était lui qui se cachait derrière la bannière Heavy trip, nouvelle agence de spectacle qui compte d’aussi beaux noms que Organ Mood, Sonic Avenues, Heat, KenLo Craqnuques, Duchess Says, PyPy, Solids, Alaclair Ensemble et We Are Wolves. S’il travaillait déjà avec les trois derniers chez Dare To Care, Michaël Bardier a complété son catalogue avec des groupes qui selon lui possèdent un potentiel d’exportation, mais sont aussi tous des amis. «Je pense entre autre à Solids qui sont des potes avec qui on a construit quelque chose», dit-il. «J’ai cru au band dès leur premier show et j’ai senti le besoin de leur donner un coup de main. Les gars sont super talentueux, ils sont beaux, ils sont smatts, bref ils ont tout pour réussir à l’international.»

Titillé par l’idée de partir à son compte depuis quelques temps, Michaël Bardier a fait le grand saut en décembre. «J’ai fondé Heavy Trip pour tripper, c’est aussi simple que ça .Je suis très reconnaissant envers Dare To Care — salut Eli — et sur tout ce qu’il a pu m’apporter mais j’avais besoin d’un plus grand challenge, et j’avais besoin de voir jusqu’où je pouvais aller en solo. Au final, on reste tous des passionnés mais j’avais surtout besoin d’un pouvoir décisionnel plus grand, c’est vraiment le point primordial dans l’affaire. J’avais envie de travailler avec qui j’avais envie quand j’en avais envie.»

On peut déjà prévoir des collaborations avec des promoteurs locaux, parmi lesquels Blue Skies Turn Black, avec qui Heavy Trip produit le spectacle de California X à Montréal le 23 mars prochain. En attendant, il est de bon ton d’aller faire un tour sur le site Internet d’Heavy Trip, designé par Charmant & Courtois, les mêmes qui ont réalisé la pochette de 27 Club de Ponctuation. http://heavy-trip.com/fr

Côté punk

Deux autres initiatives viennent donner un coup de jeune à la scène rock. D’abord Analogue Addiction, maison de production qui booke depuis novembre des soirées hautement décadentes, à ne fréquenter qu’en connaissance de cause parce que ça déménage en st-ciboire. Les affiches d’Analogue Addiction ont annoncé des groupes comme After Party Acid People, Devil Eyes, Loose Pistons, Teen Seizure, Melted Faces et bien d’autres encore. Une maison de production à suivre si vous voulez connaître l’endroit du prochain trash. Leur prochain show? Le 6 mars au Café Chaos avec HOMA, Vomit Squad et The This Many Boyfriend Clubs.

https://www.facebook.com/pages/Analogue-Addiction/522173607861884

https://www.facebook.com/events/1430051530571447/?notif_t=plan_user_invited

      Puis Wyrd Distro, sorte de «dépôt central pour la musique émergente» mis en place par Weird Canada dont mon collègue Jean-Étienne Sheehy a parlé dans sa dernière chronique. Wyrd Distro emmagasinera les oeuvres d’artistes canadiens dans un entrepôt afin d’en faciliter l’achat et la distribution. L’organisation se chargera des envois, ajoutant 1$ ou 2$ au prix de vente determiné par l’artiste afin d’en couvrir les frais. L’idée est particulièrement attirante pour les magasins de disques qui ne peuvent se permettre de stocker beaucoup de sorties indépendantes. Supportée par une subvention, Wyrd Distro est une organisation sans but lucrative, gérée comme Weird Canada par une bande de bénévoles. Il fallait voir le lancement simultané de la plateforme dans toutes les provinces canadiennes, même dans les villes de Kuujjuak et Whitehorse, pour comprendre à quelle point la communauté qui tient le projet sur ses épaules est dévouée.

http://distro.weirdcanada.com/

Le Hip-hop Café

Les fans de hip-hop ne seront pas en reste, alors qu’ouvrira le 1er mars prochain un café dédié au genre au coin de l’avenue du Parc et de la rue Villeneuve. L’idée, au départ, était de garder sur place un large éventail de disques hip-hop à vendre, undergrounds comme commerciaux. Dix ans après les premiers germes de son projet, le fondateur Olivier Brault mise surtout des événements ponctuels et sur une musique d’ambiance diversifiée. «Chacun a sa propre définition de ce qu’est le hip-hop au niveau de la musique et c’est souvent relié aux goûts personnels. On tente de mettre la lumière sur ces différences dans le genre et de permettre aux gens de savoir que ça existe et que ça fait aussi partie du monde du hip-hop. Les genres musicaux qui ont donné naissance au hip-hop (jazz, soul, funk, etc…) seront également mis de l’avant. Je ne crois pas que monsieur/madame tout le monde sera contrarié par le genre de musique que l’on entendra.» Le fondateur espère que le concept saura ravir fans comme néophytes. «On tente d’attirer non pas seulement les amateurs actuels, mais également des gens qui pourraient le devenir en découvrant ce qui se fait de bien et de différent de la perception qu’ils avaient de cette culture et de cette musique.»

Le Hip-hop café ouvrira ses portes le 1er mars entre 10h et 22h, avec des dj sets de Mark The Magnanimous et de Dr Mad. https://www.facebook.com/lehiphopcafe?fref=ts

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Jesse Mac Cormack enlève quelques couches

Ariane Gruet-Pelchat Publié sur le site de BRBR le 20 février 2014: http://www7.tfo.org/brbr/jesse-mac-cormack/

Un an après avoir mis fin à son groupe Mak, le multi-instrumentiste et réalisateur Jesse Mac Cormack dévoile un premier ep solo tout en douceur, naturellement appelé Music for the soul.

On avait vu venir le virage solo pendant la dernière année du groupe, alors que le chanteur se présentait de plus en plus souvent seul sur scène, rappelant que c’était lui qui se trouvait derrière les paroles et la musique de son groupe. «C’est vraiment compliqué avoir un groupe», plaide-t-il. «Tu n’as pas besoin de cinq têtes pour décider, tu sais, ça devient encombrant. C’est plus simple être seul et faire ce que je veux quand ça me tente; là, je joue du rock avec des gars, mais je pourrais décider de jouer avec une accordéoniste demain matin et ce serait correct.»

Jesse Mac Cormack est demeuré très minimaliste pour ce premier ep, enrobant ses textes en anglais d’un habillage extrêmement simple, le plus souvent une simple guitare. Il a enregistré les mélodies de Music for the soul chez lui, dans un studio qui voit passer plusieurs artistes montants. S’il a invité Pietro Armato (cor français) et Thanya Iyer (cordes) pour la chanson qui ferme son ep, il a depuis commencé à apprendre la clarinette dans l’espoir d’être de plus en plus indépendant. Envie de solitude? Envie, en tout cas, de revenir aux bases de la chanson.

«On dirait que je m’étais perdu dans le gear, que j’avais oublié ce que c’était que de composer une toune avec un instrument», avoue celui qui n’y allait pourtant pas de main morte niveau couches sonores pour les arrangements de Mak. «C’est facile de bien faire sonner quelque chose si tu mets quinze couches d’overdubs, mais quand tu arrives en spectacle tu essayes de jouer quelque chose qui n’existe pas vraiment. Ce ep, c’est le truc le plus live que j’ai fait jusqu’à présent et j’aime vraiment ça comme ça, je veux que mes prochains enregistrements soient le plus représentatifs possible de ce que je fais sur scène. Il y a un son croche un peu, vraiment comme si je jouais live.»

En concert, Jesse Mac Cormack arrive bien souvent seul sur la scène. Son groupe le rejoint peu à peu pour devenir de plus en plus pesant. «J’aime mieux ça que d’arriver brusquement et de forcer les gens à m’écouter», dit-il. «J’aimerais emmener le monde à comprendre que ça se peut être calme pendant sept minutes.» On ne lui pose pas de question sur ses textes, devinant qu’ils en disent bien assez par eux-mêmes; des bouts d’amour et des arrêts sur image placés sur des mélodies et des progressions harmoniques qui en disent un peu sur les connaissances théoriques du jeune compositeur.

Lorsqu’il ne travaille pas sur son projet, Jesse Mac Cormack produit et réalise d’autres artistes. En un an, il a réalisé ou coréalisé pas moins de six ep, parmi lesquels Krystale, TEA, Jason Stein, Maison Brume et le projet solo de Mélanie Boulay. On peut présentement l’entendre et le voir aux côtés de Émilie & Ogden dont le premier disque sortira incessamment.

«J’aime arranger des chansons, on dirait que c’est fluide, que ça vient tout seul. C’est tripant aussi parce que tu peux essayer des choses sans que ce soit les tiennes. C’est le projet de quelqu’un d’autre, mais tu y as ajouté ta couleur. Il y a quelque chose de vraiment le fun à comprendre c’est quoi un disque, des arrangements, faire quelque chose qui colle… J’aime le disque parce que c’est comme une étape, quelque chose qui te permet d’avancer parce que tu as évacué ce que tu avais à dire», explique celui qui, tout comme ses arrangements, tente peu à peu de se concentrer sur l’essentiel et d’en prendre un peu moins, question de laisser plus de place à son projet personnel.

Music for the soul est disponible en contribution volontaire sur sa page Bandcamp.

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Maica Mia: Envoûtante Odyssée

Ariane Gruet-Pelchat Publié sur le site de BRBR le 11 février 2014: http://www7.tfo.org/brbr/maica-mia-2/ Le duo de rock expérimental Maica Mia fait paraître Des Era, un deuxième disque qui surprend par des rythmes nettement plus appuyés que ce qu’on avait entendu jusqu’alors.

Johnny Paradise et Maica Armata sont frère et sœur d’arme depuis huit ans. Après avoir fait connaissance lors d’une session studio pour laquelle Johnny était ingénieur de son et Maica choriste, ils ont joué ensemble au sein de plusieurs groupes – Key of K, There’s Still Time Brother ainsi que No Future, une première incarnation de leur projet duo. «On a un album enregistré, masterisé et tout avec No Future, mais on ne l’a jamais sorti», avoue la chanteuse. C’est il y a deux ans, avec la sortie de Sparcity Blues, que le duo Maica Mia s’est réellement cimenté. «Ça nous a pris du temps avant de savoir ce qu’on voulait au niveau du son, de l’esthétique et de notre implication dans le projet. On faisait aussi des shows pour lesquels on changeait toujours de nom. Puis on a décidé de faire Maica Mia vers 2012, et à ce moment on a lancé Sparcity Blues, pour lequel on a enregistré des chansons que je traînais déjà.» Leur deuxième disque Des Era, une magnifique collection de chansons sombres, lentes et minimalistes, a été lancé il y a quelques jours à la Sala Rossa, où Maica travaille depuis quatre ans et où le duo a recruté le jeune bassiste de talent Mauro Pezzente (ha, ha) il y a quelque temps. À l’exception de Eugene, Des Era et Wish, les chansons du disque sont abstraites et impressionnistes. Maica pratique le chant automatique, improvisant des mots au gré de son humeur. «Souvent, je trouve que les choses les plus poétiques sortent quand je ne pense pas à ce que je veux chanter», explique-t-elle. «Des fois je ne chante que des mots qui ressemblent à la phonologie anglophone, des ‘’patterns’’ du son qui ont l’air anglais. De là il y a des vraies phrases qui sortent, mais je ne les réalise qu’après les avoir chantées», observe-t-elle. Sur la deuxième piste de leur nouveau disque, le chant rond et langoureux de Maica évoque la curiosité et la fascination de voir quelqu’un mourir. «C’était sur une route de campagne près d’Owls Head», raconte-t-elle. «Il y avait devant nous un tracteur qui n’avançait pas. On se demandait ce qui se passait, puis un homme est sorti du tracteur et est tombé par terre. Il a fait une crise cardiaque. Il est mort devant nous pendant que mon amie essayait de le réanimer et que je tenais sa tête. Il était très vieux. On a appris qu’il s’appelait Eugène et qu’il jouait du violon. C’était la première fois que je voyais quelqu’un mourir.» Sur son poignet gauche, la grande brune s’est fait tatouer la constellation d’Orion, constellation référence pour ceux qui explorent le ciel en hiver. Passionnée d’astronomie, la jeune Maica se créait une chasse au trésor dans les étoiles chaque soir. «Ça m’a beaucoup aidé pendant mon adolescence», admet-elle. L’été, elle quittait souvent pour la Pologne, pays natal de sa mère – Son père, lui, est originaire de Hongrie. L’art polonais étant souvent alourdi par le passé difficile de son peuple, il était inévitable d’explorer son influence sur le son du groupe. «Ma mère, qui est artiste visuelle, est l’une de mes plus grandes influences artistiques. Son histoire est très intense : elle est née en Pologne communiste et est arrivée au Canada comme réfugiée politique. C’est certain que tout ça influencé son art, et son art m’a à son tour influencée. Il y a beaucoup de similarités entre la façon dont elle crée et dont je fais ma musique, donc oui indirectement je dirais qu’il y a peut-être beaucoup d’influence polonaise dans ma musique. C’était parfois très intense d’être entourée de ses oeuvres à la maison, car j’en reconnaissais tous les sentiments.» La mère de Maica Armata, Ludmila Armata, est aussi la créatrice de la pochette de Des Era, une épaisse ligne dont les deux morceaux tentent de se rejoindre, selon la lecture de Johnny Paradise, ou dont les parties se séparent, selon celle de Maica. «On aimait beaucoup le côté minimaliste de ce tableau. Ma mère n’a jamais à me présenter ce que ses œuvres signifient. On se connaît trop.» En plus de la dernière chanson du premier disque de Maica Mia, deux chansons de leur troisième disque, déjà en préparation, seront probablement chantées en polonais. «J’ai peut-être aussi un «soft spot» pour les mélodies polonaises», ajoute Maica Armata. «On écoutait souvent la musique des gitans comme Goran Bregović. J’ai beaucoup aimé les clés dans lesquelles ils chantaient et la façon dont ils passaient d’une note à une autre.» MaicaMia Étonnamment, c’est avec le bluegrass, dérivé acoustique et accéléré du country, que la jeune adepte des tempos lourds s’est réellement mise à la guitare. Assidue des soirées micro-ouvertes au Barfly, admiratrice de Katie Moore, qui s’y produisait souvent, elle s’est un jour décidée à monter sur scène, mais ne pouvait faire autrement que d’y mettre sa touche personnelle. «J’ai toujours été fascinée par les rythmes lents. Je jouais beaucoup de chansons country d’artistes comme Hank Williams ou Lee Hazlewood sur un tempo extrêmement lent. Je ne faisais pas vraiment du bluegrass, mais les gens m’acceptaient quand même! J’y ai rencontré des gens avec qui j’ai commencé à jouer les fins de semaine, mais c’est lorsque j’ai commencé à jouer avec Johnny et notre ami Will Austin que j’ai réellement vécu les chansons plutôt que de juste passer au travers.»

Mais les matins, avant de se mettre au travail, c’est vers le southern et le trap rap que Maica et Johhny se tournent «Des gars comme Future, Young Bud, Gucci Mane. On est très inspiré par leur éthique de travail, et on aime les beats – Johnny joue beaucoup de sampler. Ils travaillent fort et parlent souvent de ça,’’fuck all the haters and keep going.’’ Ils parlent aussi de vendre de la drogue et tout, mais leur réalité est très différente de la nôtre et je suis sûre que si ma réalité était comme la leur je ferais ce que je peux pour m’en sortir.» Maica Mia sera en première partie de PYPY le 15 février au Trh Bar à Montréal : https://www.facebook.com/events/226055964240288/?fref=ts Des Era est en vente via la page bandcamp du groupe Ludmila Armata expose ses œuvres le 6 mars à la galerie d’este. http://en.galeriedeste.com/artist/LUDMILA_ARMATA/exhibitions/

http://www.maicamia.com/ http://maicamia.tumblr.com/

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Toast Dawg - Voyage au Brésil

Publié sur le site de BRBR le 15 janvier 2013: http://www7.tfo.org/brbr/toast-dawg/ L’éclat actuel de la scène hip-hop québécoise n’est pas né d’une cigogne il y a un an. Les beats un peu déglingués et les raps en français colorés de jeux de langue étaient déjà particuliers à Traumaturges et à Atach Tatuq au début des années 2000.

Derrière les beats de ces groupes qui ont fait marque au Québec se trouvait Dj Naes, qui se fait maintenant appeler Toast Dawg lorsqu’il porte son chapeau de producteur. Le voici enfin qui présente ses premiers ep en solo, plus de quinze ans après ses débuts, prix des galas ADISQ, GAMIQ et MU en poche grâce à de nombreuses productions. Brazivilain qui sortira à la fin du mois fait suite à son Love Loop de 2012.

On pouvait déjà sentir une influence des musiques brésiliennes sur son premier ep. Sur Brazivilian, elles constituent carrément le pourquoi du comment. «J’ai toujours aimé ces rythmes-là», déclare-t-il. «En 2002 je suis allé au Brésil pour une convention de graffiti avec d’autres artistes d’ici, dont Monk-e et Avive, qui signe d’ailleurs le tag sur la pastille du vinyle de Brazivilain.» Mais c’est un peu plus tard que l’ancien graffiteur a réellement commencé à collectionner les disques du pays. «Je suis encore de ceux qui achètent des disques. J’en achète plusieurs par semaine. Je vais chez différents disquaires locaux, j’écoute plein de choses et j’achète quand ça me plaît. C’est comme ça que j’ai ramassé la plupart des disques qui sont le point de départ de mes échantillons pour Brazivilain.»

Grand amateur du vinyle, Toast Dawg, qui reprend le pseudonyme de Dj Naes lors de ses apparitions dj, participe aussi à beaucoup de soirées où le vinyle a la part belle, comme les 24h du vinyle du site Music Is My Sanctuary et les soirées Pow Wow, qu’il a organisées pendant sept ans à l’Inspecteur Épingle.

Pour Brazivilain, Toast Dawg s’est particulièrement abreuvé dans le rock psychédélique des années 70, le jazz progressif, la bossa et les beats funky du Brésil. L’un des échantillons les plus intéressants du ep a été repêché sur un obscur enregistrement de terrain. «Je n’ai aucune idée de comment je me suis retrouvé avec ce disque-là!», raconte le producteur. «Je pense que quelqu’un me l’avait donné. Il y a très peu de détails sur la pochette, mais c’est quelqu’un qui est allé taper des jams de percussions au Brésil. L’enregistrement est super ghetto; on dirait qu’on est dans la jungle.»

On peut reconnaître ces sons dans la pièce qui ouvre le disque, pour laquelle Toast Dawg a créé un envoûtant mélange en les joignant à un vieux classique brésilien. À ces rythmes tribaux se mêlent le hip-hop de J Dilla et le fameux effet piu-piu. «La scène québécoise n’a jamais aussi bien été. Je suis vraiment content pour les gens qui en profitent et qui font vivre cette scène-là. Je peux te dire qu’on a trouvé le temps long pendant quelques années. On avait l’impression d’être les seuls à tirer dans une direction. Aujourd’hui il y a plein de kids qui sortent dix beattapes par année, et la scène beat est vraiment globale. Je suis impressionné chaque jour par quelque chose que j’entends.»

Les six pièces de Brazivilain nous entraînent chacune dans un espace différent, mais elles proposent un mariage diablement efficace, toujours servi dans un style propre à Toast Dawg. L’intégration des échantillonnages est particulièrement réussie. Sur la pastille des 300 exemplaires du vinyle, le graffiteur Avive, qui signe aussi le désign de Karim Ouellet, a tagué selon un style de graff brésilien qu’on appelle le pixação (prononcer «pichasson»), ce qui nous fait remarquer que le «pichasson» d’Alaclair Ensemble n’est pas celui qu’on croyait. «Maybe Watson fait fausse route depuis trois ans», rigole Toast Dawg. «Le pixação est le graff en tant que tel et non la personne qui le fait, qui elle est le pixadores.»

Brazivilain sera disponible sur Internet le 24 janvier et présenté «live» le même soir, mais Toast Dawg prévient déjà qu’il en sortira un remix sur lequel on pourra très probablement déguster ses rythmes tels qu’apprêtés avec des rappeurs. Celui qu’on a dernièrement vu dans la pièce de théâtre Mommy mixe aussi hebdomadairement au EM café dans le Mile-End, et sera au théâtre la Licorne le 30 janvier.

Événement facebook du lancement: https://www.facebook.com/events/502203853219819/?fref=ts

http://toastdawgpayzplay.bandcamp.com/

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Un regard froid et le plaisir dangereux du noise

Publié sur le site de BRBR le 9 janvier 2014 http://www7.tfo.org/brbr/un-regard-froid-et-le-plaisir-dangereux-du-noise/ Tant dans sa musique que dans son cinéma, Frédéric Maheux, l’homme derrière le sobriquet Un regard Froid, tente d’aborder  questions et préoccupations psychosociales. Rencontre.

Avec des paroles telles que «J’adore cette possibilité de te briser / Même si tu ne réagis jamais / Tu ne te plains jamais / Ton regard niais / Le visage englué de bile» cachées sous des masses sonores, la nouvelle cassette d’Un regard froid n’est pas à laisser traîner n’importe où. Or celui qui se cache derrière ce pseudonyme a l’argumentaire affûté et il n’en est pas à ses premières offenses, étant également celui qui a réalisé le documentaire sur l’affaire Rémy Couture, Art/Crime.

Avant d’être musicien, Frédérick Maheux est bricoleur d’images. On lui doit plusieurs courts et longs métrages, des vidéoclips pour les groupes Menace Ruine, Prurient, Vengeful et Kickback, des performances avec Influx LASN et une série de collages expérimentaux. Tous ses essais, qu’ils soient musicaux ou vidéos, empruntent l’«approche très collagiste et artisanale» de la scène industrielle. S’il s’est occupé de créer la trame sonore de la plupart de ses vidéos, d’autres ont bénéficié de l’apport musical d’artistes locaux comme Âmes sanglantes et The Vault. Un regard froid est son premier projet à pouvoir vivre sans images, bien que sa toute nouvelle cassette La féminité moderne soit en quelque sorte liée à son prochain long-métrage, Ana.

«J’essaie de créer un son qui se suffit en lui-même, avec ses textures, ses rythmes, ses sonorités, mais il y a toujours des concepts qui me viennent en tête, généralement des questions et des préoccupations psychosociales.» Afin d’obtenir le son le plus brut possible, Frédérick Maheux a enregistré La féminité moderne sans overdubs et avec des morceaux de métal et des outils comme principaux instruments. Or même s’il veut en faire un objet complètement indépendant, la thématique de sa dernière cassette est plus qu’évidente.

«Certains seront certainement en désaccord avec l’idée que je vais énoncer, mais je crois que, même  dans le cas de chansons hyper abstraites comme la collaboration entre Merzbow et Genesis P-Orridge All beauty is our ennemy l’écoute des musiques abstraites comme le noise est très souvent guidée par une symbolique donnée par l’image, le texte ou le label. D’autres croient davantage dans une pureté sonore, dans le fait qu’il faille écarter toute forme de texte ou de symbolique pour avoir de la musique pure, mais moi je suis vraiment de ceux qui vont vers les thématiques et les énergies qui vont orienter autant la composition que les performances.»

Pour mieux comprendre la création de Frédérick Maheux, il faut la regarder dans sa totalité. Au sommet de tout il y a ce nom d’artiste, Lamashtu, repris d’une démone de la mythologie mésopotamienne qui provoquait des fausses couches, enlevait les nourrissons et mangeait la chair des hommes. L’art de Maheux met souvent en scène une image féminine observée à travers le regard fétichiste d’un homme, dans une étude des rapports homme / femme et du misérabilisme érotique. Or même si la femme a immanquablement une image de victime, Frédéric Maheux n’écrit pas pour une lecture au premier degré. «Dans mon long métrage Théorie de la religion on filme un homme qui démembre une poupée de femme pendant une heure, pour en arriver à n’en voir que l’acte auto-destructeur pour l’homme à long-terme.»

Les deux cassettes d’Un regard froid ainsi que le prochain long métrage de Lamashtu, dont le titre est tiré du mouvement Pro-Ana, mettent en scène des femmes ayant des troubles alimentaires. Or le sujet n’est pas tant ces femmes que le regard pervers et fétichiste que porte l’homme sur leur douleur. «On peut faire de la pornographie de n’importe quoi, que ce soit d’un catalogue Sears, d’un roman ou de n’importe quoi d’autre, car ce qu’elle est vraiment c’est une mise en contexte. La fondation des mouvements comme pro-ana [de pro-anorexia, mouvement qui rassemble des personnes souffrant d’anorexie mentale qui cherchent du réconfort] ou de sites comme StopHatingYourBody, où des gens soumettent des photos de leur corps exposé en expliquant leur histoire, se veut très humaniste. Par contre, si on le transpose dans un contexte où on le consomme d’une manière perverse, toute cette information-là change de sens. Au même titre que les journaux qui parlent de victimes et rapportent des détails, qui, décontextualisés, deviennent presque pornographiques. C’est davantage cette pente glissante-là qui m’intéresse. C’est l’idée de ces personnes qui se tournent vers des tumblr où des filles montrent leur corps scarifié et exposent leur misère, et qui regardent ça d’un point de vue fétichiste»

C’est sur ce concept que s’est concentré Frédérick Maheux dans la deuxième cassette d’Un regard froid, «La féminité moderne», afin d’en écarter la vision fétichiste de son film Ana. «Je voulais vraiment canaliser ce qui était abusif et malsain, car ce n’était pas des choses que je voulais retrouver dans le film, pour lequel je voulais me concentrer sur l’aspect plus intellectuel de la question.»

Distribué par l’étiquette italienne Nil By Mouth, qui ne sort que des cassettes en petite quantité, Un regard froid est trop obscur selon Frédérick Maheux pour que ses paroles crues puissent avoir une réelle influence sur un auditeur non averti. «Ce sont des milieux tellement petits… En gros, si tu n’as pas d’affaire là, n’y vas pas. Le plaisir de cette culture c’est son aspect dangereux. Certains ont du plaisir quand l’art les réconforte, moi j’ai du plaisir quand l’art est dangereux», placarde celui qui, en concert, se pose en opposition totale avec son public. «C’est comme Whitehouse dans la mesure où ça vient chercher le fond d’hypocrisie du vernis général d’humanisme», ajoute-t-il, faisant référence aux concerts de l’artiste anglais où le spectateur se retrouve complètement dominé et diminué. «J’ai lu beaucoup sur les sujets dont je traite avec Un regard froid, mais je ne veux pas trop intellectualiser tout ça. C’est très viscéral.»

  http://lamashtu.net/

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Mon top 10 local de l'année 2013

Publié sur BRBR le 2 janvier 2014: http://www7.tfo.org/brbr/le-meilleur-de-2013-7/

Groenland – The Chase Les premiers disques aussi professionnels que celui de Groenland sont loin de faire légion. Les musiciens ont fait de The Chase un disque bien équilibré entre joie ingénue et moments profondément touchants, avec la magnifique «Immune» qui ne peut que rappeler l’œuvre d’Adèle en tête de liste. Les arrangements, quoique légèrement scolaires parfois, sont pensés avec minutie. Ils laissent la part belle au xylophone et au floor tom, et les chansons s’enflamment lorsque les cordes débarquent. Mais Groenland a surtout un «wow factor», l’élément qui viendra prendre l’auditeur par la gorge : l’incroyable soul de la chanteuse Sabrina Halde, qui à plusieurs moments surprend par des éclats techniques servant à merveille les enivrantes mélodies.

Keith Kouna – Le voyage d’hiver C’était évident dès la première écoute que ce disque ne descendrait pas de ma pile de sitôt. Les poèmes de Wilhelm Müller trouvent en Kouna un interprète exceptionnel. Malgré une réécriture parfois très crue des textes, leur prosodie et leur lourdeur sont gardées intactes. La voix caverneuse de l’ex-Goule donne une nouvelle dimension à cette série de chansons mise en musique par Franz Shubert un an avant sa mort, réarrangée avec respect et inventivité par Keith Kouna et René Lussier presque deux siècles plus tard.

Tire le coyote – Mitan Des chansons de frisson, au travers desquelles Benoît Pinette laisse ses peurs s’éventer de sa voix haut perchée. Braillarde sans jouer les martyrs, elle se casse sur des mélodies désarmantes, portées par une guitare americana à laquelle harmonica, steel et piano viennent ponctuellement ajouter de la profondeur. Rares sont les enregistrements qui capturent autant la fragilité d’un humain sans en faire un fardeau.

Cou coupé – Chansons d’ascenseur, d’escalier et de chute libre Disons-le en partant, j’ai ajouté du mien à deux chansons de l’album. Apparence de conflit d’intérêt mise de côté, cette nouvelle incarnation de Jérémi Mourand m’apparait encore plus audacieuse que les précédentes. Caché sous le pseudonyme de Stsyves, Jacques Bertrand Junior prouve encore une fois qu’il n’en a absolument rien à cirer de l’industrie et de ce qu’on peut penser. En compagnie d’une douzaine d’amis, il sort un assemblage de chansons complètement disparates, exécutées à l’envers à l’endroit, pas toujours très droitement, sous les verres de bière qui tombent et les éclats de rire. L’autodérision est maître et elle se montre ici sous forme de solos complètement distordus, d’éléments sonores inappropriés, de grognements et de caricatures musicales. Mais tout cela est loin d’être anecdotique. «Chansons d’ascenseur, d’escalier et de chute libre» est un disque réjouissant de hardiesse, véhicule parfait pour les textes doux-amers qui ont fait la marque du chanteur. Ceux qui le suivent en spectacle depuis un moment seront ravis de finalement y trouver la très vieille et classique «Des savons sales» endisquée. Les autres adoreront, ou détesteront.

Sunny Duval – Amour d’amour Amour d’amour est probablement l’album qui va porter Sunny Duval au devant du grand public; et pour cause. Le vieux routier a ficelé un disque beaucoup plus constant et consistant que ses précédents, tout en s’assurant de le servir avec des martinis «sur le side». Les chansons, roulées dans une orchestration cajun, ont en partie été enregistrées en Louisianne, et l’apport amoureux de Mara Tremblay aux arrangements vient parfaire un disque ensoleillé, traité avec sérieux et rempli de mélodies accrocheuses.

Alaclair Ensemble – Les maigres blancs d’Amérique du noir Il serait difficile d’ignorer l’impact qu’a eu Alaclair Ensemble sur la scène locale cette année. Plus qu’un disque, «Les maigres blancs d’Amérique du noir» est comme une météorite qui aurait forcé une nouvelle rivière à se créer un lit. La troupe plonge dans l’histoire québécoise pour faire de ses racines un tout nouveau cocktail. Elle se moque des codes et ricane en créant un rap incisif, moqueur, et coloré. Les beats sont toujours aussi tranchants, mais ils se sont arrimés à une ligne plus droite que d’autres projets d’Alaclair Ensemble. Si vous ne vous êtes pas encore penchés sur le disque, les textes de «Les maigres blancs d’Amérique du noir» vous donneront de quoi cogiter longtemps pendant les fêtes.

Crabe – Mort de fraîche date Encore un groupe qui prend plaisir à nous désorienter. Le duo n’est pas évident à suivre; il prend des virages serrés pour repartir en sprintant, avant de prendre quelques secondes pour tirer une puff sur une petite mélodie qui saute d’un ton à un autre, puis de l’écraser violemment. C’est peut être un groupe à approcher d’abord en spectacle, puisqu’il faut avoir vu de ses yeux le guitariste Mertin Höek pour comprendre à quel genre d’univers on s’attaque, mais «Mort de fraîche date» est un parfait prétexte pour se lancer dans l’activité défoulante de votre choix.

Jimmy Hunt – Maladie d’amour Le dandy a pondu cette année un disque riche en textures surprenant de maturité. Aux sceptiques quant à la pertinence d’engager un réalisateur, «Maladie d’amour» est une excellente réponse. Il est clair que les chansons ont été travaillées avec recul et que chaque collaborateur a été méticuleusement choisi. Le mix suave et aéré de Chris Moore (Yeah Yeah Yeahs, TV On The Radio) sert à merveille les arrangements d’Emmanuel Éthier (Passwords, Cœur de pirate, Kandle…) et de Christophe Lamarche-Ledoux (Rock Forest), qui ont su tremper les compositions de Jimmy Hunt dans une soie pop, disco et rock and roll très représentative de l’univers personnel du chanteur. Celui-ci brille par la douceur de son interprétation et la subtilité de ses textes et sait se révéler cinglant lorsque nécessaire. Jimmy Hunt vient de franchir un énorme pas avec ce dernier disque.

BP Black Piranha – Trois croix à l’envers Parce que ç’a tourné allègrement chez moi, avec un point boni pour le spectacle. Jonathan Bigras (Les Guenilles, Les Muscadettes) et Nathalie Gélinas sont sur scène pour le plaisir brut et en profitent toujours pour se jouer gentiment de ce qui les entoure (je ris encore leur imitation d’Alaclair Ensemble au CFC). Entendons-nous, la formule est on ne peut plus linéaire. Deux voix hurlent en cadence des textes acides sur des flèches punk. Mais ça passe comme des petites fusées et on en redemande encore, en gardant toujours une oreille sur le jeu de batterie de Jonathan.

Tim Hecker – Virgins Le paysagiste sonore s’ouvre à des sonorités plus lumineuses, plus définies et plus pénétrables que sur ses disques précédents. Si des drônes et du noise se glissent au travers des pièces, celles-ci magnifient avant tout l’utilisation de l’espace et les sons organiques, comme le clic-clac des marteaux du piano frappant sur ses cordes. Des cuivres adoucissent aussi les ambiances, desquelles se dégagent de fort jolies mélodies. C‘est vertigineux et poignant, doux et crispant. Le disque n’est certes pas facile à aborder, mais lorsqu’on lui a accordé le temps nécessaire il sait s’épandre dans notre esprit pour ne plus en ressortir.

Mentions spéciales : Dead Obies et Les Guenilles que je n’ai simplement pas encore assez écoutés; Maxime Robin qui a en 2013 entamé un excellent projet intitulé Productivity Beattape; Sarah Neufeld qui fait d’un disque de violon solo un voyage aux côtés de Terry Riley; The Brains qui ont sorti un disque très solide dans leur genre; Solids; VNCE; A Tribe Called Red; Suuns; Pierre Lapointe; Osti One; Champion…

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Montréal Carnivores: La viande autour de l'os

Publié sur le site de BRBR le 5 décembre 2013: http://www7.tfo.org/brbr/montreal-carnivores/ Après un ep intitulé viande, les garçons de Montréal Carnivores ont ficelé un premier disque, toujours autour du sujet et joliment appelé Jambes. Loin de se prendre la tête, ils lâchent un ragoût de rock, de grunge et de punk qui constitue une suite tout à fait appropriée à leur précédent groupe l’Orchestrol Parade. Simplement, ils ont précisé leur recette.

Originaires de Saint-Jean-Sur-Richelieu, François-Xavier Paquin et Benjamin Arcand, respectivement batteur et guitariste, jouaient déjà à «kick la canne» ensemble lorsqu’ils étaient enfants. Ils ont cessé d’enregistrer leurs fameuses cassettes de blagues au début de l’école secondaire pour se mettre à la musique et former le groupe Carpet Sweeper. «C’était dans le temps de la salle L’X à Montréal», se rappelle le batteur. «Ça manque crucialement, des salles de 200 places all-ages. Il faudrait qu’il y en ait à St-Jean-Sur-Richelieu, en région, partout. À Montréal il devrait y en avoir dix. C’est ce qui fait que la scène marche, parce que les bands plus âgés se lient avec des bands plus jeunes», plaide l’ancien animateur à la maison des jeunes Le Dome.

Avec leurs groupes suivants, The Original Wrecking Crew et l’Orchestrol Parade, François-Xavier et Benjamin s’étaient éloignés du ska punk pour faire dans… un bel amalgame de plein d’affaires. «L’Orchestrol c’était foufou, funk, même polka et reggae.» Pour Montréal Carnivores, le duo d’amis s’adjoint du bassiste Félix Riou-Campbell et alourdit la pâte. «Ce qui est le fun, et ça fait un peu drôle à dire parce que je suis un gars qui aime l’éclectisme, c’est qu’on est un peu plus racés. On avait envie de canaliser nos affaires, on me dit tout le temps que je ne suis pas conséquent!», rapporte le batteur avec son habituel air de clown, se gardant bien de souligner que leurs rythmiques elles ne se sont pas calmées pour deux cents. Les riffs sont encore maîtres chez Montréal Carnivores, qui continuent de tourner les coins quand on ne s’y attend pas.

Les trois garçons ont déménagé à Montréal, mais ils pratiquent encore à Saint-Jean. «Ç’a l’air con, mais on covoiture et ça nous permet d’avoir un moment en dehors du band où on jase et on écoute le hockey. On trouve ça important de rester proche de Saint-Jean, tous ceux qui viennent des régions proches finissent par se faire bouffer par Montréal.» Le voyage leur permet aussi d’apprendre les trucs de chasseur de Félix, question de devenir des carnivores qui se respectent. «Je suis un gros mangeur de viande et j’achète ça avec des serviettes sanitaires dans du plastique! C’est un peu hypocrite», avoue François-Xavier lorsqu’on aborde le sujet. «L’autre fois après le show de Québec on est revenu à Montréal, et Félix ne s’est pas endormi : il a pris son char et est parti chasser à Trois-Rivières!»

Félix comme François-Xavier a étudié en jazz, alors que Benjamin s’est tourné vers le cartoon – c’est lui qui s’occupe du visuel du groupe. Sachant qu’à la petite école François-Xavier et lui passaient des journées entières à dessiner en écoutant de la musique, on peut dire qu’ils ont tous deux suivi leur voie! «Ça étonne du monde que je fasse une maîtrise en compo jazz et que je joue du punk», acquiesce François-Xavier. «À l’école j’écris des tounes pop dans le fond, c’est juste que les gens font ba-bi-di-bi-dou-bi-dou dessus. Mais je ne crois pas en ça la formation musicale, dans le sens que la bonne idée ne vient pas de là. Benjamin n’en a pas et il compose des estie de bonnes tounes.» C’est quand même à son ami François-Xavier Paquin que Benjamin Arcand a demandé de composer la musique pour le court-métrage d’animation sur lequel il travaille, Wackatdooo. https://www.facebook.com/photo.php?v=10151085393997972&set=vb.360545760691490&type=2&theater

Mais la plus grande question reste toujours à aborder: C’est à qui les jambes, sur la pochette? Est-ce à Annie, pour qui François baisse le son dans sa chanson? «C’est un mannequin! Ce serait quelqu’un de vraiment anorexique si c’était des vraies jambes! On a mis dix piasses Benjamin et moi pour l’acheter au Marché St-Michel. Mais on ne dirait pas que c’est un mannequin, parce qu’on est habitué à voir ce genre d’images-là hyper sexualisées.» Pourtant, les paroles de la chanson «Viande» sont on ne peut plus crues : «Viande, fraîche, jambes, yeah!» «Oui mais c’est tellement des beaux mots!», de s’exclamer François-Xavier, toujours enthousiaste. «C’est comme un mannequin, c’est terriblement fascinant. Premièrement c’est magnifique parce que c’est une représentation du corps humain – Léonardo De Vinci dessinait des gens. En plus les jambes sont découpées car on n’a pas le haut du mannequin, esthétiquement c’est intéressant. Mais en fin de compte notre but c’était pas ça, c’est naïf, on fait ça et c’est après qu’on y réfléchit.»

Alors les jambes les suivent partout, sur scène, dans la voiture, dans le salon, au risque de surprendre celui qui sollicite pour une compagnie de câble ou les clients du bar qui les voient traîner sur un ampli à 2h du matin. En deux ans d’existence, le trio a joué avec Bécyk Fantôme, Fun Funeral, les Zerreurs, ODD Limbs et Gros Mené. Avis aux gens concernés, il aimerait bien faire un concert avec Ultraptérodactyle. Nous, on le verrait bien avec Cheval Fou ou avec le duo Jambe.

http://www.montrealcarnivores.com/

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Le Forum des musiques émergentes et indépendantes du Québec: Un bilan

BRBR, 20 novembre 2013: http://www7.tfo.org/brbr/le-forum-des-musiques-emergentes-et-independantes-du-quebec/ C’est à propos du grand absent du Forum des musiques émergentes et indépendantes du Québec que la discussion s’est ouverte, mardi dernier. De 1998 à 2009, la Société pour la promotion de la relève musicale de l’espace francophone (SOPREF) a offert à une pléiade d’artistes indépendants leur première opportunité sur le marché du disque, grâce à son distributeur LOCAL distribution. Mais c’est son rôle de conseiller et d’agrégateur qui semble aujourd’hui manquer le plus à la scène locale.

«La SOPREF était visible, c’était des embassadeurs pour la scène locale. Cynthia (Bellemare, service aux membres) était de tous les événements», se souvient Martine Groulx, ancienne DG de la SOPREF et co-fondatrice de la maison de disque La Meute. «La fermeture de la SOPREF a aussi entraîné la perte d’un lieu de rencontre», ajoute Patrick Labbé (Never More Than Less, disques Nomade). «Leurs locaux étaient un point de chute pour les musiciens qui n’étaient pas de Montréal.»

Lionel Furonnet du Divan Orange en a profité pour annoncer que ses collègues et lui avaient entamé des démarches pour faire de leur immeuble un bâtiment qui sera destiné aux travailleurs de la scène musicale indépendante. À l’image du combat mené dans le mile-end par le regroupement Pied Carré, l’endroit assurera des loyers abordables aux artistes afin de pérénniser la bâtisse et sa vocation artistique.

L’un des grands combats de la SOPREF fut de se faire porte-parole des musiciens indépendants dans toutes les tables de concertation. La SPACQ a repris une partie du mandat de l’organisme, mais on ne peut pas dire qu’elle accorde autant d’importance à tous les styles musicaux, ni que tous les administrateurs sont aussi au fait de la réalité de la scène indépendante que l’étaient le personnel de la SOPREF. Il faut cependant savoir que la SPACQ offre des formations à prix modique. On sentait bien mardi que ces ressources sont encore trop peu utilisées. La SPACQ travaille actuellement à mettre en ligne une grande foire aux questions pour les musiciens qui débutent dans le métier. Elle offrira aussi un calendrier des subventions, un pas de plus pour que les informations voyagent dans la communauté artistique.

Plusieurs pistes de solutions ont été lancées pour faire revivre un esprit de communauté, mais il semble que personne ne croie en la création d’une nouvelle structure. Martine Groulx a proposé de suivre l’exemple du hashtag #EyeOnCanada que s’est attribué le milieu du cinéma canadien, et de créer un terme qui servirait à annoncer toute initiative touchant la scène locale afin de centraliser les informations. Dorothée Parent-Roy (Ultraptérodactyle, Believe Digital) a lancé l’idée de désigner des ambassadeurs pour la scène locale, des gens reconnaissables qui s’afficheraient comme mentors. «Il faudrait que ce soit une personne qui soit dans tous les shows et que les gens se sentent bien d’aller voir lorsqu’ils ont des questions.»

Offre locale en outils et en diffusion numérique:

Le Canada, Québec en tête, accuse un retard astronomique sur l’Europe et les Etats-Unis quant à la consommation de musique numérique. Peu d’artistes indépendants se retrouvent sur les grosses plateformes numériques, puisque ce sont des distributeurs qui font habituellement affaire uniquement avec des maisons de disques qui les nourrissent. Lueur d’espoir, Believe Digital (photo) lancera prochainement une petite sœur destinée aux artistes orphelins.

C’est justement Dorothée Parent-Roy, forte de son expérience chez Believe Digital, qui s’est exprimée la première quant à la pertinence de créer un outil de diffusion numérique québécois. «Je trouve que développer des outils numériques spécifiques pour le Québec c’est se freiner soi-même, s‘empêcher de rayonner à l’extérieur, de développer un nouveau public.»

Les tentatives québécoises de créer une alternative n’ont pour l’instant pas porté fruit. Zik.ca et Poste d’écoute répondent mal aux besoins des consommateurs (les extraits musicaux sont limités en plaisir) et coûtent considérablement plus cher que les grosses plateformes, alors que la population québécoise voit encore peu de valeur à un abonnement mensuel pour du streaming. Mais est-ce que l’idée de départ était bonne? Devrait-on créer un bandcamp québécois pour que les revenus engendrés par les achats restent au Québec?

«Il faut promouvoir le contenu qu’on a mis sur ces plateformes plutôt que d’en créer une nouvelle et d’essayer par tous les moyens d’y emmener les gens, a insisté Patrick Labbé. Dorothée Parent-Roy a également tenu à préciser qu’iTunes ne se réservait pas une cote excessive. «C’est un peu nombriliste de se passer de leurs diffusion dans le but de garder l’argent au Québec. Ils prennent 30%, et en reversent 10% aux droits mécaniques.» Si la création d’une plateforme québécoise n’a pas semblé faire son chemin, plusieurs ont souligné l’avantage à tirer parti de la spécificité locale pour se vendre ailleurs. Deezer travaille d’ailleurs sur une page d’accueil destinée aux artistes québécois.

Selon une représentante de la compagnie Greencopper, qui développe des applications mobiles pour les festivals, il faudra tirer parti des «tastemakers». «On se dirige vers une ère de recommandation, mais les outils seront digitaux plutôt qu’humains.» Affirmation précisée par Dorothée Parent-Roy : «Beaucoup de ces algorythmes sont basés sur des spécialistes. La notion de tastemaker est très importante, parce que les gens ne savent plus quoi écouter dans la masse de musique disponible.» «Les gens ne suivent plus Rajotte, mais Songza», a illustré Patrick Labbé. «Il serait donc peut-être plus pertinent de créer un système de recommandation d’artistes québécois que de construire une plateforme externe.»

Sur le marché québécois, la télévision possède encore une puissante influence. «On voyait clairement le ‘avant’ et le ‘après’ du passage de Half Moon Run à Pénélope», a rappelé Sébastien Charest (SPACQ). «Il n’y avait réellement plus de disques en magasins après leur passage.»

Patrick Labbé a finalement souligné le fait que beaucoup négligent de donner leur musique à la Bibliothèque Nationale, qui projette se mettre éventuellement à la numérisation de sa collection de disques.

  Et le reste

Parmi les autre problématiques discutées pendant le Forum, Alexandre Mainville du Cabaret du Mile-End a souligné que la plupart des salles sont locataires de leur immeubles, ce qui les rend inéligibles aux subventions pour changer leur matériel technique. Il attend aussi son permis pour ouvrir sa salles aux moins de 18 ans depuis deux ans.

De nombreux intervenants ont insisté sur la difficulté d’attirer des jeunes de moins de 25 ans dans leurs spectacles ou dans leurs salles. Ancienne employée d’Indica, Dorothée Parent-Roy disait qu’un de leurs sondages avait montré que les jeunes préféraient regarder un concert sur youtube que d’aller en salle. Au Québec, seuls deux réseaux (Contact ontarois en Ontario et Réseau Cerf-Volant dans les provinces atlantiques) font la tournée des écoles secondaires avec des groupes de musique.

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The Steve Brockley Band: Reprendre la route

Le country s’est trouvé un nouveau fidèle, Steve Brockley. Avec son band, le Steve Brockley Band, il parcourt le Canada pour lancer aux quatre vents sa musique.

Publié sur le site de BRBR le 23 octobre 2013: http://www7.tfo.org/brbr/the-steve-brockley-band/

Ce lundi après-midi de grisaille automnale, la ligne téléphonique fait ses petits caprices. Un bruit de friture trace ponctuellement un fossé entre Montréal et la petite ville de Shreiber en Ontario, où Steve Brockley et son groupe tuent le temps depuis trois jours. «On attend que notre van soit réparée en espérant pouvoir jouer notre show jeudi à Toronto», rigole le jeune chanteur à la tête de chérubin, qu’on imagine mal abattu par une embûche du genre.

Il faut dire que leur véhicule n’a pas la vie facile. C’est la troisième fois depuis le lancement de son deuxième disque, au printemps dernier, que le Steve Brockley Band parcourt le Canada d’ouest en est et du nord au sud. Si les musiciens réussissent à réparer l’alternateur défectueux, ils seront à Toronto jeudi soir, puis visiteront Kemptville, Montréal, Winnipeg, Saskatoon, Edmonton et Calgary. C’est aussi l’occasion pour le Steve Brockley Band de lancer son dernier disque en pressage vinyle. La route n’a pas fini de voir le groupe passer.

C’est d’ailleurs en voyage, dans un autobus qui le ramenait sur la côte ouest, que le chanteur a fait ses vœux de fidélité au country. «Mon voisin de siège était musicien et il m’a fait découvrir John Hurt. J’ai été renversé par la façon dont le guitariste semblait jouer les instruments de tout un groupe avec ses deux seules mains. C’était tellement beau…» Jusqu’alors, Steve Brockley était plutôt amateur de hip-hop et de vieux rock – Led Zeppelin, Jimi Hendrix… «Quand je suis arrivé chez moi, la seule chose que je voulais était de jeter mon pic de guitare et d’apprendre à jouer comme John Hurt.»

Au milieu des années 2000, le natif de la Colombie-Britannique habitait Montréal. Il se produisait régulièrement seul avec sa guitare au Grumpy’s et au Barfly et gonflait les rangs des United Steel Workers of Montreal. Il traînait dans son bagage quelques chansons un brin romantiques d’une remarquable douceur. Bientôt, deux vieux amis de la Colombie-Britannique qui étaient eux aussi de passage à Montréal, Leon Power et Kevin Bertram, ont sauté dans le train.

«Leon est un excellent guitariste et mandoliniste country et Kevin faisait plutôt du funk. Les chansons ont définitivement pris du coffre depuis qu’on joue ensemble.» LeBoeuf, le deuxième album du groupe, est une collection d’histoires de la terre et d’infatigables travailleurs, d’amours éperdus et de tableaux honky tonk. Elles font écho à un siècle de musique, marient les progressions blues aux harmonies country et aux guitares folk, satinent le tout d’un peu de pop. On sent Brockley plus personnel qu’avant dans ses textes. «J’essaye toujours d’approcher ce but. Les plus grandes chansons sont celles qui sont vraies, sincères, délicates. Bruce Springsteen, Bob Dylan, Hank Wiliams ont tous écris de telles chansons.» Les musiciens à surveiller dans son coin de pays, avant de laisser Steve Brockley rejoindre son groupe au motel? «The Sumner Brothers, David Newberry et Miss Emily Brown.» The Steve Brockley Band sera en concert: le 26 octobre à l’Escogriffe (Montréal) Le 30 octobre au Rose ‘N Bee (Winnipeg) Le 31 octobre au Basement (Saskatoon) Le 1er novembre au Wunderbar à Edmonton Le 2 novembre au Palamino (Calgary)

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Forum des musiques émergente et indépendantes: Le FDMA fait des petits!

Publié sur le site de BRBR le 7 novembre 2013: http://www7.tfo.org/brbr/forum-des-musiques-emergente-et-independantes/

Quinze ans après le Forum des Musiques Amplifiées (FDMA) et quatre ans après la dissolution de la SOPREF, l’organisme qui en était né, la scène indépendante est peut-être mûre pour une nouvelle remise en question. L’Association de la musique indépendante du Québec (présentateur du GAMIQ depuis 2006) et la SPACQ invitent tous les acteurs de la scène musicale indépendante à en discuter les 12 et 13 novembre.

Les forums sur les enjeux de l’industrie musicale ne sont pas rares. Quelques tentatives ont germé dans la scène locale au milieu des années 2000, Les Bazarderies de Montréal en tête de file, et les festivals de musique tiennent régulièrement des ateliers de discussion. Mais Patrice Caron de l’Association de la musique indépendante du Québec veut placer la scène indépendante locale au centre du débat. «Ces temps-ci les Bobards se font envoyer des amendes à répétition pour excès de bruit, et il y a juste une petite gang qui se révolte. J’ai le sentiment que la fraternité qui a pu exister à une certaine époque n’est plus vraiment présente et j’aimerais qu’on puisse faire front commun.»

De ce forum il espère des résultats concrets, notamment un document synthèse qui supporterait les musiciens et travailleurs culturels dans leurs demandes de subventions. «Je me câlisse de ce que Bob du Zimbabwe pense du téléchargement illégal, je veux entendre Pierre-Jean-Jacques de la rue Hochelaga. Je trouve que le gros problème de la scène locale, par rapport à nos aspirations, c’est qu’on manque de data. On a besoin d’un état des lieux, d’exemples tangibles, de rapports, pour appuyer ou infirmer ce qu’on demande.»

Le CALQ et l’ADISQ ont récemment tenu des débats sur les changements dans l’industrie de la musique et sur l’état de la chanson québécoise. Mais puisque peu de musiciens de la scène émergente peuvent se permettre de payer leur adhésion à l’ADISQ, leur représentation y a été minime. «Les gens qui dirigent le débat se servent de vieilles données qui ne sont plus vraiment pertinentes à notre époque, comme soundscan. Si on les laisse seuls à prendre la parole, ça va prendre un bout de temps avant qu’il y ait un vrai réveil des instances concernées par rapport à la situation, parce que les données sont faussées. Je pense que l’industrie en général a intérêt à connaître les réactions de la première ligne, mais on est rendu au point où des structures nées des suites du FDMA entrent dans les vieilles et ne prennent plus l’innovation en main. La réalité sur le terrain est différente quand on n’a rien à perdre, que quand on risque de perdre quelque chose.»

Parmi les sujets qui seront abordés au Forum, on compte la rémunération équitable sur le web, les avantages et inconvénients des plateformes d’autofinancement, l’offre locale en diffusion numérique, la diffusion scénique, la visibilité vs le cachet, et la portée de la SOPREF. Forcée de dévier de son mandat initial de soutien au membres, épinglée par l’arrivée de la distribution numérique et la visibilité grandissante de la scène locale dans les médias de masse, l’organisation s’est dissoute en 2009. «Je constate l’effet de leur absence de plus en plus, car il n’y a personne pour parler au nom de la scène indépendante. Le gouvernement ne voudra pas parler avec 22 personnes différente. Je crois que le besoin est encore là, mais qu’il faut une meilleure compréhension des structures.».

Au niveau de la diffusion internet, la musique québécoise est encore et toujours en retard sur le reste du monde, et l’utilisation de plateformes comme iTunes rapporte peu de blé au moulin. «On envoie tout notre argent aux Etats-Unis, puis on va pleurer au gouvernement. C’est ridicule.» Les collègues anglophones sont, selon Patrice Caron, des exemples inspirants. «Ils n’ont pas de subvention pour la langue, ne peuvent pas faire des tournées subventionnées comme celle de Cégeps en spectacle, mais ils tirent leur épingle du jeu. Plusieurs finissent par avoir du succès, mais ils savent qu’il faut du travail pour y arriver. C’est une question d’attitude.»

Les 12 et 13 novembre, l’Association de la musique indépendante du Québec et la SPACQ espèrent une discussion ravigorante et une remise en question qui aboutisse à une prise en main. «On a trop tendance à se trouver nul, alors que la scène locale a une résilience admirable. On sait qu’on n’a pas d’argent et que c’est difficile, mais on réussit à faire des success story comme Duchess Says ou Sunns. Grimskunk et Groovy Aardvark se sont bâti une légende, mais c’est parce qu’ils étaient présents sur la scène et jouaient tout le temps. Aujourd’hui on attend les rentrées montréalaises et on ne joue que deux ou trois fois par année, parce que c’est ce que le marketing demande. Il me semble qu’il y a moyen d’avoir plus de fun que ça!»

Forum des musiques émergentes et indépendantes du Québec Les 12 et 13 novembre au MAI http://fdmeiq.com/