Gedanken eines Filmfreaks

[derfilminmeinemkopf]

Die Odyssee

Regie: Christopher Nolan Gesehen am: 27.07.2026 Wertung: 10/10

„Odysseus lebt.“

Wie zu erwarten war, bricht Christopher Nolan mit dem Odysseus von Homers „Odyssee“, stellt einen der größten Helden der mythischen Antike vom Kopf auf die Füße und macht ihn damit zu einer Figur, dessen Denken unsere Zeit dringend braucht.

Der Odysseus der Antike ist fest in der archaischen Logik seiner Welt verankert. Ruhm und Ehre sind alles und keine Kosten hierfür sind zu groß. Es ist der Odysseus der Antike, der Agamemnon dazu drängt, seine Tochter, wie von den Göttern gefordert, zu opfern, der das trojanische Pferd ersinnt und Ajax verteidigt, nachdem er die Statue der Athene in Troja geschändet hat. Odysseus - der Listenreiche - kennt Reue nur in Form seines individuellen Leids, das sich aus seiner Hybris gegenüber den Göttern ergießt. Indem Nolan ihn jedoch eine viel philosophischere Reue einimpft, bricht er mit dem ganzen archaischen Narrativ. Indem Odysseus erkennt, dass es keine gewonnenen Kriege geben kann, sondern nur einen Verlust an Menschlichkeit, dringt er in den Kern von dem vor, was mit unserer Welt nicht stimmt - heute. Kein trojanisches Gold kann den Verlust des Gastrechtes des Zeus aufwiegen.

Dasjenige, was so rege Diskussion über das woke Kino angeregt hat, ist dabei nur Kosmetik. Ein klarer Fingerzeig auf der Metaebene, woher der Wind weht – das hier ist kein Trump-Film. Dennoch bleibt Christopher Nolan einer der größten Regisseure unserer Zeit, auch wenn er eben keinen woken oder auch nur emanzipatorischen Film dreht. Ja auch „Die Odyssee“ besteht, wie alle anderen Nolan-Filme, nicht den Bechdel-Test und man kann ihn zu recht dafür kritisieren. Aber immerhin wird in einem Mainstreamfilm das Problem der toxischen Männlichkeit direkt adressiert, auch wenn der Fokus hier klar woanders liegt. „Die Odyssee“ ist ein weiterer extrem kluger bombastischer Sommerblockbuster, der sich trotz allem weitestgehend an den Homers Plot hält. Indem sein Held jedoch mit der inhärenten Logik dieser Geschichte bricht, bricht er genau mit der Art von Denken, die dafür sorgt, dass wir heute die Welt zerbröckeln sehen. Nolan nimmt den archaischsten Stoff überhaupt und impft ihm auf subtile Weise seine eigene Antithese ein, um dadurch etwas kulturgeschichtlich Fundamentales zu erreichen. Bravo dafür!

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

One Battle after Another

Regie: Paul Thomas Anderson Gesehen am: 30.09.2025 Wertung: 10/10

The Revolution will not be televised.

„One Battle after another“ ist nicht nur ein Film, „One Battle after another“ ist eine Erfahrung. Paul Thomas Anderson erschafft mit allen Mitteln der Filmkunst einen atemlosen Trip, der die Zuschauenden von Anfang an in die Sitze presst und sie nicht mehr zur Ruhe kommen lässt, woran der unfassbar treibende intensive Score einen nicht unwesentlichen Anteil hat.

Aber worum geht es nun in diesem neuen Werk des Meisterregisseurs? Ein Teil der Qualität dieses Kunstwerkes besteht genau darin, dass man über diese Frage ausgiebig streiten kann. Von vielen Besprechungen bereits zum Film der Stunde hochgejazzt, scheint einigen jedoch zu entgehen, dass Anderson uns hier ein trojanisches Pferd unterjubelt. „One Battle after another“ ist gespickt mit linken Mythen, die aber, wie alle Mythen, durchaus mit Vorsicht genossen werden müssen. Vielleicht ist „One Battle after another“ der richtige amerikanische Film für unsere Zeit, er ist aber nicht unbedingt ein Film über unsere Zeit. Es gibt sie, diese sehr realen Momente, etwas wenn Anderson uns migrantische Kinder in einem Käfig zeigt, die mit einer zusammengeknüllten Silberdecke Ball spielen, und dennoch werden diese nur wie beiläufig gestreift, denn hier geht es nicht wirklich um die Realität. Es geht nicht um Trumps Amerika, auch wenn kaum ein anderer Film so viel Projektionsfläche für dieses Thema bietet. Vielmehr illustriert Andersons Film die Unmacht der Kunst überhaupt noch eine plausible Geschichte über eine Gesellschaft zu erzählen, die nur noch in Mustern der Verschwörungstheorie ausdrückbar zu sein scheint. Ähnlich wie Ari Aster in "Eddington" von rechts scheitert nun auch Paul Thomas Anderson von links an dieser Mammutaufgabe und muss scheitern. Er scheint sich dessen aber sehr wohl bewusst zu sein, indem er den Aufruhr, den er durch seine filmische Welle geschaffen hat, sich an der allerletzten Szene brechen lässt. Diese ist nur etwa zwei Minuten lang und wirkt zunächst Anderson-untypisch wie eine typische Hollywood-Disruption zu einem Happy End hin. Schnell entpuppt sich dieses aber als Wolf im Schafspelz, denn wenn man diesen Sturm von einem Film erst einmal sacken lässt, wird schnell klar, dass sein Potential zur Utopie impotent ist und der Regisseur hier vielmehr eine subtile Absage an die linken Träumer inszeniert, da hier auf die aller simpelste Weise deutlich wird, dass die alles andere als liberale digitale Technik am Ende über uns alle obsiegt. "One Battle after Another" ist definitiv einer der wichtigsten Filme des Jahres.

Rico Handorf

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Joker - Folie á Deux

Regie: Todd Phillips Gesehen am: 09.10.2024 Wertung: 04/10

„I’m not alone anymore.“

Da es sich bei "Joker" meiner Meinung nach um einen der besten Filme der letzten zehn Jahre handelt, hatte ich echt Angst vor der Fortsetzung. Leider erwies sich diese Angst ziemlich schnell als ziemlich begründet. Der ganze Musical-Approach ist einfach Bullshit und funktioniert zu keinem Zeitpunkt wirklich. Aber auch darüber hinaus gibt es in "Joker - Folie á Deux" keinen einzigen Moment, der es an Kraft auch nur ansatzweise mit dem Vorgänger aufnehmen könnte. Es ist wirklich als hätte man diesen prall mit Intensität gefüllten Ballon des ersten Films mit der Nadel des Kommerzes aufgestochen, so dass alle Energie entweicht, um dem Publikum anschließend die lapprigen Reste in die Fresse zu werfen. Der einzige Lichtblick ist, dass Todd Phillips bereits einen dritten Film dementiert hat. Was soll man sagen: milk the cow and FUCK OFF!

Rico Handorf

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NOPE

Regie: Jordan Peele Erscheinungsjahr: 2022 Wertung: 09/10

„Der Punkt ist...scheiß auf den Punkt!“

Es ist, als hätte jemand Jordan Peele vom Kopf auf die Füße gestellt, wie Marx sein Anliegen so schnippisch bezogen auf Hegel formuliert hat. Arbeitete der gefeierte Regisseur bei seinen ersten beiden Filmen "Get Out" und vor allem bei "Wir" mit grandiosen Prämissen, ohne etwas daraus zu machen, nimmt er sich bei "Nope" mit der Alienthematik eines der ausgelutschtesten Topoi überhaupt an und drechselt daraus seinen bisher mit Abstand besten Film.

Dies liegt vor allem daran, dass "Nope" trotz seiner äußerst reißerischen Optik sehr viel subtiler ist als seine Vorgänger. Während diese bedeutungsschwanger auf einen Punkt fixiert zu sein schienen, der niemals kam, distanziert sich Peeles Neuling komplett von einer solchen Verkrampfung und schwimmt sich dadurch frei für einen Focus auf einen gelungenen Film. Sicher auch hier wird mit verfremdeten Genrekonventionen gespielt, auch hier gibt es eine Fülle von Anspielungen und einen wunderbaren Subplot über das Kino an sich. Aber all dies bleibt im Hintergrund und gibt der gewaltigen Kulisse und der unfassbaren Präsenz von Daniel Kaluuya in ihr den verdienten Raum. Letztere wird spätestens seit "Queen & Slim" niemanden mehr überraschen. Von diesem Schauspieler dürfen wir noch Großes erwarten. Jordan Peele zieht den Kopf aus dem Sand, nimmt die Kamera in die Hand und fängt an zu laufen - und was dabei entsteht ist sein ganz persönlicher "Der weiße Hai". Für einen etwas müden Kritiker bietet sich somit die äußerst seltene Gelegenheit mit den Worten zu schließen: "Believe the Hype!"                          

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Titane

Regie: Julia Ducournau     Erscheinungsjahr: 2021    Wertung: 09/10

„Ich will nicht wissen, wer du bist.“

„Titane“ ist ein Film wie ein Faustschlag. Regisseurin Julia Ducournau konfrontiert das Publikum mit einer radikalen Körperlichkeit, die sämtliche Sehgewohnheiten sprengt. Ihr Werk wird deswegen gerne als feministischer Horrorfilm bezeichnet, was jedoch nur bedingt funktioniert.

„Titane“ weist unabweislich feministische Tendenzen auf, was sich schon allein an dem krassen Kontrast zwischen der ersten Szene und dem weiteren Verlauf des Geschehens zeigen lässt. Der Film beginnt mit einer Autoshow bei der tanzende und halbnackte Frauen aus einer eindeutig fetischisierenden maskulinen Perspektive inszeniert werden. Diese Perspektive wird im Folgenden jedoch derart radikal aufgebrochen, dass sich in nicht wenigen Kinos der eine oder andere entlarvende Kommentar offenbaren dürfte. Hauptdarstellerin Agathe Rousselle wird hier die Möglichkeit zu einer beeindruckenden Performance eröffnet, die einer Anknüpfung an genderfluide Positionen Tür und Tor öffnet. Gleichzeitig ist jedoch recht deutlich, dass es Ducournau eben nicht darum geht, in irgendeiner Form ein Statement abzugeben. Vielmehr spielt ihr Film damit, sich permanent der metaphorischen Überhöhung anzubieten, nur um sich ständig erneut aus dieser hermeneutischen Umklammerung herauszuwinden. So erzeugen die Ereignisse in „Titane“ zwar ein Sperrfeuer von `What-the-Fuck`-Momenten, folgen aber letztlich durchaus der inneren Logik ihrer Narration. Das Erstaunliche hierbei ist, dass eben diese Narration immer aufs neue den Finger in die sich schließen wollende Wunde der Frage „Was bedeutet das?“ legt, um ihr Schorf mit seiner visuellen Wucht aufzukratzen. Was bleibt, ist Kino als Rausch, das den Zuschauer radikal im Moment festhakt, auch wenn er sich in diesem winden mag. Ein Kino, dem es weniger darum geht, über sich hinauszuweisen, als dass es erlebt werden will und sich eben dadurch selbst ein nicht substituierbares Alleinstellungsmerkmal attestiert. Ein Kino, wie wir es nach der lähmenden Agonie einer Pandemie bitter nötig haben.   

Rico Handorf

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Malignant

Regie: James Wan Erscheinungsjahr: 2021 Wertung: 09/10

„Es ist Zeit den Krebs herauszuschneiden.“

Mit seinem neuen Film "Malignant" beweist James Wan, dass er auf einem Level angekommen ist, auf dem er machen kann was er will. Die Grundthematik des bösen Zwillings ist zwar weit verbreitet im Horrorgenre, aber mit einem solchen Mut zur Überzeichnung, der Trashherzen höher schlagen lässt, wäre sicherlich nicht jeder Regisseur beim Studio durchgekommen.

Dabei lässt sich Wans Film als überraschend stimmige Metapher für ein Trauma lesen, das im wahrsten Sinne des Wortes brutal aufbricht und die Betroffene und ihr Umfeld bis aufs Blut quält. Bevor der psychische Terror jedoch in brachiale physische Gewalt umgedeutet werden kann, lässt der Schöpfer des Conjuring-Universums die Zuschauer lange im Dunkeln tappen, während er sie immer wieder mit einem grandiosen Score anteasert. Ist die Katze dann allerdings aus dem Sack und vergnügt sich damit, ein ganzes Polizeirevier niederzumetzeln, lässt sich bei dem einen oder anderen Gorehound ein schelmisches Grinsen sicher nicht vermeiden.  

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Saint Maud

Regie: Rose Glass       Erscheinungsjahr: 2019       Wertung: 10/10

„My little Savior.“

Bekanntlich testete Gott Abrahams Glauben, indem er von ihm einforderte, dass er seinen Sohn Isaak opfert. Ziemlich harter Tobak. Aber wie der dänische Philosoph Sören Kierkegaard angemerkt hat, besteht das eigentliche Extrem in dieser Prüfung nicht nur darin, dass Abraham sich überwinden muss, seinen geliebten Sohn herzugeben. Vielmehr besteht Abrahams Dilemma vor allem darin, dass es für ihn keine Garantie dafür gibt, ob es wirklich Gottes Stimme ist, die er hört. Vielleicht hat er ja auch einfach nicht mehr alle Latten am Zaun, was die äußerst fragwürdige Opferung seines Sohnes zusätzlich eben auch noch vollkommen sinnlos machen würde. Ähnlich geht er der Protagonistin in Rose Glass Horrormeisterwerk „Saint Maud“, die sich seit kurzem vom Herrn persönlich berufen fühlt, dabei aber durchaus auch mit begründeten Zweifeln ringt.

Gewissermaßen entwickelt die Regisseurin und Drehbuchautorin damit das alt bekannte Spiel aus nahezu jedem Geisterfilm weiter, indem für den Zuschauer mehr oder weniger lange undurchsichtig bleibt, ob die Geister real sind oder die Protagonisten einen eher kreativen Bezug zur Realität haben. Durch das Religionsmotiv bekommt diese Dynamik einen frischen Dreh, der eine durchaus intensive Stimmung aufkommen lässt, denn Maud gibt sich nicht mit dem Dasein einer simplen Kirchgängerin zufrieden, hier treiben ganz andere Extreme ihre Triebe aus. Geradezu genial ist dabei vor allem Glass Entscheidung ihre Geschichte über weite Strecken wie ein ruhiges Sozialdrama zu erzählen, bevor das Ganze schlichtweg explodiert und Schläge in die Magengrube verteilt, die man nicht so schnell vergisst. „Saint Maud“ erreicht in seinem Nachbeben somit eine Intensität, wie man sie schon länger schmerzlich im Horrorgenre vermisst hat. Denn in der Bibel rettet Gott Isaak natürlich am Ende, ob Maud auch soviel Gnade zuteil wird, bleibt jedoch dem Zuschauer überlassen.

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Promising young Woman

Regie: Emerald Fennel Erscheinungsjahr: 2020 Wertung: 10/10

„They put themselves in danger, girls like that.“

Im alles überragenden Schatten der Covid-19 Pandemie verläuft gerade die „Me Too“-Debatte im Sand, ohne dass es wirklich eine gesellschaftliche Veränderung gegeben hätte. In einem solchen gesellschaftlichen Umfeld kommt ein Film wie „Promising young Woman“ gerade recht. In Ihrem Langfilmdebut seziert Regisseurin und Autorin Emerald Fennel toxische Männlichkeit in mitreißender Präzision und gibt dem berüchtigten Rape-N'-Revenge-Genre die schon so lange dringend benötigten neuen Impulse.

Zuletzt wurde Coralie Fargeats „Revenge“, der das Genre ins metaphysische überhöht, in vielen Kritiken über den grünen Klee gelobt. Fargeat verweilt mit „Revenge“ jedoch vollkommen in der herkömmlichen Rape-N'-Revenge-Logik, die unter Empowerment vor allem die Übertragung der Gewaltphantasien der toxischen Männlichkeit auf die weibliche Protagonistin versteht. Sie erschafft somit einen gelungenen und unterhaltsamen Film, dessen Qualität die vom Aufhübschen des genreinhärenten Trashcharakters von Filmen wie „I spit on your Grave“ jedoch nicht überschreitet. Fennel geht mit „Promising young Woman“ jedoch einen ganz anderen Weg. Ihre von Carey Mulligan einfühlsam verkörperte Protagonistin Cassandra ist nicht das direkte Opfer sexueller Gewalt, die auch nicht in einer theatralischen Inszenierung ausgeschlachtet wird, und sie geht nicht den üblichen Weg, die Gewalt der Männer zu kopieren. Vielmehr macht sie sich zum Zerrspiegel der toxischen Dynamik ihres gesellschaftlichen Umfeldes und wird so zum Stein des Anstoßes, der einen Raum der Reflexion zumindest möglich macht. Natürlich gibt es auch hier eine sich steigernde Dynamik, die ganz im Sinne von Simone Weil in der Gewalt der Gnade mündet, die darin liegen kann, sich zum Opfer zu machen. Trotz seiner Intensität verliert Fennels Film dabei nie die Verspieltheit und weiß in jedem Moment zu unterhalten, während er auf eine Tragik zusteuert, die einen Kloß im Hals zurücklässt, der sich viel mehr ins Gedächtnis einbrennt, als jeder R-rated Gewaltexzess es könnte. Food for thought at it's best.     

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Possessor

Regie: Brandon Cronenberg       Erscheinungsjahr: 2020       Wertung: 10/10

„You just make sure to pull the trigger on your way out.“

Die Psyche wird in der Regel erst dann zum Thema, wenn sie als dysfunktional wahrgenommen und dem Interpretationsraum des Pathologischen zugeordnet werden kann. Irgendwo in diesem Definitionsrahmen bewegt sich gekonnt Brandon Cronenbergs „Prossessor“, der erstmals beim Fantasy Filmfest 2020 auf sich aufmerksam machte. Es ist ein Film, von dem man sich vorstellen könnte, dass Zizek über ihn schriebe, er wäre ein mögliches Resultat, hätte Lacan versucht einen Horrorfilm zu drehen.  

Eine Auftragskillerin, die sich quasi parasitär in einen fremden Körper implantieren lässt, um in dessen Gestalt zu morden, bekommt Probleme mit dem lacanschen Imaginären ihrer Identität jenseits ihres Körpers, als diese in Konflikt mit dem Realen der Psyche ihres Wirtes gerät. In den Kampf dieser beiden Akteure um die Kontrolle, schiebt sich dann wiederholt das Symbolische in Form der Stimme der Auftraggeberin der Killerin, die mit ihr ausschließlich in Imperativen kommuniziert. „Possessor“ demonstriert schließlich eindrucksvoll, dass eine Auflösung dieses gordischen Knotens mit der Destruktion von allem Bedeutsamen einhergeht. In, um und über dieser Szenerie schwebt quasi der Zuschauer, als der 'große Andere', der zwar nicht direkt in die Handlung eingeht, aber doch präsent ist und Bezugsrahmen bleibt.

„Possessor“ weiß jedoch auch jenseits aller intellektueller Masturbation zu überzeugen, zumal zu bezweifeln ist, dass Brandon Cronenberg in lacanschen Begriffen gedacht hat, als er diesen geschrieben hat. Er erschafft  hier einen Film, der an die frühen Meisterwerke seines Vaters erinnert, ohne diese zu kopieren. Bei dem jungen Filmemacher ist der Körperhorror zwar noch präsent, findet jedoch lediglich auf einer symbolischen Ebene statt, wodurch das Genre quasi einen poststrukturalistischen Twist erhält und in einer ganz neuen Form von Mindfuck mit philosophischer Dimension mündet. Andrea Riseborough dürfte sich nach „Mandy“ hier in ihrer Hauptrolle also wie zuhause gefühlt haben. Wenn sie so weiter macht, wird sie bald zum Aushängeschild für alles, was im Genrefilm frisch und aufregend ist. Es bleibt somit nur zu hoffen, dass sowohl von ihr als auch von dem jungen Cronenberg noch viel zu sehen sein wird.

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Liebe Cineasten,

coronabedingt war 2020 ja nicht unbedingt ein üppiges Kinojahr, aber es gab trotzdem einige Highlights! Hier meine Top 9 des Jahres in willkürlicher Reihenfolge:

Bloody Hell

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/631706664489435136/bloody-hell-regie-alister-grierson

Tenet

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/629165109574516737/tenet-regie-christopher-nolan

The King of Staten Island

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/627622230191423488/the-king-of-staten-island-regie-judd-apatow

The Vigil

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/625822281644556288/the-vigil-regie-keith-thomas

Guns Akimbo

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/623349332121436160/guns-akimbo-regie-jason-lei-howden

The Gentlemen

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/611486287821766656/the-gentlemen-regie-guy-ritchie

The Women

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/610949218529591296/little-women-regie-greta-gerwig

Queen & Slim

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/190807122208/queen-slim-regie-melina-matsoukas-gesehen

Knives Out

https://derfilminmeinemkopf.tumblr.com/post/190662591068/knives-out-regie-rian-johnson-gesehen-am

Nach fünf Jahren und inzwischen ein paar hundert Filmkritiken auf diesem Blog, habe ich mich entschieden 2021 ein bisschen etwas zu ändern. Ich werde mich ab dem nächsten Jahr von der Kinoprämisse verabschieden und derfilminmeinemkopf wird ein allgemeiner Filmblog werden. Das liegt weniger an den Coronabedingungen das Kino betreffend als daran, dass ich gemerkt habe, dass ich mich durch diese Prämisse doch arg eingeschränkt und bedrängt fühle. Man erwischt ja doch recht häufig mittelmäßige Filme im Kino, über die es eigentlich nicht viel zu sagen gibt. Dementsprechend mäßig erscheinen mir dann auch die Kritiken dazu, zu denen ich mich oft antreiben muss. Im neuen Jahr werd ich daher damit beginnen, alle diejenigen Filme zu besprechen, die mich zum Schreiben anregen – sowohl im guten als auch im schlechten Sinne. Ich erhoffe mir dadurch duchgehend spannende Texte für euch und mehr Freude an diesem Projekt für mich. Schließlich ist das hier ein Hobby. ;-)

Ich hoffe, ihr bleibt mir trotzdem treu. Vorerst wünsche ich euch trotz der derzeitigen Situation einen guten Rutsch in neue Jahr und uns allen viele großartige Filme in 2021!

Euer

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Jean Seberg

Regie: Benedict Andrews Gesehen am: 22.09.2020     Wertung: 05/10

„Denkst du, dass sie uns zuhören?“

Es ist sicherlich streitbar, ob ein Film immer eine stringente Fabel besitzen muss. Unstrittig sollte jedoch sein, dass es einen Unterschied zwischen dem Scheitern und der Verweigerung einer stringenten Fabel gibt. Benedict Andrews „Jean Seberg“ ist eher der ersten Kategorie zuzuordnen und ist einer dieser Filme, deren Ganzes auf frustrierende Weise weniger ist als seine Teile.

Dabei beginnt er zunächst als durchaus interessantes Period Piece, das die mit „Ausser Atem“ bekannt gewordene Protagonistin in einen Zusammenhang mit den schwarzen Befreiungskämpfen in Amerika bringt. Durch ihre Affäre mit einem schwarzen Aktivisten und ihre unverhohlene Unterstützung der Black Panther gerät die junge Schauspielerin in das Visier des FBI. Hier kippt Andrews Film dann in Richtung Biopic, wobei die skrupellosen Machenschaften der Behörden zwar gezeigt werden, der Fokus aber klar darauf liegt, wie schnell Paranoia rhizomatische Strukturen in einem Verstand bilden kann. Oder um es mit Kurt Cobain zu sagen: „Just because you're parnoid don't mean they're not after you.“ Auch dies ist ein durchaus interessantes Thema für einen Film. Leider schafft es „Jean Seberg“ jedoch weder diese beiden Teile sinnhaft miteinander zu verknüpfen, noch einen von ihnen zu einer abschließenden Erzählung zu verdichten. Daher geht Andrews Werk über seine Laufzeit zunehmend die Luft aus und es erstickt an seinen verpassten Möglichkeiten.

Rico Handorf      

[derfilminmeinemkopf]

Bloody Hell

Regie: Alister Grierson         Gesehen am: 20.09.2020 (Fantasy Filmfest)          Wertung: 09/10

„You sick twisted Fuck!“

In den letzten Jahren lässt sich eine interessante Entwicklung beobachten. Streamingdienste wie Netflix und vor allem Amazon arbeiten fleißig daran, dass der Funsplatter in der Mitte der Gesellschaft ankommt, man denke nur an „The Boys“ oder „Doom Patrol“. Erfreulicherweise geht das mit einem überfälligen Erwachen der FSK aus dem Dornröschenschlaf der unsinnigen Indizierungen und Verwechslung von Jugendschutz und Zensur einher, so dass immer mehr Genreperlen nach langer Wartezeit ungeschnitten erhältlich sind. Mit Alister Griersons Funpackung  „Bloody Hell“ hat das zwar nicht direkt etwa zu tun, es dürfte aber dafür sorgen, dass er auch in Deutschland unzensiert seine Fans finden kann und davon wird es einige geben.

Dabei ist der Splatteranteil in Griersons Werk trotz des Titels gar nicht mal so over the top, wie  man denken würde, und „Bloody Hell“ pegelt sich deutlich unter der Blutmenge eines „Braindead“ ein. Dafür wird der Funpart jedoch großgeschrieben, was nicht zuletzt daran liegt, dass hier ein Protagonist auf die Gorehounds losgelassen wird, der auch in recht ungewöhnlich, um nicht zu sagen äußerst strangen, und nicht wenig bedrohlichen Situationen nicht daran denkt, seine Kaltschnäuzigkeit zu verlieren. Er steigert diese sogar dadurch, dass er sich permanent selbst übertrumpft, indem er permanent mit sich selbst im Gespräch ist. Und das macht verdammt viel Spaß. Unterm Strich ist „Bloody Hell“ somit eine krude Mischung irgendwo zwischen „Tanz der Teufel 2“ und „Stirb Langsam“, dessen Drehbuch offenbar Tyler Durden verfasst hat. Danach kann man sich nur alle zehn Finger lecken.          

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Daniel isn’t real

Regie: Adam Egypt Mortimer       Gesehen am: 18.09.2020 (Fantasy Filmfest)   Wertung: 08/10

„Crazy isn't always a bad thing.“

„Denn es ist die anatomische Logik des modernen Menschen, dass er niemals anders leben noch sich ein anderes Leben vorstellen konnte, als das eines Besessenen“, hat Artaud geschrieben. Insofern könnte man argumentieren, dass sich Adam Egypt Mortimer mit „Daniel isn't real“ daran macht, ein waschechtes Psychogramm des modernen Menschen auf die Zuschauer loszulassen und sie dabei mit einem wunderbaren Mindfuck beglückt.

Denn wenn der introvertierte Luke im Collegealter seinen extrovertierten imaginären Freund Daniel aus Kindheitstagen reanimiert, dauert es erwartungsgemäß nicht lange, bis der Besitzende zum Besessenen wird. Dem Wahnsinn wird hier also bewusst Tür und Tor geöffnet und die Art und Weise, wie er Stück für die Stück die Oberhand gewinnt, ist ein visueller Rausch, der jede Menge kreatives Potential entfaltet. Insofern ist es fast enttäuschend, dass eben diese Verweigerung der kybernetischen Angepasstheit, am Ende eben doch nur als destruktives Element mit leicht übernatürlichen Zügen dargestellt wird. Statt also wie Artaud die Frage aufzuwerfen, wo die eigentliche Pathologie in der Gesellschaft liegt, belässt es „Daniel ins't real“ schließlich bei den typischen Topoi des Genres. Das ist zwar einerseits schade, weil so offenkundiges Potential verschenkt wird, es steht aber andererseits einem unterhaltsamen Horrorfilm nicht unbedingt im Wege.    

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Tenet

Regie: Christopher Nolan             Gesehen am: 01.09.2020 Wertung: 10/10

„Brummt Ihnen schon der Schädel?“

Als Inversion wird in der Literaturwissenschaft eine ungewöhnliche Satzstellung bezeichnet, bei der es häufig zu einer Umkehrung der üblichen Reihenfolge der Satzglieder Subjekt-Prädikat-Objekt kommt. Dieses simple Stilmittel der Umkehr scheint Christopher Nolan nicht erst seit Kurzem zu faszinieren, übertrug er dieses doch bereits im Jahr 2000 auf die Zeitstruktur in seinem grandiosen Film „Memento“ und erzählte seine Geschichte kurzerhand rückwärts. Zu dieser Zeit ein Novum, das in Gaspar Noe mit „Irreversibel“ unmittelbar einen Nachahmer fand. Mit seinem neuesten Meisterwerk „Tenet“ geht Nolan jetzt jedoch noch einen gehörigen Schritt weiter und startet nicht weniger als eine Revolution der Erzähltechnik, die sogar den durch anterograde Amnesie gebeutelten Guy Pearce mit den Ohren schlackern lassen würde. Wird er auch hiermit Schule machen?

Wie so oft bei Nolan beginnt alles mit einer simplen aber äußerst effektiven Prämisse. So bildet das Fundament von „Tenet“ die Imagination einer Technologie, mit deren Hilfe sowohl Dinge als auch Menschen “invertiert“ werden können, was bedeutet, dass ihr temporaler Fluss umgekehrt wird und sie sich ab dem Moment der Inversion rückwärts durch die Zeit bewegen. Dieser Gedanke zieht nun jedoch einen ganzen Rattenschwanz an Konsequenzen nach sich, weshalb die Exposition von Nolans neuem Film auch fast die Hälfte der üppigen 150 Minuten in Anspruch nimmt. Wer jedoch das nötige Sitzfleisch und den Willen mitbringt, sich in die Imagination des Kinovisionärs hinein zu denken, wird dafür mehr als belohnt. Der Clou ist nämlich, dass die konsequente Weiterführung seiner Prämisse Nolan die Möglichkeit gibt, Schlüsselszenen gleichzeitig vorwärts und rückwärts zu erzählen, womit er die Sehgewohnheiten des Publikums genüsslich implodieren lässt. Hier wird  tatsächlich eine Erzähltechnik entwickelt, die es im Kino so vorher noch nicht gab. Darüber hinaus ist „Tenet“ nicht trotz, sondern gerade weil er diese Eigenschaften besitzt, der perfekte Blockbuster. Handelt es sich hier doch um einen Film, der geradezu danach schreit, mehrfach konsumiert zu werden. Kein Wunder also, dass gewisse Pressestimmen ihm schon fast messianische Kräfte zuschreiben, wenn sie spekulieren, dass allein dieser Film die Kinos in Zeiten von Corona retten könnte. Christopher Nolan hat es somit schon wieder getan: Während den Wachowski-Brüdern nach der „Matrix“-Trilogie einfach nichts mehr einfallen wollte, scheint das kreative Potential dieses Mannes keine Grenzen zu kennen und er beweist dabei eindrucksvoll, dass sich der Mainstream und intelligentes Filmemachen nicht ausschließen müssen. Hoffen wir, dass das Schule macht!            

Rico Handorf    

[derfilminmeinemkopf]

The King of Staten Island

Regie: Judd Apatow                  Gesehen am: 14.08.2020     Wertung: 09/10

„He seemed so tough at first.“

Das neue Werk von Judd Apatow ist einer dieser Filme, die ihr ganz eigenes Süppchen kochen. In den ersten zehn Minuten hat man noch das Gefühl, sich in einem typischen Slackerfilm zu befinden. Die nächste halbe Stunde driftet dann eher in Richtung Milieustudie ab, bevor der Bogen zu einem verspäteten Entwicklungsdrama gespannt wird. Dennoch wirkt das Ganze zu keinem Zeitpunkt unausgegoren und ist definitiv mehr als seine Teile.      

Der Clou ist hierbei, das „The King of Staten Island“ Genrekonventionen links liegen lässt und sich statt dessen konsequent auf seinen König konzentriert. Hier wird auf radikale Weise personal erzählt, was in gewisser Hinsicht mit unseren Sehgewohnheiten bricht, denn nicht jeder Konflikt wird auserzählt, sondern eben nur die für den Protagonisten relevanten. Pete Davidson spielt diesen verlorenen Scott mit der nötigen Hingabe, um das Publikum bei der Stange zu halten. Dies ist absolut entscheidend für das Gelingen des Films, denn entsprechend seines narrativen Konzeptes ist  Scott in fast jeder einzelnen Szene zu sehen. So werden wir schnell in seine Antriebslosigkeit hineingezogen und leiden an dem Kontrast zum gesunden Menschenverstand, wenn er kontraintuitive Dinge tut, die ihn jedoch nur umso menschlicher machen. Überhaupt ist die große Stärke von „The King of Staten Island“, dass all seine Figuren jenseits irgendwelcher Abziehbilder aus Fleisch und Blut zu bestehen scheinen. So erschafft Judd Apatow einen Film, der sich irgendwo zwischen den starken Aspekten von „Beim ersten Mal“ und „Wie das Leben so spielt“ ansiedelt und in seinem Oeuvre mit seinem besten Werk „Immer Ärger mit 40“ gleichzieht. Dem entsprechend ist man fast enttäuscht, wenn die Endcredits eingeblendet werden und das Licht im Saal angeht, auch wenn dies zum dramaturgisch genau richtigen Zeitpunkt geschieht.  

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

The Vigil

Regie: Keith Thomas         Gesehen am: 28.07.2020           Wertung: 09/10

„Ich hatte Angst.“

Mit „The Vigil“ beschert uns Regisseur und Drehbuchautor Keith Thomas nicht nur seinen Debutfilm, sondern auch den bisher besten Horrorfilm dieses gebeutelten Kinojahres. Ermöglicht hat dies Jason Blum, der mit seiner Blumhouse Production somit endlich mal wieder einen seit längerem schmerzlich vermissten gelungenen Genrefilm präsentieren kann, nachdem „Der Unsichtbare“ und „Black Christmas“ nur bedingt überzeugen konnten und „Fantasy Island“ sich gar als Rohrkrepierer entpuppt hat. All dies gelingt Thomas interessanter Weise ohne das Rad auch nur im Ansatz neu zu erfinden.

Denn sämtliche Zutaten, aus denen diese Totenwache gestrickt ist, hat der geneigte Genrefan so oder ähnlich schon oft gesehen. Seien es nun gruselige Häuser oder rachsüchtige Geister, die jüdische Mythologie mit ihrem Dibbuk, sich bewegende Gegenstände, schreckliche Visionen oder der scheinbare Verlust der Kontrolle über Zeit und Raum. Nichts davon ist wirklich neu und dennoch funktioniert „The Vigil“ wirklich gut. Keith Thomas erschafft einen Film, der als Ganzes tatsächlich mehr ist als seine Teile. Die Einbettung der Story in das jüdische Milieu und seine Mythologie dient sowohl dazu, dem Protagonisten Kontur zu verleihen, als auch dem Horror einen Kontext zu geben, in dem er funktioniert und seine Wirkung entfalten kann. Die Story schlägt Haken, die nicht zu abgenutzt sind, und die Auflösung ergibt einen runden Film, der es schafft, als gelungene Allegorie für den Umgang mit menschlichen Trauma herzuhalten. Von Genrefilmen auf solchem Niveau möchte man gerne mehr sehen und darf deswegen auf Thomas nächsten Film gespannt sein, der ebenfalls von Blum produziert wird und den vielversprechenden Titel „Firestarter“ trägt.

Rico Handorf

[derfilminmeinemkopf]

Gretel & Hänsel

Regie: Oz Perkins          Gesehen am: 22.07.2020     Wertung: 07/10

„Beschränkte Geister glauben nur an das, was sie sehen.“

Regisseur Oz Perkins und Drehbuchautor Rob Hayes schnappen sich das bekannteste Märchen der Welt, befreien es von der Kruste aus tausenden von Liedern und Kinderfilmen und legen den Nerv frei, der sich in jedem Märchen findet, - den blanken Horror. Ihre Herangehensweise ist dabei virtuos, an der Umsetzung hapert es jedoch leider.

Was jedem Kinobesucher sofort mitreißen sollte, ist die unfassbar gelungene Ästhetik des Grauens, die „Gretel & Hänsel“ vom ersten Frame an in ihre Augen gießt. Hier wurde sich wahrlich ausgetobt und die Kulissen und die extrem allegorische Bildsprache sind eine Wucht. In Verbindung mit der parabolischen Erzählweise, die sich subtil immer weiter ausbreitet, muss man schnell an Meisterwerke wie Robert Eggers „The Witch“ oder Darren Aronofskys „Mother“ denken. Der berüchtigten Hexe wird hier sehr gekonnt ein feministischer Subtext ins Drehbuch geschrieben, der sich zu einem hochinteressanten Diskurs im Dialog mit Gretel als Hauptfigur entwickelt. Leider wird die gesamte sehr intensive Dynamik in der Verbindung aus Bildsprache und Subtext jedoch mit einem äußerst konventionellen Ende gebrochen, dass eigentlich nur enttäuschen kann. Denn das, was den bisherigen Film ausgemacht hat, wird hier in derart schockierender Weise verwässert, dass es fast weh tut, wie viel Potential hier verschenkt wurde. Hätte man den Mut gehabt, den eingeschlagenen Weg in den letzten 15 Minuten konsequent weiter zu verfolgen, hätte hier ein echtes Meisterwerk entstehen können. Diejenigen jedoch, denen das Ende gefällt, werden hier mit hoher Wahrscheinlichkeit dafür belohnt, dass sie sich durch die erste Stunde gequält haben, mit der sie dann wohl weniger anfangen konnten. Insofern hält „Gretel & Hänsel“ für jeden die passende Enttäuschung bereit. Dennoch handelt es sich um einen sehenswerten Film, dessen Herangehensweise und vor allem Ästhetik, einen Kinobesuch durchaus lohnend machen.    

Rico Handorf